Del 14 de junio al 11 de octubre de 2026, la Kunsthaus Merano presenta Animacies, un proyecto expositivo colectivo comisariado por Lucrezia Cippitelli y Simone Frangi que aborda el tema de las relaciones entre Europa y Asia a través de una reinterpretación crítica de los sistemas interpretativos occidentales y coloniales. La exposición, articulada a través de instalaciones, pintura, escultura y fotografía, reúne obras de siete artistas procedentes de contextos que a menudo han permanecido al margen de las narrativas occidentales sobre el continente asiático, como Bangladesh, Indonesia, Mongolia, Filipinas y las Islas Fiyi.
Animacies constituye la tercera y última edición de The Invention of Europe. A Tricontinental Narrative, un programa trienal desarrollado en la Kunsthaus durante el periodo 2024-2027 y comisariado por Lucrezia Cippitelli y Simone Frangi. El proyecto pretende cuestionar una visión unitaria y monolítica de Europa, proponiendo en su lugar una reflexión sobre las narrativas establecidas que han definido su historia e identidad.
El título de la exposición hace referencia al concepto de “animacies”, teorizado en 2012 por la académica queer sino-estadounidense Mel Y. Chen en el libro Animacies: Biopolitics, Racial Mattering, and Queer Affect. El término, de difícil traducción tanto al italiano como al alemán, indica una condición compartida de capacidad de acción, vitalidad, movilidad y conciencia que puede pertenecer a entidades diferentes. Desde esta perspectiva, Chen mostró cómo la materia, tradicionalmente considerada inerte o sin vida, puede en cambio ejercer una influencia relevante en las relaciones sociales, las estructuras de poder y la dimensión cultural. La exposición parte de este planteamiento para cuestionar oposiciones binarias establecidas, como las existentes entre animado e inanimado o sujeto y objeto, proponiendo un modelo relacional en el que humanos, animales y objetos están implicados en dinámicas comunes.
Según esta perspectiva, los tejidos, las plantas y los alimentos adquieren un papel activo y se convierten en herramientas capaces de transmitir la memoria, generar transformaciones y crear conexiones. Las obras seleccionadas abordan así las implicaciones culturales, políticas, simbólicas y espirituales de la materia, utilizándola como clave para observar las relaciones de poder, la discriminación y las formas de injusticia.
La exposición se abre con las obras de Shivanjani Lal, nacida en Fiyi en 1982 y residente en Sydney. La artista utiliza tejidos y objetos cotidianos para evocar las vicisitudes de los girmitiya, trabajadores trasladados a la fuerza desde la India a varias colonias británicas, entre ellas Mauricio, el Caribe y Fiyi, durante el siglo XIX y principios del XX. En la instalación Mere Porvaj [Estoy recordando] de 2024, Lal presta especial atención al trabajo de las mujeres, a menudo excluido de los relatos oficiales, abriendo una reflexión sobre la memoria y los sujetos a los que se concede el derecho a ser recordados.
Las plantas también asumen una función central en el trabajo del colectivo Mai Ling, fundado en Viena en 2019. La instalación Not Your Ornamenty el vídeo Becoming Stickiness, ambos de 2023, abordan los estereotipos racistas y sexistas que han contribuido a la construcción de una imagen de la feminidad asiática como elemento decorativo. En el centro de las obras está el kudzu, una planta originaria del este y el sudeste asiático, utilizada tradicionalmente en los sectores textil, alimentario y médico. Introducida en Europa y Estados Unidos a finales del siglo XIX con fines ornamentales, la especie se considera hoy una plaga en muchas zonas occidentales. El colectivo pone en valor sus características de resiliencia y transformación, interpretándolo como un elemento de conexión entre las experiencias migratorias y las prácticas de cuidado compartidas.
La exposición también presenta tres nuevas obras de Chathuri Nissansala, nacida en Colombo en 1983 y residente en Ámsterdam. Las obras se reúnen en una única instalación ambiental que aborda temas como el trauma intergeneracional, la violencia colonial y etnográfica y cuestiones de identidad de género, con especial referencia a la historia de Sri Lanka y los conflictivos legados que de ella se derivan. En la inauguración de Animacies, la artista también presentará una performance.
Las plantas y la memoria regresan en las obras de Jennifer Tee, nacida en Arnhem en 1973 y residente en Ámsterdam. La exposición presenta esculturas, instalaciones y collages. En la serie Tampan Tulips de 2023, los pétalos de tulipán se transforman en elementos textiles con un fuerte valor simbólico. La obra recuerda, por un lado, los orígenes asiáticos de la flor, convertida en emblema de los Países Bajos desde el siglo XVII, y, por otro, los motivos decorativos de los tejidos ceremoniales indonesios llamados “Tampan”, caracterizados por barcos que se convierten en árboles de la vida, símbolos del viaje del alma. El barco y el tulipán evocan también la ruta migratoria de la familia de la artista, que llegó a los Países Bajos desde Indonesia por mar en la década de 1950, entrelazando la dimensión privada y la memoria colectiva. La participación de Jennifer Tee en la exposición cuenta con el apoyo de la Embajada y el Consulado General del Reino de los Países Bajos.
La tercera planta de la Kunsthaus alberga Redeem, un proyecto iniciado en 2020 y aún en curso de Ashfika Rahman, nacida en 1988 en Dhaka, donde vive actualmente. La instalación consiste en un gran bordado sobre tela y surge de la investigación realizada a partir de materiales de archivo y de un proyecto de colaboración dedicado a las conversiones religiosas de las comunidades indígenas Santal y Oraon de Bangladesh. Mediante el uso de bordados, materiales recogidos en la zona y símbolos cromáticos, la obra aborda temas vinculados a la pertenencia, los procesos de transformación y la complejidad de las relaciones en el seno de las comunidades implicadas.
Mongolia, por su parte, es el punto de partida de las esculturas zoomorfas de la serie 15 Faces, creadas desde 2024 por Bekhbaatar Enkhtur, nacido en Ulán Bator en 1994 y residente en Turín. Las obras se inspiran en mitos y tradiciones del país asiático. El artista vinculó el origen de su investigación al recuerdo de un altar doméstico dedicado a una deidad, una experiencia que le llevó a cuestionarse la posibilidad de que una escultura pudiera considerarse un ser vivo dotado de alma.
“Esta experiencia”, dijo el artista, “encendió en mí una profunda reflexión sobre cómo, en ese contexto, una simple escultura podía ser tratada como un ser vivo, dotado de alma”.
La exposición concluye con un mural site-specific de Elia Nurvista, nacida en 1983 en Yogyakarta y activa entre Indonesia y Berlín. La obra pertenece a la serie Long Hanging Fruits, desarrollada desde 2020, y toma como punto de partida la historia del aceite de palma, un producto muy presente en la alimentación contemporánea. La artista reconstruye la historia de la palma aceitera, originaria de África e introducida en Indonesia durante el periodo colonial holandés, para reflexionar sobre las consecuencias medioambientales y sociales del cultivo industrial.
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| Merano, una exposición replantea las relaciones Europa-Asia más allá de las lecturas coloniales |
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