¿Hasta qué punto puede ser grande una idea? La mente puede dar a luz tanto algo infinitesimalmente pequeño como algo infinitesimalmente grande. Incluso la obra más monumental que se haya realizado siempre podrá tener unas dimensiones infinitamente mayores en su idea, de modo que la idea misma consigue ser aún más grande y más poderosa que su realización efectiva. A pesar de que quizá la encontremos dibujada o reproducida a pequeña escala, en una maqueta, en un modelo o incluso en una hoja de papel. Es precisamente esta la sorpresa más inesperada de la exposición de Anish Kapoor, promovida por la Lisson Gallery, que ocupa las salas del Palazzo Manfrin en Venecia, sede de la Fundación del artista, hasta el 9 de agosto de 2026, coincidiendo con la 61.ª Exposición Internacional deArte de la Bienal de Venecia: además de una amplia selección de algunas de las obras monumentales más famosas del artista británico de origen indio (Mumbai, 1954), se exponen aquí alrededor de un centenar de proyectos de los últimos cincuenta años de su carrera. El resultado no es solo una exposición de sus grandes instalaciones que transforman el espacio y modifican nuestra percepción visual, sino, sobre todo, una muestra sobre la génesis de la idea de sus obras, donde la coexistencia de instalaciones terminadas y de proyectos —realizados o no— establece un diálogo entre el Kapoor más espectacular de las grandes exposiciones y el Kapoor «de estudio». Sin olvidar, no obstante, que en el centro de todo se encuentra la fuerza de la idea, incluso cuando la obra finalmente no llega a materializarse.
Detrás de las superficies espejadas que invierten nuestra imagen, de las concavidades que alteran la percepción del espacio, del vacío evocado por el Vantablack y de todas aquellas obras que transforman la arquitectura y la forma en que la miramos y nos relacionamos con ella, siempre hay proyectos, maquetas, bocetos y materiales sencillos con los que el artista intenta dar forma a una intuición.
El eje central de la exposición veneciana son, por tanto, las maquetas, distribuidas en varias salas, en la primera planta del palacio, en torno a los cuales se invita a los visitantes a detenerse para observarlos desde todas las perspectivas, ya que es posible obtener una visión panorámica de 360 grados al dar una vuelta completa alrededor de las superficies planas (mesas o pedestales en el suelo) sobre las que se apoyan. Lo primero que llama la atención es la extraordinaria variedad de los proyectos y la prolífica imaginación del artista, capaz de crear formas cóncavas y convexas, formas dentro de otras formas, protuberancias, curvas, laceraciones, formas brillantes y porosas, negras, rojas, terrosas, formas apoyadas y suspendidas, formas tridimensionales que invitan a asomarse en su interior, en los contextos más variados. Entre los modelos presentes se encuentran los Meteoritos, el Leviatán,el Holocausto Memorial, No Place, In Out, Earth Cinema, el Sky Garden, In The Shadow of the Tree y el Knot of the Earth VIII, y el Kissing Bridge. Y es en este punto donde surge una reflexión: las maquetas ante las que nos encontramos no son simples miniaturas de una obra monumental futura o no realizada, sino la expresión pura de una idea, la expresión pura de la creatividad del artista. La obra, en su maqueta, ya existe. Existe, incluso en el caso de que la obra a gran escala nunca llegue a realizarse.
Con la realización de las instalaciones monumentales, Kapoor da un paso más allá: el artista no se limita a trasladar a gran escala las maquetas elaboradas en su estudio, sino que lo que ocurre es un cambio de escala de la idea original. El paso de la maqueta a la obra monumental no representa, por tanto, una operación puramente dimensional: cuando una idea crece en escala, se modifica profundamente la forma en que se relaciona con el espectador, con la arquitectura y con el espacio que la acoge. La obra adquiere una nueva presencia, que envuelve al espectador en una experiencia perceptiva y corporal. En este sentido, pues, se puede afirmar que las instalaciones monumentales, en comparación con las maquetas diseñadas en el estudio, no son simplemente su traducción a dimensiones mayores, sino ideas que han cambiado de escala y que, precisamente a través de esta transformación, han adquirido nuevas propiedades espaciales, perceptivas y conceptuales. Al observar con atención estas maquetas, queda además claro que la desorientación que provocan algunas de ellas es fruto de un diseño deliberado y preciso, destinado a guiar la percepción e influir en la forma en que nos relacionamos con lo que tenemos ante nosotros. El vacío está diseñado,la ilusión está diseñada y también el asombro que se siente está diseñado. Por ejemplo, es inevitable sentir asombro en la exposición al observar, especialmente desde abajo, la monumental obra *At the Edge of the World*, realizada en fibra de vidrio y pigmento negro, de ocho metros de diámetro, suspendida del techo pintado al fresco del palacio, con el que contrasta claramente. La percepción es la de ser muy pequeños frente a esta gran cúpula que se eleva sobre nosotros: es un claro ejemplo de lo que se afirmaba unas líneas más arriba sobre cómo cambia profundamente la forma en que el observador se relaciona con la obra si se modifica la escala. Además de cómo se transforma el espacio que la acoge.
Si bien Kapoor es conocido por transformar y crear nuevos espacios, también merece una reflexión la elección del material con el que el artista diseña y realiza sus obras: el material se convierte, de hecho, en parte integrante del significado de la obra y del espacio que esta genera. El pigmento parece impregnar y engullir el espacio, como en *Blood in the Sky*, una nueva obra de Kapoor de color rojo expuesta aquí para la ocasión que se apropia de una sala entera;el acero inoxidable pulido y espejado, por el contrario, provoca el efecto contrario, ya que refleja el entorno circundante, pero lo devuelve deformado e inestable, invirtiendo imágenes y perspectivas e involucrando directamente al espectador, como se puede experimentar personalmente ante las diversas obras Untitled.
El hormigón da cuerpo a una materia casi orgánica, como si se tratara de materia viva en continua transformación, y es con este material con el que se ha realizado la instalación que da la bienvenida a los visitantes a la entrada de la exposición: Ga Gu Ma, estructuras que se elevan hacia lo alto compuestas por formas que remiten tanto a la producción industrial como a los procesos biológicos, formas híbridas y ambiguas que evocan un imaginario grotesco y escatológico. La silicona , por su parte, ofrece a Kapoor la posibilidad de superar los límites tradicionales de la pintura, transformándola en un entorno tridimensional y casi carnal, como se puede apreciar en Ocean of Maternal Beginning, una especie de estancia en la que las paredes y el suelo tienen una corporeidad y una carnalidad propias, evocadas también por el color rojo vivo. Por último, el Vantablack, el negro absoluto capaz de absorber casi por completo la luz, representa el punto extremo de su investigación sobre el vacío: de hecho, parece que uno se hunde en el abismo al contemplar *Descent into Limbo*, una de sus obras más famosas, capaz de evocar un verdadero umbral entre la sensación de precipitarse al vacío, a la oscuridad, y la seguridad de encontrarse en un contexto museístico, entre cuatro paredes. La materia se convierte así en un instrumento con el que modificar la percepción del espacio, y las grandes obras e instalaciones expuestas dan fe de ello.
Una de las grandes habilidades de Anish Kapoor, si no la fundamental, es crear a través de sus obras nuevos mundos, nuevos espacios, pero a ello se suma también la de desestabilizar la percepción del espectador, cuestionando el concepto de objeto mediante, por ejemplo, el juego de espejos, la sensación de vacío, superficies que recuerdan el interior del cuerpo humano, y centrando la atención en lo que el artista define como el «no-objeto», es decir, «objetos en los que las cosas no son lo que parecen ser a primera vista».
En esta exposición, con motivo de la cual el Palazzo Manfrin, sede de la Fundación Kapoor, se ha abierto al público por segunda vez (cabe recordar la gran retrospectiva dedicada al artista en 2022, organizada en las dos sedes de las Galerías de la Academia y del Palazzo Manfrin), están presentes todos los conceptos fundamentales de la investigación de Kapoor: el vacío, la materia, la relación entre el cuerpo y la arquitectura, la transformación del espacio y de la percepción, el no-objeto. Sin embargo, los modelos son el verdadero eje central: ideas a las que el artista ha dado forma y que ya poseen autonomía propia. Potencialmente podrían ser tan grandes como el infinito; solo queda elegir para ellas la escala adecuada.
El autor de este artículo: Ilaria Baratta
Giornalista, è co-fondatrice di Finestre sull'Arte con Federico Giannini. È nata a Carrara nel 1987 e si è laureata a Pisa. È responsabile della redazione di Finestre sull'Arte.
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