Meran, eine Ausstellung überdenkt die europäisch-asiatischen Beziehungen jenseits kolonialer Lesarten

Vom 14. Juni bis 11. Oktober 2026 präsentiert das Kunsthaus Meran Animacies, ein von Lucrezia Cippitelli und Simone Frangi kuratiertes kollektives Ausstellungsprojekt, das die Beziehungen zwischen Europa und Asien durch eine kritische Neuinterpretation westlicher und kolonialer Deutungsmuster thematisiert. Die Ausstellung, die sich durch Installationen, Malerei, Skulpturen und Fotografie artikuliert, bringt Werke von sieben Künstlern aus Kontexten zusammen, die oft am Rande der westlichen Erzählungen über den asiatischen Kontinent geblieben sind, wie Bangladesch, Indonesien, die Mongolei, die Philippinen und die Fidschi-Inseln.

Animacies bildet das dritte und letzte Jahr von The Invention of Europe. A Tricontinental Narrative, ein dreijähriges Programm, das im Kunsthaus im Zeitraum 2024-2027 entwickelt und von Lucrezia Cippitelli und Simone Frangi kuratiert wird. Das Projekt zielt darauf ab, eine einheitliche und monolithische Vision von Europa in Frage zu stellen und stattdessen eine Reflexion über die etablierten Narrative vorzuschlagen, die seine Geschichte und Identität definiert haben.

Der Titel der Ausstellung bezieht sich auf das Konzept der “Animacies”, das 2012 von der sino-amerikanischen Queer-Wissenschaftlerin Mel Y. Chen in dem Buch Animacies: Biopolitics, Racial Mattering, and Queer Affect theoretisiert hat. Der Begriff, der sowohl im Italienischen als auch im Deutschen schwer zu übersetzen ist, bezeichnet eine gemeinsame Bedingung von Handlungsfähigkeit, Vitalität, Mobilität und Bewusstsein, die zu unterschiedlichen Entitäten gehören können. Aus dieser Perspektive zeigt Chen, wie Materie, die traditionell als träge oder leblos gilt, stattdessen einen relevanten Einfluss auf soziale Beziehungen, Machtstrukturen und die kulturelle Dimension ausüben kann. Die Ausstellung nutzt diesen Ansatz, um etablierte binäre Oppositionen wie die zwischen belebt und unbelebt oder Subjekt und Objekt in Frage zu stellen und schlägt ein Beziehungsmodell vor, in dem Menschen, Tiere und Objekte in eine gemeinsame Dynamik eingebunden sind.

In dieser Perspektive nehmen Textilien, Pflanzen und Lebensmittel eine aktive Rolle ein und werden zu Werkzeugen, die in der Lage sind, Erinnerungen zu übermitteln, Transformationen zu bewirken und Verbindungen zu schaffen. Die ausgewählten Werke befassen sich somit mit den kulturellen, politischen, symbolischen und spirituellen Implikationen der Materie und nutzen sie als Schlüssel zur Beobachtung von Machtverhältnissen, Diskriminierung und Formen der Ungerechtigkeit.

Eröffnet wird die Ausstellung mit den Arbeiten von Shivanjani Lal, die 1982 in Fidschi geboren wurde und in Sydney lebt. Die Künstlerin verwendet Textilien und Alltagsgegenstände, um das Schicksal der Girmitiya darzustellen, Arbeiter, die im 19. und frühen 20. Jahrhundert aus Indien in verschiedene britische Kolonien, darunter Mauritius, die Karibik und Fidschi, zwangsumgesiedelt wurden. Jahrhundert umgesiedelt wurden. In der Installation Mere Porvaj [Ich erinnere mich] von 2024 widmet Lal der Arbeit von Frauen besondere Aufmerksamkeit, die oft aus den offiziellen Erzählungen ausgeklammert wird, und eröffnet damit eine Reflexion über die Erinnerung und die Themen, die das Recht haben, erinnert zu werden.

Pflanzen nehmen auch in der Arbeit des 2019 in Wien gegründeten Mai Ling Kollektivs eine zentrale Funktion ein. Die Installation Not Your Ornamentund das Video Becoming Stickiness, beide aus dem Jahr 2023, thematisieren die rassistischen und sexistischen Stereotypen, die zur Konstruktion eines Bildes von asiatischer Weiblichkeit als dekoratives Element beigetragen haben. Im Mittelpunkt der Arbeiten steht Kudzu, eine in Ost- und Südostasien beheimatete Pflanze, die traditionell in der Textil-, Lebensmittel- und Medizinbranche verwendet wird. Sie wurde im späten 19. Jahrhundert zu Zierzwecken in Europa und den Vereinigten Staaten eingeführt und gilt heute in vielen westlichen Gebieten als Schädling. Das Kollektiv wertet ihre Eigenschaften der Widerstandsfähigkeit und Transformation auf und interpretiert sie als ein Element der Verbindung zwischen Migrationserfahrungen und gemeinsamen Pflegepraktiken.

Die Ausstellung zeigt auch drei neue Werke von Chathuri Nissansala, der 1983 in Colombo geboren wurde und in Amsterdam lebt. Die Werke sind in einer einzigen Umweltinstallation zusammengefasst, die sich mit Themen wie intergenerationellem Trauma, kolonialer und ethnografischer Gewalt und Fragen der Geschlechteridentität befasst, wobei ein besonderer Bezug zur Geschichte Sri Lankas und den daraus resultierenden widersprüchlichen Hinterlassenschaften besteht. Bei der Eröffnung von Animacies wird die Künstlerin auch eine Performance präsentieren.

Pflanzen und Erinnerung kehren in den Werken von Jennifer Tee wieder, die 1973 in Arnheim geboren wurde und in Amsterdam lebt. Die Ausstellung zeigt Skulpturen, Installationen und Collagen. In der Serie Tampan Tulips aus dem Jahr 2023 werden Tulpenblüten in textile Elemente mit starkem Symbolwert verwandelt. Das Werk erinnert einerseits an die asiatischen Ursprünge der Blume, die seit dem 17. Jahrhundert zu einem Wahrzeichen der Niederlande geworden ist, und andererseits an die dekorativen Motive indonesischer zeremonieller Textilien, die “Tampan” genannt werden und sich durch Schiffe auszeichnen, die sich in Lebensbäume verwandeln, Symbole für die Reise der Seele. Das Schiff und die Tulpe erinnern auch an die Migrationsroute der Familie der Künstlerin, die in den 1950er Jahren auf dem Seeweg aus Indonesien in die Niederlande kam, wodurch die private Dimension und die kollektive Erinnerung miteinander verwoben werden. Die Teilnahme von Jennifer Tee an der Ausstellung wird von der Botschaft und dem Generalkonsulat des Königreichs der Niederlande unterstützt.

Im dritten Stock des Kunsthauses befindet sich Redeem, ein 2020 initiiertes und noch laufendes Projekt von Ashfika Rahman, die 1988 in Dhaka geboren wurde, wo sie heute lebt. Die Installation besteht aus einer großflächigen Stickerei auf Stoff und ist das Ergebnis einer Recherche von Archivmaterial und eines Gemeinschaftsprojekts, das sich mit den religiösen Konversionen der indigenen Gemeinschaften der Santal und Oraon in Bangladesch befasst. Durch die Verwendung von Stickereien, vor Ort gesammelten Materialien und Farbsymbolen befasst sich das Werk mit Themen wie Zugehörigkeit, Transformationsprozessen und der Komplexität der Beziehungen innerhalb der betroffenen Gemeinschaften.

Die Mongolei wiederum ist der Ausgangspunkt für die zoomorphen Skulpturen der Serie 15 Faces, die seit 2024 von Bekhbaatar Enkhtur geschaffen werden, der 1994 in Ulaanbaatar geboren wurde und in Turin lebt. Die Werke sind von den Mythen und Traditionen des asiatischen Landes inspiriert. Der Künstler verbindet den Ursprung seiner Forschungen mit der Erinnerung an einen Hausaltar, der einer Gottheit gewidmet war, eine Erfahrung, die ihn dazu brachte, die Möglichkeit in Frage zu stellen, dass eine Skulptur als lebendiges Wesen mit einer Seele betrachtet werden könnte.

“Diese Erfahrung”, so der Künstler, “hat in mir ein tiefes Nachdenken darüber ausgelöst, wie eine einfache Skulptur in diesem Kontext als lebendiges, beseeltes Wesen behandelt werden kann”.

Die Ausstellung schließt mit einer ortsspezifischen Wandmalerei von Elia Nurvista, der 1983 in Yogyakarta geboren wurde und zwischen Indonesien und Berlin lebt. Das Werk gehört zur Serie Long Hanging Fruits, die seit 2020 entwickelt wird, und nimmt die Geschichte des Palmöls, eines in der zeitgenössischen Ernährung weit verbreiteten Produkts, zum Ausgangspunkt. Die Künstlerin rekonstruiert die Geschichte der Ölpalme, die ursprünglich aus Afrika stammt und während der niederländischen Kolonialzeit in Indonesien eingeführt wurde, um über die ökologischen und sozialen Folgen des industriellen Anbaus zu reflektieren.

Meran, eine Ausstellung überdenkt die europäisch-asiatischen Beziehungen jenseits kolonialer Lesarten

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