第 61 届威尼斯艺术双年展于今天（2026 年 5 月 9 日）开幕，将持续至 2026 年 11 月 22 日。In Minor Keys"项目是导演 Koyo Kouoh 在 2025 年 5 月去世前构思的，由她的团队完成，以纪念她和基于关系和对意外的开放性的策展实践。今年将有约 100 个国家展馆参加这一国际展览：Finestre sull’Arte》的部分编辑人员在为新闻界和业界人士举办预展的日子里来到威尼斯，走遍了 Giardini、Arsenale 和历史中心的各个空间，为您提供本届展览的首批精选作品，至少就国家展馆的质量而言，这届展览与其他展览相比并不那么出彩，但却为您提供了各参展方中最重要的作品。这并不是一篇深入的选文，也不是一篇评论：不过，它可以被视为一份展馆清单，如果没有这些展馆，参观展览可能是不完整的。如果您正在寻找关于从哪个国家展馆开始参观的提示和建议，那么这份清单也许会适合您。下面按字母顺序为您介绍。
在沙特阿拉伯馆，本届威尼斯双年展的领军人物之一达纳-阿瓦塔尼（Dana Awartani）展示了一件由 29000 多块粘土砖组成的不朽装置作品--"决不让泪水在石头上流干"（Never Let the Tears Weep Dry on the Stones）。这件地板作品的灵感来源于阿拉伯马赛克图案，这些图案与现在受到冲突威胁的千年文化遗址相关联。每块砖都是用王国各地不同天然颜色的粘土手工制作，在利雅得的阳光下烧制而成。不使用粘合剂的激进选择意味着随着时间的推移会出现裂缝，象征着物质遗产的脆弱性和文化被遗忘的危险。参观者被邀请在这一想象中的考古遗址中漫步，了解到对逝去文物的保护和修复需要 “多双手 ”的共同努力和跨时代的共同创造。石头在废墟中永远不只是石头。这当然不是最新颖的项目（即使是达纳-阿瓦塔尼也没有像当今许多艺术家那样回避对考古意象的深入研究），但它却是最有趣、舞台效果最好的项目之一。
在博拉尼宫，埃塞俄比亚馆展出了《沉默的形状》，艺术家泰格尼-昆比（Tegene Kunbi）将沉默视为一种充满意义的社会和政治状况，而不是空虚。身为画家的 Kunbi 将绘画作为一种多层次的档案，将他母亲的手织纺织品、工业织物和神圣法衣融为一体，以表现其国家的文化多样性。在埃塞俄比亚，沉默是一种矛盾的美德：它可以代表智慧，也可以导致排斥。Kunbi 的作品与双年展的 “次要色调 ”相一致，赋予边缘声音和淹没的叙事以物质形式，拒绝立即转化为文字。因此，在艺术家的理念中，抽象成为了一种坚韧不拔的实践，一种通过层层叠叠的材料和色彩，让人联想起埃塞俄比亚的大地、植被和天空，逐渐将世界引入画布的方式。
建筑师兼艺术家安德烈亚斯-安吉里达基斯（Andreas Angelidakis）将希腊馆改造成一个名为 "逃生室"（Escape Room）的沉浸式环境，在后真相时代重新想象柏拉图式洞穴。这座建筑于 1934 年落成，这一年希特勒和墨索里尼在威尼斯会面，纳粹开始对其进行迫害。安吉利达基斯将 Giardini 的国家馆解释为 “凝固的殖民和法西斯洞穴”，旨在传达特定的政治议程。通过一种融合现实与虚拟的语言，艺术家挑战参观者不仅要逃离展厅，还要逃离宣传叙事和民族主义民粹主义。展馆成为了对民族主义的批判，但不仅仅如此：人们还可以从中读出对希腊被大众旅游 “出卖 ”的批判，以及更多的批判。此外，展馆的沙发似乎也非常舒适....。
位于阿森纳广场的印度馆探讨了当原籍地消失或远离时 “家 ”的概念。通过五位艺术家的作品，"Geographies of Distance"项目无疑是本届双年展中最具场景感的项目之一，它利用土壤、线和竹子等传统材料来重建个人和集体的记忆。Sumakshi Singh 利用悬挂在虚空中的白色细线，再现了她祖父母在德里被拆毁的房子，使坚固的建筑成为刺绣的幽灵。阿尔瓦-巴拉苏布拉马尼亚姆（Alwar Balasubramaniam）用碎裂的泥土展示作品，蒸发产生的自然裂缝成为分离和复原的象征。兰贾妮-谢塔尔（Ranjani Shettar）从植物中汲取灵感，创作了一些似乎不受地心引力影响的雕塑作品，而斯卡玛-索南-塔希（Skarma Sonam Tashi）则用脆弱的纸浆勾勒出拉达克的房屋。最后，Asim Waqif 用竹子脚手架来反映当代城市化的不稳定性。
印度尼西亚与国际图形学校合作，将其展馆改造成了一个生活车间，来自不同年代的七位艺术家在现场进行了创作。项目 "Printing the Unprinted“的灵感来源于一份 15 世纪的手稿，该手稿记录了从苏门答腊到威尼斯的 14 年史诗般的想象之旅。这一叙事挑战了全球探索只有欧洲才有的观念，突出了东南亚社会先进的航海和天文知识。版画成为处理历史创伤和建立复原能力的共同语言。艺术家们（Agus Suwage、Syarizal Pahlevi、Nurdian Ichsan、R.E. Hartanto、Theresia Agustina Sitompul、Mariam Sofrina 和 Rusyan Yasin）通过木刻和素描等技术探索集体身份和记忆，试图 ”印出 “全球历史的 ”不可见"。这些艺术家还与来自贫困家庭的印度尼西亚青年共同创作了一些作品，他们有机会从自己的国家来到威尼斯：这些作品将在展馆的一个特别展厅展出。展馆无疑是艺术家们与威尼斯文化进行对话的最佳场所。
意大利馆设在 Tese delle Vergini，欢迎参观者的是由 Cecilia Canziani 策划的 Chiara Camoni 的项目 "Con te con tutto“。该项目分为两个部分：第一部分是拟人化的陶瓷雕塑，身高与人相差无几，在唤起祖先世界的半空中与公众对话。这些被称为 ”姐妹 "（Sisters ）或 "大梦"（Daimons）的雕塑由粘土制成，并添加了艺术家工作室附近收集的天然材料和塑料碎片（这是一种在废弃物中发现美的邀请）。展览的第二部分则是一个由重新组合的家具组成的家庭建筑，与费利斯-卡索拉蒂、卢西亚诺-法布罗、福斯托-梅洛蒂和马里奥-梅尔兹等过去的艺术大师以及卢卡-贝尔托洛、佛朗哥-科拉迪尼和亚历山德拉-斯普兰兹等当代艺术家的作品进行对话。第一部分比第二部分成功，而且与国际展览上的作品非常一致：卡莫尼为双年展带来的作品与他在比科卡倍耐力飞机库举办的大型个展上的作品非常相似，但它仍是最受关注的展馆之一。
阿森纳展览馆的拉脱维亚馆将展出 "Untamed Assembly-Backstage of Utopia“，这是艺术双人组 MAREUNROL’S 与时装设计师 Bruno Birmanis 之间的对话。展览追溯了 ”Untamed Fashion Assemblies"（桀骜不驯的时尚集会）的遗产，这是 20 世纪 90 年代在里加举行的实验性活动，当时正值后苏联时代的亢奋和对政治自由的追求。该装置被构想为一个后台，一个无形的准备空间和人与人之间的联系，衣架在这里成为叙事性建筑。通过纺织品雕塑、档案片段和挑战社会规范的服装，展馆探索了集体想象力如何在转型时刻蓬勃发展。在这个汇聚了国际知名人士和波罗的海学生的临时前卫中心，身体和服饰是协商新身份的工具。我们之所以指出这一点，是因为在这个地缘政治色彩浓厚的双年展中，拉脱维亚艺术家的声明是强有力和决定性的。
出乎意料，我被卷走了“是 Siniša Radulović 的多媒体装置作品，将幽闭恐怖的 ”地下 “区域与空灵流动的上层区域并置。在下层，艺术家居住空间的平面图被放大成一个无性复制人居住的乌托邦网格，这是我们社会异化的一面镜子。在这个玻璃表面之外，观众会看到身体碎片的移动图像，这些图像在苍白的光线中振动，提供了一种感官漂移的状态。拉杜洛维奇还利用玻璃板上的模拟照片和环境音效，为泛滥的数字图像创造了一个避难所。该项目试图 ”拼接 "压缩和分散的寄存器，在樱花树枝闪烁的图像所代表的短暂中寻找崇高。这是一件具有影响力的作品。
圣马力诺共和国邀请北爱尔兰艺术家马克-弗朗西斯（Mark Francis）参与 "声海"（Sea of Sound）项目，该项目是对艺术、声音和科学之间的关系进行的共鸣研究。弗朗西斯的抽象油画以色带为特征，以非常精确、近乎疯狂的方式布局，反映了声音的频率，当观察者的视线在油画表面移动时，油画似乎在 “歌唱”。展馆还包括一部电影《聆听领域》，这是艺术家为此次展览制作的第一部也是迄今为止唯一一部动态作品，让观众沉浸在由作曲家马尔科-热诺韦西（Marco Genovesi）创作的无旋律的声音氛围中。弗朗西斯的研究让无形变得有形，他捕捉到了不断环绕在我们周围的嗡嗡声和低频，与 Kouoh 的 “小调 ”主题产生了完美的共鸣。圣马力诺的三座塔楼理想地成为了这浩瀚振动海洋之上的绝佳聆听点。弗朗西斯是本届双年展上最出色的画家之一。
Oriol Vilanova 将西班牙馆改造成一个名为 "Los restos“的临时 ”反博物馆"。这件作品以艺术家二十年来在跳蚤市场收集的成千上万张明信片为基础，将参观者笼罩其中，几乎让人目瞪口呆。Vilanova 将这些图像重新组合在一个没有等级和分类的展示中，将明信片作为一种不稳定的记忆文件来激活，而这种记忆并没有官方的叙述。在这里，收藏被理解为一种情感和持久的行为，对物品的机构价值提出了质疑。该项目在 Giardini 展览厅外进行了不预先通知的表演性干预，提出了一种基于偶然性和对过去片段的关注的替代经济。
东帝汶第二次参加双年展，展出的作品是 "跨越语言"（Across Words），探索口述记忆作为一个年轻国家的生成力量。该展馆汇集了不同年代的艺术家，展示民族凝聚力如何不是来自单一语言，而是来自多种祖传方言。展览的核心是维罗妮卡-佩雷拉-马亚（Verónica Pereira Maia）于 1994 年创作的纺织作品《Tais Don》，该作品通过对 1991 年大屠杀（首都帝力的 250 名居民被印尼军队杀害，当时东帝汶尚未独立）遇难者姓名的音译来纪念他们。在这一历史遗迹旁，年轻的埃松-卡米尼亚（Etson Caminha）和尤文蒂诺-马德拉（Juventino Madeira）创作的视频和声音装置反映了冲突后社会向现代化的转变。这些作品是为数不多的不加修辞地谈论殖民主义和占领的项目之一。
乌克兰馆的 "安全保证 "项目探讨了被背叛的承诺这一戏剧性主题。展览的中心是 Zhanna Kadyrova 创作的《折纸鹿》，这件雕塑作品模仿了纸鹿的褶皱，但却是用更厚重的材料制作而成。这件作品原本位于波克罗夫斯克市的前苏联核飞机基地，但在俄罗斯侵略战争的炮火下于 2024 年撤离。雕塑悬挂在双年展花园的起重机上，象征着乌克兰人民的不确定性和被迫流离失所。这个隐喻非常有力：正如《布达佩斯备忘录》（乌克兰据此放弃核电）中的保证只是一纸空文，这只脆弱的鹿也代表了一个国家在没有同等防御手段情况下的脆弱性。因此，展馆被一分为二：在 Giardini 可以看到雕塑，在 Arsenale 则可以看到记录其历程的视频，以及有关战争和《布达佩斯备忘录》的信息资料。
津巴布韦馆展出的《第二自然》（Second Nature | Manyonga）是对神经可塑性以及人脑在面对技术和危机时的自我重组能力的反思。参展艺术家（Eva Raath、Felix Shumba、Franklyn Dzingai、Gideon Gomo 和 Pardon Mapondera）质疑当机器逻辑成为 “第二本性 ”时，人类还剩下什么。通过探索数字文化的装置，以及使用传统媒体 制作的作品（我们想说，费利克斯- 舒姆巴（Felix Shumba）的巨型作品 "Wheel-telegram-east-window-line-145XV7-lower" ，宽六米，高近两米，是整个双年展中最好的四到五个作品之一），该项目旨在成为一种界面，让人们感知我们的反射和自主性是如何与技术系统交织在一起的。
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