La 61ª edición de la Bienal de Arte de Venecia comienza hoy, 9 de mayo de 2026, y se prolongará hasta el 22 de noviembre de 2026. El proyecto In Minor Keys, concebido por la directora Koyo Kouoh antes de su muerte en mayo de 2025, ha sido llevado a cabo por su equipo para honrar su memoria y su práctica curatorial basada en las relaciones y la apertura a lo inesperado. A la exposición internacional se sumarán este año un centenar de pabellones nacionales: La redacción de Finestre sull’Arte, que en parte se trasladó a Venecia para la ocasión, durante los días del preestreno para la prensa y los operadores del sector, recorrió los espacios de los Giardini, el Arsenale y el centro histórico para ofrecerles una primera selección de lo que esta edición, menos brillante que otras al menos en cuanto a la calidad propuesta por los pabellones nacionales, ofrece de más significativo entre las diversas participaciones. No se trata de una selección en profundidad, ni de una reseña: puede considerarse, sin embargo, una lista de pabellones sin los cuales una visita a la exposición quedaría probablemente incompleta. Si busca pistas y consejos sobre los pabellones nacionales por los que empezar su visita, quizá esta lista sea para usted. Se los ofrecemos a continuación, por orden alfabético.
En el pabellón de Arabia Saudí, Dana Awartani, que figura entre los nombres destacados de esta Bienal de Venecia, presenta Never Let the Tears Weep Dry on the Stones, una instalación monumental compuesta por más de 29.000 ladrillos de arcilla. La obra se inspira en motivos de mosaicos árabes vinculados a sitios culturales milenarios ahora amenazados por conflictos. Cada ladrillo se fabricó a mano con arcillas de distintos colores naturales procedentes de todo el Reino, cocidas al sol de Riad. La elección radical de no utilizar aglutinantes hace que aparezcan grietas con el tiempo, simbolizando la fragilidad del patrimonio material y el peligro del olvido cultural. Se invita al visitante a pasear por este yacimiento arqueológico imaginario, comprendiendo que el cuidado y la reparación de lo que se ha perdido requiere el esfuerzo conjunto de “varias manos” y una cocreación que abarca generaciones. Las piedras nunca son sólo piedras cuando están en ruinas. Desde luego, no es el proyecto más original (ni siquiera Dana Awartani rehúye ahondar en la imaginería arqueológica, como hacen tantos artistas hoy en día), pero sí uno de los más interesantes y mejor escenificados.
En el Palazzo Bollani, el pabellón de Etiopía presenta Shapes of Silence, donde el artista Tegene Kunbi explora el silencio no como un vacío, sino como una condición social y política cargada de significado. Kunbi, que es pintor, utiliza la pintura como un archivo en capas, integrando los tejidos a mano de su madre, las telas industriales y los ornamentos sagrados para representar la diversidad cultural de su país. En Etiopía, el silencio es una virtud ambivalente: puede indicar sabiduría o conducir a la exclusión. Las obras de Kunbi, en consonancia con los “tonos menores” de la Bienal, dan forma material a voces marginales y narraciones sumergidas, que se resisten a la traducción inmediata en palabras. La abstracción se convierte así, en la idea del artista, en una práctica de resistencia, una forma de invitar gradualmente al mundo a entrar en el lienzo a través de capas de material y color que recuerdan la tierra, la vegetación y el cielo etíopes.
El arquitecto y artista Andreas Angelidakis transforma el Pabellón de Grecia en un entorno inmersivo titulado Escape Room, que reimagina la caverna platónica en la era de la posverdad. La instalación analiza la propia historia del edificio, inaugurado en 1934, un año marcado por el encuentro en Venecia entre Hitler y Mussolini y el inicio de la persecución nazi. Angelidakis interpreta los pabellones nacionales de los Giardini como “cuevas coloniales y fascistas congeladas”, creadas para transmitir agendas políticas específicas. Mediante un lenguaje que fusiona lo real y lo virtual, el artista reta al visitante a escapar no sólo de la sala, sino de las narrativas propagandísticas y los populismos nacionalistas. El pabellón se convierte en una crítica al nacionalismo, pero no sólo: también se puede leer en él una crítica a la “venta” de Grecia por el turismo de masas y mucho más. Parece, además, que los sofás del pabellón son muy cómodos....
El Pabellón de la India, en el Arsenale, investiga el concepto de “hogar” cuando el lugar de origen desaparece o está lejos. A través de la obra de cinco artistas, el proyecto Geografías de la distancia, sin duda uno de los más escenográficos de esta Bienal, utiliza materiales tradicionales como la tierra, el hilo y el bambú para reconstruir recuerdos personales y colectivos. Sumakshi Singh recrea la casa demolida de sus abuelos en Delhi utilizando finos hilos blancos que cuelgan en el vacío, convirtiendo la sólida arquitectura en una fantasmal aparición hecha de bordados. Alwar Balasubramaniam presenta obras en tierra fracturada, donde las grietas naturales creadas por la evaporación se convierten en símbolos de separación y resistencia. Ranjani Shettar propone esculturas inspiradas en la flora que parecen desafiar la gravedad, mientras que Skarma Sonam Tashi evoca las casas de Ladakh en frágil cartón piedra. Por último, Asim Waqif utiliza andamios de bambú para reflexionar sobre la inestabilidad de la urbanización contemporánea.
En colaboración con la Escuela Internacional de Gráfica, Indonesia transforma su pabellón en un taller viviente donde siete artistas de distintas generaciones han creado obras in situ. El proyecto Printing the Unprinted se inspira en un manuscrito del siglo XV que documenta un épico viaje imaginario de 14 años desde Sumatra hasta Venecia. Esta narración desafía la idea de que la exploración global era exclusiva de Europa, poniendo de relieve los avanzados conocimientos marítimos y astronómicos de las sociedades del Sudeste Asiático. El grabado se convierte en un lenguaje compartido para procesar el trauma histórico y crear resiliencia. Los artistas (Agus Suwage, Syarizal Pahlevi, Nurdian Ichsan, R.E. Hartanto, Theresia Agustina Sitompul, Mariam Sofrina y Rusyan Yasin) exploran la identidad y la memoria colectivas mediante técnicas que van desde la xilografía al dibujo, tratando de “imprimir lo invisible” de la historia global. Los artistas también crearon algunas obras junto con jóvenes indonesios de entornos desfavorecidos, que tuvieron la oportunidad de viajar desde su país a Venecia: están expuestas en una sala especial del Pabellón. Es sin duda el Pabellón el que mejor ha funcionado para poner a los artistas en diálogo con el tejido veneciano.
El Pabellón de Italia, alojado en la Tese delle Vergini, recibe al visitante con Con te con tutto, un proyecto de Chiara Camoni comisariado por Cecilia Canziani. Un proyecto dividido en dos claras mitades: en la primera, esculturas antropomórficas de cerámica, de poco más de la altura de un ser humano, dialogan con el público en una penumbra que evoca un mundo ancestral. Estas figuras, llamadas Hermanas o Daimones, están hechas de arcilla y enriquecidas con materiales naturales y restos de plástico recogidos cerca del estudio del artista (una invitación a encontrar la belleza incluso en lo que se desecha). La segunda parte de la exposición es, en cambio, una arquitectura doméstica hecha de muebles recombinados que acoge diálogos con obras de maestros del pasado como Felice Casorati, Luciano Fabro, Fausto Melotti y Mario Merz, y artistas contemporáneos (como Luca Bertolo, Franco Corradini, Alessandra Spranzi). La primera parte tuvo más éxito que la segunda, y estuvo muy en la línea de lo que se ve en la exposición internacional: sin aristas de Camoni, que trae a la Bienal una obra bastante parecida a la que presentó en su gran exposición individual en el Hangar Pirelli de Bicocca, pero que, sin embargo, es uno de los pabellones de los que más se hablará.
El Pabellón de Letonia en el Arsenale presenta Untamed Assembly-Backstage of Utopia, un diálogo entre el dúo artístico MAREUNROL’S y el diseñador de moda Bruno Birmanis. La exposición recorre el legado de las Untamed Fashion Assemblies, eventos experimentales que tuvieron lugar en Riga en la década de 1990 en un clima de euforia postsoviética y búsqueda de libertad política. La instalación está concebida como un backstage, un espacio invisible de preparación y conexión humana, donde el perchero se convierte en arquitectura narrativa. A través de esculturas textiles, imágenes de archivo y trajes que desafían las normas sociales, el pabellón explora cómo la imaginación colectiva puede florecer en momentos de transición. El cuerpo y el vestido son herramientas para negociar nuevas identidades en un centro de vanguardia temporal que reunió a celebridades internacionales y estudiantes bálticos. Señalamos esto porque en una Bienal que, a pesar de todo, es fuertemente geopolítica, la declaración de los artistas letones es fuerte y decisiva.
Out of the Blue, I’m Swept Away es la instalación multimedia de Siniša Radulović que yuxtapone una claustrofóbica zona “subterránea” con otra superior etérea y fluida. En la parte inferior, la planta del espacio vital del artista se multiplica en una cuadrícula distópica habitada por replicantes asexuados, espejo de nuestra alienación social. Más allá de esta superficie vítrea, el espectador se encuentra con imágenes en movimiento de fragmentos corporales que vibran en una luz paleoveneciana, ofreciendo un estado de deriva sensorial. Radulović también utiliza fotografías analógicas sobre placas de vidrio y sonidos ambientales para crear un refugio contra la proliferación de imágenes digitales. El proyecto intenta “coser” los registros de compresión y dispersión, encontrando lo sublime en lo pasajero, representado por la imagen parpadeante de una rama de cerezo en flor. Una obra de impacto.
La República de San Marino confía en el artista norirlandés Mark Francis para el proyecto Sea of Sound, una investigación sinestésica sobre la relación entre arte, sonido y ciencia. Los lienzos abstractos de Francis, caracterizados por bandas de color dispuestas de forma muy precisa, casi maníaca, que reflejan frecuencias acústicas, parecen “cantar” a medida que la mirada del observador se desplaza por la superficie. El pabellón incluye la película Listening Field, primera y hasta ahora única obra en movimiento del artista, realizada para esta ocasión, que sumerge al espectador en una atmósfera sonora sin melodías creada por el compositor Marco Genovesi. La investigación de Francis hace visible lo invisible, captando los zumbidos y las bajas frecuencias que nos rodean constantemente, en perfecta resonancia con el tema de los “tonos menores” de Kouoh. Las tres torres de San Marino se convierten idealmente en puntos de escucha privilegiados sobre este vasto océano de vibraciones. Francis figura entre los mejores pintores que se pueden ver en esta Bienal.
Oriol Vilanova transforma el Pabellón de España en un “antimuseo” temporal titulado Los restos. La obra, envolvente y casi aturdidora para el visitante, se basa en una acumulación obsesiva de miles de postales recogidas por el artista en mercadillos a lo largo de veinte años. Al reensamblar estas imágenes en una muestra desprovista de jerarquías y clasificaciones taxonómicas, Vilanova activa las postales como documentos inestables de una memoria que elude la narración oficial. El coleccionismo se entiende aquí como un acto afectivo y duradero que cuestiona el valor institucional del objeto. El proyecto se extiende fuera de los Giardini con intervenciones performativas no anunciadas, proponiendo una economía alternativa de la atención basada en la contingencia y el cuidado de fragmentos del pasado.
En su segunda participación en la Bienal, Timor Oriental presenta Across Words, una exploración de la memoria oral como fuerza generadora de una joven nación. El pabellón reúne a artistas de distintas generaciones para mostrar cómo la cohesión nacional surge no de una sola lengua, sino de una multiplicidad de dialectos ancestrales. En el centro de la exposición se encuentra Tais Don, una obra textil de 1994 de Verónica Pereira Maia que conmemora a las víctimas de la masacre de 1991 (cuando 250 habitantes de la capital, Dili, fueron asesinados por las tropas indonesias -Timor Oriental no era independiente entonces-) mediante la transcripción fonética de sus nombres. Junto a esta reliquia histórica, las instalaciones de vídeo y sonido de los jóvenes Etson Caminha y Juventino Madeira reflejan la transformación de una sociedad posconflicto que se inclina hacia la modernidad. Uno de los pocos proyectos que habla del colonialismo y la ocupación sin retórica.
El proyecto Garantías de seguridad del Pabellón de Ucrania aborda el dramático tema de las promesas traicionadas. En el centro de la exposición se encuentra El ciervo de origami, de Zhanna Kadyrova, una escultura que reproduce los pliegues de un ciervo de papel, pero está hecha con materiales mucho más pesados. La obra se encontraba originalmente en Pokrovsk, en el emplazamiento de un antiguo avión nuclear soviético, pero fue evacuada en 2024 bajo el fuego de la guerra de agresión rusa. Suspendida de una grúa en los Jardines de la Bienal, la escultura simboliza la incertidumbre y el desplazamiento forzoso del pueblo ucraniano. La metáfora es poderosa: al igual que las garantías del Memorándum de Budapest (por el que Ucrania renunció a la energía nuclear) eran sólo papel, este frágil ciervo representa la vulnerabilidad de una nación a la que se ha dejado sin medios de defensa iguales. Un pabellón, por tanto, dividido en dos: en los Giardini se puede ver la escultura, en el Arsenale los vídeos que documentan su viaje, así como material informativo sobre la guerra y el Memorándum de Budapest.
El Pabellón de Zimbabue presenta Second Nature | Manyonga, una reflexión sobre la neuroplasticidad y la capacidad del cerebro humano para reorganizarse frente a la tecnología y la crisis. Los artistas participantes (Eva Raath, Felix Shumba, Franklyn Dzingai, Gideon Gomo y Pardon Mapondera) se preguntan qué queda de lo humano cuando la lógica de la máquina se convierte en “segunda naturaleza”. A través de instalaciones que exploran la cultura digital, pero también de obras realizadas con medios tradicionales (nos gustaría decir que la enorme Wheel-telegram-east-window-line-145XV7-lower de Felix Shumba, de seis metros de ancho por casi dos de alto, está entre las cuatro o cinco mejores de toda la Bienal), el proyecto pretende ser una especie de interfaz para percibir cómo nuestros reflejos y nuestra autonomía están ahora entrelazados con los sistemas tecnológicos.
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