2026 年 5 月 29 日至 7 月 24 日，米兰 Gió Marconi 画廊将举办罗恩-纳格尔展览。这是美国雕塑家罗恩- 纳格尔（Ron Nagle）在意大利举办的首次个展。继 2013 年参加由马西米里亚诺- 吉奥尼 （Massimiliano Gioni）策划的第 55 届威尼斯双年展 "百科宫殿"（The Encyclopedic Palace）展览之后，此次展览标志着该艺术家在意大利的进一步发展。展览可在位于 Via Tadino 15 号的画廊参观，开放时间为周二至周六上午 11 点至下午 6 点。
展览汇集了在 2024 年至 2026 年期间创作的 11 件雕塑作品和部分近期绘画作品。这些作品让我们看到了纳格尔最近一个阶段的研究成果，其中绘画与三维物体之间的关系占据了核心地位。这些作品一般尺寸较小，很少超过 15 厘米，是艺术家创作语言的一部分，致力于缩小尺度和对表面的分析关注，这也是艺术家创作中的一个永恒元素。
纳格尔 1939 年出生于旧金山，至今仍在那里生活和工作。1961 年，他以学徒身份加入了彼得-沃尔克斯（Peter Voulkos）在加州大学伯克利分校的工作室。在此期间，他接触了肯-普莱斯等艺术家，后者对他职业生涯初期的影响起了决定性作用。从一开始，纳格尔的研究就以逐渐缩小规模和对表面构造的特殊兴趣为特征，将其作为一个独立的实验领域。
他的雕塑作品由陶瓷元素浇铸而成，随后经过烧制，再加入树脂和合成材料。这种组合使艺术家能够拓展粘土的形式可能性，克服其结构限制，并引入改变物体观感的解决方案。制作过程旨在构建特定的视觉效果，包括闪亮或不透明的表面、颗粒状纹理、悬浮滴落物和色层。尽管作品是三维的，但它却是从一个明确的平面视角展开的，在这个视角中，物体被视为一个图像，而不是一个独立的体积。
在这一过程中，绘画扮演着决定性的角色，尤其是从 20 世纪 90 年代开始，绘画几乎成为雕塑实现的一个固定的初步阶段。图标的来源通常来自对日常生活的观察，如弯曲的树木、被侵蚀的表面、嚼碎的口香糖或城市涂鸦。这些元素被转化为快速草图，有时是自动草图，这些草图并不直接确定调色板，而是指导造型和体积结构的构建。在最初阶段，草图以黑白两色绘制在彩色纸块上，通常是黄色或粉色条纹纸。后来，艺术家转而使用纸巾，让素描在创作过程中发挥越来越大的决定性作用。在完成数以百计的研究后，纳格尔挑选出他认为最有效的作品，并通过影印机修改其比例，直到找到最适合进行三维转换的尺寸。
另一个层面的工作涉及文字语言，它的发展独立于作品的形式结构。雕塑作品的标题来自文字游戏、音标和自由联想。这些标题是事后指定的，它们引入了一种模糊的余地，增加了视觉阅读的效果。作品与标题之间的这种距离间接地让人想起超现实主义的创作实践，尤其是曼-雷等人的创作经验，在这些经验中，语言具有自主的、非解释性的功能。这种对声音和语言维度的关注也与艺术家所受的音乐训练有关。事实上，纳格尔也是一位活跃的音乐家和作曲家。叙事、韵律和语言游戏构成了他整个创作实践的结构性元素，有助于构建一种跨越不同媒体的艺术身份，而不在不同学科之间建立明确的等级制度。
纳格尔的作品还通过一个文化参照物网络来发展，这些参照物作为一个组成部分整合到一个连贯的系统中。他的作品受到乔治-莫兰迪（Giorgio Morandi）、菲利普-古斯顿（Philip Guston）和约瑟夫-阿尔伯斯（Josef Albers）的现代绘画、桃山时期的日本陶瓷以及强调材料的不完美和变化的 “佗”（wabi-sabi）美学的影响。在这些元素的两侧，还有对战后美国视觉文化的借鉴，如以漆面和高度抛光为特征的热力赛车，以及以多彩壁画为标志的旧金山传教区建筑。
这些参考资料的结合产生了一种介于流行和超现实主义之间的抽象形式，在高级文化和大众文化之间不断摇摆。高度可控、层次丰富的表面与刻意营造的人工效果并存，而精密的技术与接近汽车设计和工业材料的视觉解决方案融为一体。六十多年来，纳格尔逐步扩大了自己的技术词汇，引入了工业领域的材料和工具。通过使用喷笔、汽车涂料和色彩叠加技术，可以非常精确地控制表面，这也是他研究的主要实验领域。
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| 罗恩-纳格尔在米兰：在 Gió Marconi 举办的首次意大利个展 "Phantom Banter |
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