En la noche del 4 de octubre de 1226, Francisco de Asís, rodeado de sus hermanos, exhaló su último aliento; enfermo desde hacía tiempo y extremadamente debilitado, se encontraba en la enfermería adyacente a la Porciúncula, uno de los lugares que lo vieron protagonizar una auténtica revolución espiritual en el ámbito del cristianismo. Como es sabido, en torno a esa minúscula capilla que solo albergaba el crucifijo bizantino, que hoy se conserva en la basílica de Santa Clara, se construyó, entre 1569 y 1679, la grandiosa iglesia de Santa María de los Ángeles, que aún hoy es destino de peregrinos, fieles y simples visitantes intrigados por esa obra arquitectónica única en la que germinó la orden franciscana. Sin embargo, desde el pasado 15 de septiembre ha surgido en una zona verde del convento una construcción que no tiene nada que ver ni con la arquitectura medieval ni con la del Renacimiento tardío y el Barroco: se trata de una obra de Kengo Kuma, arquitecto japonés nacido en 1954, que ha querido rendir homenaje al «Poverello de Asís» donando un pabellón dedicado a la escucha y al diálogo con los frailes, concebido para acoger no solo a los fieles, sino a cualquiera que desee confiarse a los religiosos. En definitiva, una especie de confesionario laico diseñado bajo el lema del encuentro y el intercambio.
La iniciativa se enmarca en las celebraciones por los ochocientos años de la muerte de San Francisco y ha sido promovida por la Fundación San Francisco de Asís ETS, a cargo de YACademy (que para la inauguración también organizó el congreso «Architecture for Dialogue», en el que participó el propio Kuma) y realizada en colaboración con Cesare Roversi Arredamenti. YACademy, centro de formación de posgrado para arquitectos, recibió el encargo específico de los frailes de seleccionar a un diseñador capaz de sintonizar con los valores franciscanos y a Kengo Kuma, gracias a su investigación sobre la relación entre la naturaleza, la materia y la dimensión espiritual, así como por los numerosos pabellones que ya ha diseñado en Italia (por ejemplo, el Kodama Pavilion en Arte Sella, en Trentino, y el Dynamo Pavilion en el Oasy Contemporary Art, en la provincia de Pistoia), resultó ser la figura más idónea.
The Nest of Saint Francis (así se titula la obra) se alza hoy sobre un prado verdísimo y parece realmente un nido revestido por una trama de finas ramitas de sauce, un material flexible, ligero pero resistente, del que, por otra parte, emana un olor característico, herbáceo y ligeramente amargo; además, las puntas de las ramitas se dejan sueltas, lo que confiere a la estructura un aspecto simpáticamente «despeinado» y espontáneo. Abierta por un solo lado, la estructura apunta hacia arriba (es decir, hacia una dimensión espiritual) y cuenta con un óculo en la parte superior para que entre la luz cenital. Además de la idea del nido, durante la conferencia celebrada en la sala del Refetorietto de Santa María de los Ángeles, Kuma declaró haberse inspirado también en las casas de té japonesas, que también son lugares de encuentro y meditación, mientras que entre los objetivos del proyecto no faltó el de manifestar un sentido de respeto y gratitud hacia la figura de San Francisco y hacia su visión, fuertemente vinculada a la naturaleza, entendida como la base de nuestra vida.
Precisamente sobre el césped que acoge el pabellón, tuvimos la oportunidad de entrevistar a Kengo Kuma, quien nos desveló algunos aspectos peculiares de su trabajo y de su relación con Italia y con los franciscanos. «En nuestro estudio», nos contó, «hemos desarrollado una gran simpatía por San Francisco, por su amor a la naturaleza y por su diálogo constante con la Creación. Creemos que estos aspectos son de gran ayuda, en la época en la que vivimos, a la hora de diseñar edificios, ya que la crisis medioambiental que afecta al planeta también influye en cómo abordamos la arquitectura contemporánea. Por eso queríamos mostrar nuestro respeto por Francisco de Asís, intentando representar en el pabellón la relación con el santo y con el lugar concreto en el que se erige la nueva estructura».
Kengo Kuma, como ya se ha mencionado, diseña con frecuencia instalaciones de pequeño tamaño. Por ejemplo, para la Semana del Diseño de Milán de 2007, creó Cidori, una obra en la que se pone de manifiesto toda la belleza de los materiales naturales, hasta el punto de que casi parece un rincón de bosque en pleno centro de la ciudad, cuenta el arquitecto durante su presentación: «Para construir esta instalación empleamos técnicas tradicionales de carpintería japonesa y no se utilizaron ni elementos metálicos ni colas: la estructura se sostiene únicamente gracias a las uniones de los listones de madera. Tras construir el pabellón en Milán, utilizamos el mismo sistema para construir un edificio de 10 metros de altura, también sin cola». Al contrario de lo que se podría pensar, subraya el arquitecto, la vida útil de la madera puede ser muy larga y, por lo tanto, este material también es adecuado para construir edificios, no solo obras pequeñas y temporales. Así pues, le preguntamos directamente a Kuma qué papel desempeña el modelo del pabellón en su investigación arquitectónica: «Creo que el pabellón es el punto de partida de todo proyecto arquitectónico. En este tipo de estructura podemos poner a prueba los materiales y el espíritu de colaboración de quienes tienen las competencias para construirla; por eso creo que representa una forma de perfeccionar una idea concreta a mayor escala».
En cuanto a las instalaciones que entablan un estrecho diálogo con el entorno natural, Kuma nos ha revelado que los hábitats naturales italianos son lugares ideales. Prueba de ello es, en primer lugar, el Kodama Pavilion, construido en 2018 en Arte Sella, que contó con un complejo sistema de encajes gracias a la destreza de los carpinteros italianos que cortaron la madera y la ensamblaron, también en este caso sin utilizar pegamentos ni metales. La estructura esférica, de 4 metros de altura, es de alerce macizo y, tal y como se lee en la página web de Kengo Kuma & Associates, «Se trata de un experimento que aborda una nueva forma “democrática” de construir y que demuestra cómo es posible crear un gran espacio, diáfano y relajado, confiando exclusivamente en el trabajo manual y en pequeños componentes modulares». También en Arte Sella, en 2022, se instaló —tras haber estado expuesta en el claustro de la Universidad Estatal de Milán— «Bamboo Ring», una obra de bambú y fibra de carbono, una combinación que la hace muy resistente, según garantiza el diseñador; el mismo concepto está presente en otra instalación que, en 2019, se erigió en el exterior del Victoria & Albert Museum de Londres.
Entre sus obras más recientes, durante la conferencia de Asís, Kuma también mencionó el Dynamo Pavilion de 2025: «Se alza en el bosque de castaños, con el que se funde sin romper la relación con los árboles. La magia surge de la combinación de metal y madera, que da lugar a un efecto transparente y a una sensación de flotabilidad, conseguidos gracias a una técnica de entrelazado muy especial; la estructura es, por tanto, completamente diferente a la de los pabellones de hormigón. De hecho, queríamos transmitir una sensación de armonía y fusión con el lugar». En este caso, la elección de los materiales recayó en las tiras de acero Corten que, entrelazadas, forman una malla reforzada con fibra de carbono, con el fin de reducir al mínimo el grosor de los componentes y acentuar la ligereza visual de la instalación.
Entre las referencias fundamentales en las que se basan los proyectos de Kengo Kuma destaca la tradición arquitectónica japonesa, que se reinterpreta con un enfoque contemporáneo, utilizando generalmente materiales sencillos y naturales, desde la madera hasta la piedra. Así pues, le preguntamos al diseñador cómo consigue conciliar esta forma de trabajar con el contexto occidental, en el que él y su estudio desarrollan una intensa actividad: «En Italia he trabajado en muchos proyectos pequeños y los pabellones ya mencionados son el resultado de una bonita colaboración. De hecho, en Italia, la maestría artesanal en el trabajo de la madera es muy elevada, al igual que en Japón; es un rasgo común a ambos países y, al llevar a cabo este tipo de proyectos, también queremos poner en valor la artesanía de la obra. Se trata de iniciativas que logran crear un vínculo profundo entre Oriente y Occidente».
El estudio de Kuma, además de diseñar edificios de uso civil y comercial, es muy activo en el diseño de espacios museísticos, de carácter cultural e incluso religioso, como demuestran las obras arquitectónicas presentadas ante el público del congreso de Asís. En Nakagawa, el espacio expositivo dedicado al artista de ukiyo-e Hiroshige se inspira en la configuración espacial de sus xilografías, y el proyecto intenta dar vida a un espacio tridimensional capaz de expresar la superposición de las diferentes matrices. «El museo se alza justo detrás del bosque y entabla un diálogo con él y con la montaña. Hemos utilizado materiales locales, sobre todo madera de cedro procedente del bosque. Se puede atravesar el edificio para llegar al bosque, y también en este caso podemos evocar la conexión continua con la naturaleza que también perseguía San Francisco». En Escocia, inspirándose en los acantilados de las islas Orcadas, Kuma completó en 2018 el V&A Dundee, el primer museo dedicado al diseño en ese país, así como el primer Victoria and Albert Museum fuera de Londres. «Hemos desplazado el edificio hacia el río Tay y hemos establecido un diálogo con la colina. En el interior se puede percibir el aroma de la madera, que hace que los espacios resulten más acogedores: de hecho, nuestro objetivo ha sido crear un salón para la ciudad, un lugar donde relajarse dentro del museo», explica el arquitecto, quien, como ya se ha mencionado, también ha diseñado edificios o estructuras religiosas. En Angers, por ejemplo, un nártex contemporáneo protege la fachada gótica de la catedral y las esculturas del pórtico que datan del siglo XII. En Taiwán, en cambio, entre rascacielos y estructuras ultramodernas, Kuma ha construido la capilla CMP Liuyuan con materiales naturales que parecen integrar la naturaleza en el contexto predominantemente «mineral» de la metrópoli.
A lo largo de su carrera, el célebre arquitecto japonés también se ha dedicado al diseño de algunas exposiciones de arte. Destacamos en particular el proyecto para «Van Gogh. El hombre y la tierra», celebrada en el Palacio Real de Milán entre 2014 y 2015: «El arte de Van Gogh también se basa en un diálogo con la naturaleza. El pintor lo expresa a través de su uso del color y de la materialidad de la pincelada, y todo ello puede convertirse en una fuerte inspiración para un proyecto arquitectónico. Esta es la razón por la que me enfrenté al reto del montaje de la exposición sobre Van Gogh. Además, creo que existen múltiples analogías entre mi trabajo y el del pintor holandés».
En los tiempos que vivimos, una disciplina como la arquitectura debería, en definitiva, situar siempre el cambio climático en el centro de sus reflexiones, ya que construir nuevos edificios suele suponer el consumo de un suelo valioso. Kengo Kuma está convencido de que se puede alcanzar una mayor armonía entre la naturaleza y la arquitectura, y de que esta última puede diseñarse teniendo en cuenta los efectos cada vez más evidentes y preocupantes del calentamiento global: «En el siglo XX», afirma el arquitecto, «construir nuevos edificios, cada vez más grandes, era una necesidad, mientras que ahora, debido al calentamiento global, es imprescindible esforzarse por reducir el impacto energético y la huella de carbono, que son factores cruciales en el diseño arquitectónico. Para encontrar una solución, en nuestro estudio hemos pensado en utilizar la madera, porque es un material que conserva el carbono, reduce la contaminación en los edificios y, además, los árboles pueden activar un proceso de regeneración de la naturaleza que consideramos esencial. La arquitectura debería, por tanto, enorgullecerse de facilitar la regeneración de la naturaleza y debería integrarse siempre en este proceso. Nuestros proyectos pretenden, por lo tanto, servir de modelos para una nueva concepción de la arquitectura».
El autor de este artículo: Marta Santacatterina
Marta Santacatterina (Schio, 1974, vive e lavora a Parma) ha conseguito nel 2007 il Dottorato di ricerca in Storia dell’Arte, con indirizzo medievale, all’Università di Parma. È iscritta all’Ordine dei giornalisti dal 2016 e attualmente collabora con diverse riviste specializzate in arte e cultura, privilegiando le epoche antica e moderna. Ha svolto e svolge ancora incarichi di coordinamento per diversi magazine e si occupa inoltre di approfondimenti e inchieste relativi alle tematiche del food e della sostenibilità.Advertencia: la traducción al español del artículo original en italiano se ha realizado mediante herramientas automáticas. Nos comprometemos a revisar todos los artículos, pero no garantizamos la ausencia total de imprecisiones en la traducción debidas al programa. Puede encontrar el original haciendo clic en el botón ITA. Si encuentra algún error, por favor contáctenos.
IT
EN
FR
DE
CN
