Quien contempla«La Última Cena» tiende instintivamente a fijarse en los protagonistas de la escena: Cristo, los apóstoles, el momento dramático del anuncio de la traición. Sin embargo, en las representaciones realizadas por los artistas toscanos del siglo XIV (y del Renacimiento), también lo que aparece sobre la mesa contribuye a transmitir el significado del episodio. Los alimentos, la vajilla y los utensilios son elementos que reflejan la cultura material de la época, las costumbres alimentarias de las comunidades religiosas e incluso el valor simbólico que se atribuye a la comida en la tradición cristiana.
La Última Cena descrita en los Evangelios coincide con la comida que Jesús compartió con los doce apóstoles con motivo de la Pascua judía. Según la tradición, la mesa debería haber incluido pan ácimo, cordero asado, hierbas amargas (Éxodo 12,1-8), vino y la salsa charoset, una preparación a base de frutos secos y especias que evocaba la esclavitud del pueblo hebreo en Egipto. Sin embargo, en las obras de arte, este conjunto de alimentos no se respeta de forma rigurosa. Los pintores suelen sustituir los alimentos prescritos por la tradición por productos propios de su realidad cotidiana o introducen alimentos con un valor alegórico concreto. ¿Qué significa esto? Significa que el proceso llevado a cabo por los artistas convierte la mesa en un reflejo de la sociedad en la que viven.
Los primeros testimonios toscanosde la Última Cena ya muestran cómo los artistas prestaban especial atención a los alimentos y a los objetos dispuestos sobre la mesa. Un ejemplo se conserva en el púlpito de la catedral de Santa María Assunta de Volterra, donde, entre finales del siglo XII y principios del XIII, el escultor toscano Biduino, con la colaboración del taller de Bonamico, realizó un ciclo escultórico en piedra que comprendía, además deLa Última Cena, también El sacrificio de Abraham, La Visitación,La Anunciación y los leones con columnas. En el relieve dedicado al banquete, situado en el cuarto intercolumno entre la nave central y la nave izquierda de la catedral, la escena ya se caracteriza por algunos elementos que se convertirán en recurrentes en la iconografía posterior del tema: panes, peces y vajilla de terracota contribuyen a definir el contexto festivo y dotan de realismo a la escena, combinando su significado religioso con una atención a la cultura material de la época.
Unas décadas más tarde, el tema experimenta un nuevo desarrollo en Siena. En el reverso de la monumental Maestà, realizada por Duccio di Buoninsegna (Siena, hacia 1255 – 1318) entre 1308 y 1311 para el altar mayor de la catedral, aparece una de las representaciones más antiguasde la Última Cena conservadas en la Toscana. La obra (un panel al temple sobre madera), que hoy se conserva en el Museo de la Ópera Metropolitana de Siena, ocupa la parte central del complejo ciclo dedicado a las historias de Cristo pintado en el reverso del panel que dio a conocer al maestro sienes. Aunque mantiene la sobriedad de la tradición bizantina, Duccio introduce ya elementos que influirán profundamente en la pintura posterior. El espacio adquiere una primera profundidad gracias a la inclinación de las paredes y las vigas del techo, mientras que los personajes muestran una participación narrativa más intensa que en los modelos anteriores. Pero es sobre todo el lienzo lo que llama la atención. Junto a los panes, los pececitos, las copas llenas de vino, la vajilla de terracota y los cuchillos, aparece un elemento inesperado: un lechón.
La presencia del cerdo resulta sorprendente si se compara con el relato evangélico. En la religión judía, al igual que en la islámica, el animal se consideraba impuro y su consumo estaba prohibido. Las prescripciones contenidas en el Levítico (tercer libro de la Biblia hebrea) y en el Deuteronomio (quinto libro de la Biblia hebrea), así como las recogidas en el Corán, prohibían de hecho su consumo.
«(…) el cerdo, porque tiene la pezuña hendida y la pata bifurcada, pero no rumia; lo consideraréis impuro», Levítico 11.
«(...) y también el cerdo, que tiene la pezuña hendida pero no rumia; lo consideraréis impuro. No comeréis su carne ni tocaréis sus cadáveres», Deuteronomio 14.
En el cristianismo, en cambio, el consumo de carne de cerdo no estaba prohibido, aunque se limitaba durante los períodos penitenciales, como la Cuaresma, el Adviento, las vigilias de las principales festividades y los viernes, en señal de moderación frente al pecado de la gula. Como se ha señalado anteriormente, la elección de Duccio demuestra que los artistas medievales no pretendían reconstruir fielmente el banquete pascual judío. Decidieron reinterpretar el episodio y adaptarlo a la sensibilidad y a los hábitos alimenticios de su época.
Esta libertad iconográfica caracterizará también las representaciones posteriores, en particular las del Renacimiento. Las pinturasde la Última Cena reflejan, de hecho, una reflexión teológica que utiliza la comida como lenguaje simbólico. Los alimentos y los recipientes transmiten un mensaje destinado a los religiosos que contemplaban diariamente las imágenes durante la comida.
Es precisamente en el seno de los monasterios donde el temade la Última Cena adquiere un papel cada vez más importante. Con la proliferación de abadías, conventos y complejos monásticos, el refectorio se convierte en uno de los espacios centrales de la vida religiosa. Allí, el momento de la comida representa un acto comunitario marcado por un ritual preciso. En muchas órdenes, la comida se celebraba en silencio, mientras un hermano leía pasajes de la Biblia o textos religiosos. Antes de entrar en el refectorio, los monjes se detenían en la sala del lavabo, donde se lavaban ritualmente las manos y se preparaban espiritualmente para el momento de la comida. En este contexto, la decoración pictórica asumía una función muy concreta. ¿Cuál? Establecer una relación entre el alimento del cuerpo y el del alma.
No es casualidad que en Florencia se desarrollara una de las tradiciones artísticas más importantes dedicadas a los cenáculos. Entre las primeras interpretaciones del tema realizadas por Taddeo Gaddi (Florencia, hacia 1300 – 1366) figura tambiénLa Última Cena, que formaba parte del antiguo armario de la sacristía de Santa Croce, ejecutada hacia 1335-1340. El panel, que hoy se conserva en la Galería de la Academia de Florencia, formaba parte de un conjunto compuesto originalmente por veintiocho paneles pintados al temple sobre fondo dorado, dedicados a las Historias de Cristo y a las Historias de San Francisco. En comparación con las decoraciones monumentales destinadas a los refectorios, la composición sigue siendo esencial y centra la atención en los protagonistas de la escena. También los objetos dispuestos sobre la mesa se reducen al mínimo: en ella solo hay un cuchillo y un plato de terracota, elementos suficientes para evocar el momento de convivencia sin recurrir a una descripción detallada de los alimentos. La sobriedad de la composición refleja una fase aún inicial de la iconografíade la Última Cena, en la que el significado religioso del episodio prevalece sobre la representación de la cultura material.
Pocos años más tarde, entre 1345 y 1350, en los refectorios de los conventos de la ciudad, las imágenes de la Crucifixión yde la Última Cena se convirtieron en parte integrante del espacio arquitectónico y acompañaban a diario a los religiosos durante las comidas. Una de las representaciones más conocidas de esta etapa esel Árbol de la Vida y la Última Cena, realizada también por Gaddi para el refectorio del convento de Santa Croce en Florencia, que hoy se conserva en el Cenáculo de Santa Croce en Florencia. El imponente fresco, concebido como un gran retablo que ocupa toda la pared del fondo de la sala, presenta un programa iconográfico muy completo. En la franja inferior se encuentrala Última Cena, mientras que en la parte superior destaca el gran Árbol de la Cruz, flanqueado por episodios como los estigmas de San Francisco, San Luis de Toulouse sirviendo a los pobres, la Cena de Jesús en casa del fariseo y el ángel que ordena a un sacerdote que lleve comida a San Benito en el eremo, además de numerosas figuras de santos, el Espíritu Santo y los escudos de la familia Manfredi insertados en el friso decorativo.
La decisión de combinarla Última Cena con diversos episodios unidos por el tema de la alimentación y la caridad remite a la función original del refectorio, donde los frailes tomaban las comidas en silencio, acompañando el momento de la mesa con la meditación. También en las obras de Taddeo Gaddi, al igual que en la de Duccio di Buoninsegna , aparecen elementos de la vida cotidiana, como panes, el vino y la vajilla de terracota, detalles que contribuyen a dar concreción a la escena y que anticipan esa atención por los alimentos y los objetos de la mesa que se desarrollaría plenamente en los grandes cenáculos del siglo XV.
El interés por el episodio evangélico no se manifiesta únicamente en la pintura monumental. A lo largo del siglo XIV, el tema también encuentra cabida en la producción de miniaturas, como demuestra una letra «N» historiada conla Última Cena, atribuida al ámbito toscano y conservada actualmente en el Museo Nacional de San Matteo de Pisa, procedente del antiguo convento de San Matteo en Soarta, en Pisa. Realizada sobre pergamino, la miniatura inserta la escena en el interior de la letra inicial, enmarcada en un recuadro geométrico sobre fondo oscuro y enriquecida con motivos fitomórficos que se extienden a lo largo de toda la página. Alrededor de la mesa puesta, los apóstoles, reunidos en el lado derecho, reaccionan con asombro ante las palabras de Cristo, que anuncia la inminente traición, mientras que Juan, profundamente consternado, se deja caer sobre las rodillas del Maestro. Al fondo aparecen murallas y una torre que definen el entorno arquitectónico del episodio. Aunque las reducidas dimensiones de la miniatura no permiten una descripción minuciosa de los alimentos, en la mesa se reconocen, no obstante, los elementos fundamentales de la iconografía eucarística: el pan y el vino, siempre presentes en las representacionesde la Última Cena como referencia al cuerpo y a la sangre de Cristo.
Junto a la producción de miniaturas, la pintura al fresco también siguió desarrollando el temade la Última Cena en el seno de la cultura figurativa toscana del siglo XIV. Un ejemplo atribuibleal círculo de Giotto se conserva en la Capilla de Santa María en Campo Arsiccio, en el municipio de Terranuova Braccioli (Arezzo), donde el episodio se representa mediante la técnica del fresco. También en este caso, la escena mantiene en el centro el valor simbólico de la mesa, con la presencia de los elementos fundamentales de la tradición eucarística: el pan y el vino. A estos se suman diversos objetos relacionados con la dimensión cotidiana del banquete, como jarras, vasos y cerámicas, que contribuyen a hacer más concreta la representación del momento de convivencia y muestran el creciente interés de los artistas por la reproducción de los objetos de la vida real.
La relación entre la comida y la representaciónde la Última Cena experimenta un nuevo cambio con la llegada del Renacimiento, cuando la mesa evangélica se convierte también en un espacio de diálogo con la cultura gastronómica contemporánea. Si en las obras medievales y del siglo XIV los alimentos son sobre todo elementos simbólicos vinculados al significado eucarístico y a la vida comunitaria de los religiosos, en el siglo XV y a principios del XVI la comida se relaciona cada vez más con una nueva atención hacia la naturaleza, el placer y la dimensión cotidiana del ser humano.
Una de las muestras más importantes de esta transformación es«La Última Cena»de , deLeonardo da Vinci, realizada entre 1495 y 1498 en la pared del refectorio del convento dominicano de Santa María delle Grazie, en Milán. La obra, un mural pintado a seco de dimensiones monumentales, representa un punto de inflexión en la historia de las representaciones de este tema. Leonardo construye una imagen profundamente ligada a la cultura de su época, en la que incluso los elementos de la mesa asumen un papel narrativo.
Entre los alimentos representados también aparecen platos con anguilas, un detalle especialmente interesante si se compara con las prescripciones alimentarias de la tradición judía. De hecho, según las normas establecidas por la ley mosaica, solo se consideraban comestibles los peces dotados de aletas y escamas: las anguilas, al carecer de estas características, se incluían, por tanto, entre los alimentos prohibidos.
«Podréis comer los que tengan aletas y escamas, tanto en los mares como en los ríos. Pero de todos los animales que se mueven o viven en las aguas, en los mares y en los ríos, los que no tengan ni aletas ni escamas, los consideraréis abominables», Levítico 11.
Su presencia en la obra de Leonardo demuestra una vez más que los artistas no buscaban necesariamente una reconstrucción filológica del banquete pascual narrado en los Evangelios. En cambio, reinterpretaban la escena a través del filtro de su propia época y de sus propios conocimientos.
Otros detalles también muestran una distancia respecto a las representaciones anteriores. De hecho, en el cuadro de Leonardo desaparecen los numerosos cuchillos que caracterizaban muchas representaciones medievales y renacentistas deLa Última Cena. Estos utensilios, a menudo puntiagudos y dispuestos de forma destacada, se utilizaban para cortar los alimentos y llevarse los bocados a la boca, mientras que los tenedores de mesa, ya extendidos en el Imperio bizantino, habían sido mirados durante mucho tiempo con recelo por la Iglesia occidental, ya que se consideraban un instrumento de perversión diabólica. Leonardo elimina, por tanto, esos objetos de la escena y centra la atención en la relación psicológica entre Cristo y los apóstoles, así como en la tensión emocional del momento en que se anuncia la traición.
La presencia de la anguila permite, además, abrir una reflexión sobre el significado que se atribuía al placer de la mesa en la cultura humanista. El redescubrimiento de los textos clásicos en el siglo XV había favorecido una nueva consideración de la convivencia y de la relación entre el hombre y la naturaleza: incluso el gusto y la búsqueda del placer gastronómico podían interpretarse como manifestaciones de la riqueza de la creación, siempre que se inscribieran en un equilibrio moral.
Esta sensibilidad también se refleja en la literatura de la época. El sienes Sermini, nacido a finales del siglo XIV, describe con gran detalle en la Novella XXIX la preparación de una anguila, también llamada «anguila de San Vicente». El relato refleja el valor que se atribuía a la cocina como práctica refinada y compleja: el pescado se limpia, se corta en porciones, se ensarta en el asador alternando hojas de laurel y, a continuación, se sazona con sal, vinagre, aceite, pimienta, especias y clavo. Tras la cocción, se adereza con granadas, naranjas y otras especias, convirtiéndose en un plato destinado a una mesa refinada.
En cualquier caso, el éxito gastronómico de la anguila tenía raíces aún más antiguas. Ya Arquístrato de Gela, poeta siceliota del siglo IV a. C. considerado uno de los primeros autores de gastronomía de la cultura occidental, había rendido homenaje a este pescado en su obra, definiéndolo como «el único pescado que es todo carne». La referencia a la anguila atraviesa, por tanto, siglos de historia, pasando de la literatura gastronómica antigua a las mesas medievales y renacentistas.
Además, en torno a este animal se desarrolló una curiosa creencia destinada a influir también en las prácticas alimentarias religiosas. De hecho, durante mucho tiempo se creyó que la anguila carecía de órganos genitales, una interpretación que solo quedó superada en 1912 gracias a los estudios del biólogo danés Johannes Schmidt, quien aclaró su ciclo reproductivo en el volumen *Los lugares de reproducciónde la anguila*, de 1922. Sin embargo, esta supuesta particularidad había permitido a algunos religiosos del Renacimiento consumir este pescado incluso durante la Cuaresma, ya que se consideraba compatible con las restricciones alimentarias previstas en los períodos penitenciales. Precisamente por esta razón, la anguila acabó adquiriendo también un valor ambivalente: por un lado, símbolo de refinamiento gastronómico; por otro, asociada a la crítica moral contra la gula y los excesos alimentarios atribuidos a una parte del clero.
La observación de la mesa permite, por tanto, captar un aspecto a menudo pasado por alto de la iconografíade la Última Cena. Si bien los protagonistas y el significado teológico del episodio permanecen inalterados, los alimentos cambian, al igual que cambian la vajilla, los utensilios y los gestos de convivencia. Es en estos detalles donde se mide la distancia entre el relato evangélico y su representación artística: una distancia que surge de la voluntad de hacer comprensible lo sagrado a los hombres de su época.
El autor de este artículo: Noemi Capoccia
Originaria di Lecce, classe 1995, ha conseguito la laurea presso l'Accademia di Belle Arti di Carrara nel 2021. Le sue passioni sono l'arte antica e l'archeologia. Dal 2024 lavora in Finestre sull'Arte.Advertencia: la traducción al español del artículo original en italiano se ha realizado mediante herramientas automáticas. Nos comprometemos a revisar todos los artículos, pero no garantizamos la ausencia total de imprecisiones en la traducción debidas al programa. Puede encontrar el original haciendo clic en el botón ITA. Si encuentra algún error, por favor contáctenos.
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