佛罗伦萨国际古董双年展今日 在维切奥宫的“五百人厅”举行开幕仪式，正式拉开帷幕。佛罗伦萨 市长萨拉·富纳罗、本届展会秘书长布鲁诺·波提切利以及多位当地知名人士出席了仪式。 佛罗伦萨国际古董双年展（BIAF）将从今日起在科西尼宫向公众开放，展期持续至10月4日，届时将有约八十家古董商参展，并在王座厅举办一系列研讨会和推介活动。 展会以“洛伦佐金奖”颁奖仪式拉开帷幕，该奖项授予了朱利安·施纳贝尔：这位美国艺术家兼导演在开幕式上从市长萨拉·富纳罗和银器大师詹弗兰科·潘帕洛尼手中接过了奖项。
为2026年届次，该奖项经过重新设计，旨在与佛罗伦萨手工艺建立更直接的联系。 潘帕洛尼是由专家评审团从面向该市银器大师的竞赛中选出的，他通过重新诠释与“伟大的”洛伦佐相关的古老象征，制作了这件镀银金属工艺品： 三个交织的圆环——这一图案也出现在桑德罗·波提切利的《帕拉德与半人马》中，象征着美第奇家族的外交智慧。 在这座新奖杯上，这三个密不可分的元素象征着和谐、延续与共同的力量。它既呼应了美第奇家族的传统，又彰显了这一授予国际当代文化界杰出人物的荣誉。
“我很高兴能来到佛罗伦萨，并从制作该奖项的银匠吉安弗兰科·潘帕洛尼手中接过这座‘金色洛伦佐’奖，”朱利安·施纳贝尔在颁奖典礼上说道。 “艺术是对生命的礼赞。我既是一名艺术家，也是一位导演，每一种艺术形式都是不朽的，因为即使我们离世之后，仍将继续与素未谋面的人们进行交流。这对即将结束的人生而言是一种慰藉。我们将通过自己的作品，在后人的目光中继续活下去。”
“洛伦佐金奖”并非BIAF颁发的唯一奖项：在专为媒体举行的预展日上，组委会还公布了该活动历来为最佳作品设立的三大奖项的获奖名单：绘画奖、雕塑奖以及 装饰艺术与设计奖。
绘画奖授予了安尼巴莱·卡拉奇的 《 有 船夫 的河流风景 》（ 博洛尼亚，1560 – 罗马，1609年）的《带船夫的河流风景》获得，这是一幅66×86厘米的布面油画，由里米尼的爱丽丝美术画廊（Alice Fine Art）展出，创作于16世纪80年代末。 这幅画展现了现代风景画形成过程中的一个重要时刻：自然不再仅仅是故事发生的背景，而是承担起独立的角色，最终成为画作的真正主体。 卡拉奇将场景构筑在一条河流之上，一艘小船穿行其间，周围环绕着树木、芦苇丛以及占据画面大部分面积的植被。 画中虽有人物，却仿佛被环境所融化。正是这种人与自然的关系赋予了这幅画独特的张力：自然空间并非仅仅作为简单的戏剧布景，而是决定了画面氛围与节奏。
这幅作品的来历更增添了一层趣味：它曾收藏于莱比锡的普拉特基（Platky）收藏中，随后转入柏林弗里茨·豪斯曼（Fritz Haussmann）的收藏。 最早将此画归因于卡拉奇的是赫尔曼·沃斯，他于1919年首次提出这一观点，并于1931年再次对此画进行研究。此后，这幅画从豪斯曼手中转至一位瑞士收藏家，其继承人一直将其保存至今。 尽管迄今为止仅通过一张照片为人所知，但评论界仍将其视为一幅重要作品。这幅画创作于安尼巴莱·卡拉奇正在探索全新风景画理念的时期。 事实上，画作中既体现了威尼斯画派的影响，又展现出对光影效果的特别关注：迅捷而流畅的笔触通过明暗区域的交替构筑了风景，而柔和而包覆性的色调则有助于营造出统一的氛围。
威尼斯画派的影响也与安尼巴莱在1587年底与弟弟阿戈斯蒂诺一同进行的旅行有关。他对提香绘画的了解体现在场景的光影构图中，但卡拉奇通过更自然的景观表现与之拉开了距离。 威尼斯风景画中那种宏伟与庄严，在此被转化为一种更直观的视角——自然仿佛是被直接观察到的，而不仅仅按照某种理想构图进行组织。
这正是《河畔风景与船夫》 在安尼巴莱艺术历程中具有重要意义 的原因之一。作为从16世纪向17世纪过渡时期的主要代表人物之一，这位画家尝试了不同的画种和艺术语言，为新绘画理念的诞生做出了贡献。 在风景画领域，这种探索促使人们将自然视为一种独立而鲜活的存在，这种观念在随后的几个世纪里，注定要在欧洲绘画中发挥越来越重要的作用。
雕塑奖 则授予了 乔瓦尼·杜普雷（Giovanni Dupré， 锡耶纳，1817年 – 佛罗伦萨，1882年）的《疲惫的酒神女信徒》，该作品由蒙特格罗托泰尔梅（帕多瓦）的戈米耶罗画廊（Galleria Gomiero）提供。 这件雕塑采用雕像用大理石和锡耶纳黄大理石制作，属于雕塑家“新希腊”时期的作品，由葡萄牙国王委托创作。杜普雷通过这件作品，达到了其十九世纪中叶艺术探索历程中的重要里程碑之一。 然而，对古代雕塑的借鉴并非简单的考古式模仿。这位在狄俄尼索斯式舞蹈结束后沉醉其中的酒神女祭司形象，既展现了解剖结构的写实精准，又流露出对感性形态的明显关注。
这位年轻女子被描绘成裸体，双腿仅由一缕轻盈的褶裳遮盖。她的身体呈一种既展现疲惫又流露醉意的姿态，身旁放置着竖琴和倒置的酒杯，这些元素清晰地昭示着作品与狄俄尼索斯世界的关联。 她的面容虽保留着舞蹈时的狂喜神态，却已显露力竭之态。头发束于后颈，一圈由小玫瑰编织的花环环绕着她的头颅，将“无常”这一主题也融入了画面之中。
杜普雷的艺术探索源于对古代雕塑的研究，这一研究在他1853年赴那不勒斯旅行期间，通过参观波旁博物馆和庞贝古城得到了深化。 但他对古艺术的兴趣，实则植根于一场关于艺术本质的更广泛讨论之中——这位雕塑家不仅通过友人路易吉·穆西尼接触到了这一议题，随后在1857年夏季前往伦敦和巴黎的旅途中，也进一步深化了这一思考。
从这个意义上说，《疲惫的酒神女信徒》标志着从先前的纯粹主义文化向具有国际视野的美学主义的转变。杜普雷本人在给安东尼奥·奇塞里的信中，曾提到那种“异教式的奢华”，他将此视为古美所散发出的新魅力。 在这件雕塑中，曾贯穿其其他作品的说教意图已不复存在，取而代之的是对感性、精致且独立之美的追求。
该作品在国际收藏界也大获成功。杜普雷曾提及自己多次复制过这件作品：据记载至少有五件复制品，分别流落至曼彻斯特、伦敦、圣彼得堡和美国，此外还有1865年为葡萄牙国王创作的那件。 此次在BIAF展出的这件大理石雕塑，源自科斯塔尔皮诺的圣玛格丽塔别墅，由西塞里（Ciseri）家族的继承人提供，经埃托雷·斯帕莱蒂（Ettore Spalletti）鉴定，正是那件葡萄牙版本。
获奖作品组的压轴之作是“装饰艺术与设计奖”，该奖项授予了由罗马韦尔迪尼古董行（Verdini Antiques）展出的贾科莫·拉法埃利（Giacomo Raffaelli，罗马，1753–1836）创作的一座巨型壁炉。 该作品创作于十九世纪初，采用白色大理石和微型马赛克工艺制作。拉法埃利被视为十八世纪末至十九世纪初装饰艺术领域的主要代表人物之一，也是推动微型马赛克技术——即所谓的“罗马微型马赛克”——蓬勃发展的艺术家之一。 他将微型马赛克应用于描绘风景、动物、花卉、古迹以及宗教和神话题材的小牌饰上，从而创造出极其精确的图像，其中马赛克小片的微小尺寸反而成为营造近乎绘画般效果的工具。
在BIAF获奖的壁炉作品中，雕刻结构的大理石为微马赛克镶嵌画构成了框架，其中细节的精准度已成为装饰不可或缺的一部分。 所描绘的图像将这件家具转化为一种叙事载体：动物们生动的姿态与神态占据着画面空间，吸引观者走近细细品味其中的细节。 事实上，拉斐利（Raffaelli）的技法不仅呈现出极其丰富的色彩效果，更赋予场景近乎三维的视觉感知。微马赛克并非单纯附加于器物上的装饰元素，而是成为凝聚其艺术品质核心要义的关键所在。
2026年BIAF展会将在科西尼宫持续至10月4日，约有八十家参展商。除古董商展出的作品外，活动日程还包括一系列聚焦艺术史、收藏、修复及古董文化的研讨会、讲座和专题展示。 书籍、艺术品、修复成果及最新研究成果构成了在宝座厅（Salone del Trono）举办活动的切入点，将双年展的叙事范围拓展至展厅内陈列的展品之外。
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| 安尼巴莱·卡拉奇、杜普雷和拉法埃利——2026年BIAF获奖作品。施纳贝尔荣获“洛伦佐·多罗”奖 |
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