Die Internationale Antiquitätenbiennale von Florenz wurde heute offiziell mit einer Feierstunde im „Salone dei Cinquecento“ des Palazzo Vecchio eröffnet, an der Bürgermeisterin Sara Funaro, der Generalsekretär der Veranstaltung Bruno Botticelli sowie weitere Persönlichkeiten der Stadt teilnahmen. Die BIAF findet ab heute bis zum 4. Oktober im Palazzo Corsini statt und bietet rund achtzig Antiquitätenhändler sowie ein Programm mit Vorträgen und Präsentationen im Salone del Trono. Die Veranstaltung beginnt mit der Verleihung des „Premio Lorenzo d’Oro“, der an Julian Schnabel ging: Der US-amerikanische Künstler und Regisseur nahm die Auszeichnung während der Eröffnungszeremonie aus den Händen von Bürgermeisterin Sara Funaro und dem Silberschmiedemeister Gianfranco Pampaloni entgegen.
Für die Ausgabe 2026 wurde der Preis neu konzipiert und steht nun in einer direkteren Verbindung zumflorentinischen Kunsthandwerk. Pampaloni wurde von einer Expertenjury im Rahmen eines Wettbewerbs unter den Silberschmiedemeistern der Stadt ausgewählt und schuf das Werk aus versilbertem Metall, indem er ein antikes Symbol neu interpretierte, das mit Lorenzo il Magnifico in Verbindung steht: die drei ineinander verschlungenen Ringe, die auch in Sandro Botticellis „Pallade und der Zentaur“ als Allegorie der mediceischen Diplomatie dargestellt sind. In der neuen Auszeichnung stehen die drei untrennbaren Elemente für Harmonie, Kontinuität und gemeinsame Stärke. Sie ist ein Verweis auf die Tradition der Medici, die die Ehrung einer Persönlichkeit der internationalen zeitgenössischen Kultur begleitet.
„Ich freue mich, hier in Florenz zu sein und diesen ‚Lorenzo d’Oro‘-Preis aus den Händen des Silberschmieds Gianfranco Pampaloni entgegenzunehmen, der ihn angefertigt hat“, sagte Julian Schnabel während der Zeremonie. „Kunst ist eine Hymne an das Leben. Ich bin Künstler und Regisseur, und jede Kunstform ist unsterblich, denn auch wenn wir nicht mehr da sind, werden wir weiterhin mit denen kommunizieren, die wir nicht kennen werden. Das ist ein Trost für dieses Leben, das zu Ende geht. Wir werden durch unsere Werke im Blick der Nachwelt weiterleben.“
Der „Lorenzo d’Oro“-Preis ist nicht der einzige, der von der BIAF verliehen wird: Am Pressevorabtag wurden nämlich auch die Gewinner der traditionsreichen Preise für die besten Werke der Veranstaltung bekannt gegeben: der Malerei-Preis, der Bildhauerpreis und der Preis für angewandte Kunst und Design.
Der Malerei-Preis ging an die „Flusslandschaft mit Bootsleuten“ von Annibale Carracci ( Bologna, 1560 – Rom, 1609), ein Ölgemälde auf Leinwand im Format 66 mal 86 Zentimeter, das von der Galerie Alice Fine Art aus Rimini präsentiert wurde und auf das Ende der 1580er Jahre datiert wird. Das Gemälde zeigt einen wichtigen Moment in der Entstehung der modernen Landschaftsmalerei: Die Natur ist nicht mehr nur der Hintergrund, vor dem sich eine Geschichte abspielt, sondern übernimmt eine eigenständige Rolle, bis sie zum eigentlichen Thema der Darstellung wird. Carracci inszeniert die Szene an einem Wasserlauf, den ein Boot durchquert, inmitten von Bäumen, Schilf und einer Vegetation, die einen Großteil der Bildfläche einnimmt. Menschliche Figuren sind zwar vorhanden, scheinen jedoch fast vollständig von der Umgebung verschlungen zu sein. Gerade dieses Verhältnis zwischen Mensch und Natur verleiht dem Gemälde eine besondere Intensität: Der natürliche Raum fungiert nicht als bloße Theaterkulisse, sondern bestimmt die Atmosphäre und den Rhythmus des Bildes.
Die Geschichte des Werks fügt ein weiteres interessantes Element hinzu: Das Gemälde befand sich nämlich in der Platky-Sammlung in Leipzig und gelangte später in die Sammlung von Fritz Haussmann in Berlin. Die erste Zuschreibung an Carracci geht auf Hermann Voss zurück, der sie 1919 formulierte und sich 1931 erneut mit dem Werk befasste. Später soll das Gemälde von Haussmann an einen Schweizer Sammler übergegangen sein, dessen Erben es bis heute bewahrt haben. Obwohl es bisher nur durch eine Fotografie bekannt war, wurde es von der Kritik weiterhin als bedeutendes Werk angesehen. Das Gemälde stammt aus der Zeit, in der Annibale Carracci mit einer neuen Konzeption der Landschaft experimentierte. Tatsächlich zeigen sich in dem Gemälde der Einfluss der venezianischen Malerei und ein besonderes Augenmerk auf die Lichteffekte: Der schnelle, fließende Pinselstrich gestaltet die Landschaft durch den Wechsel von hellen Bereichen und Schatten, während die weichen, einhüllenden Farbtöne dazu beitragen, eine einheitliche Atmosphäre zu schaffen.
Der venezianische Einfluss steht auch im Zusammenhang mit der Reise, die Annibale Ende 1587 gemeinsam mit seinem Bruder Agostino unternahm. Die Kenntnis der Malerei Tizians spiegelt sich in der lichttechnischen Gestaltung der Szene wider, doch Carracci entfernt sich davon zugunsten einer größeren Natürlichkeit der Ansicht. Die Monumentalität und Feierlichkeit der venezianischen Landschaft werden in eine unmittelbarere Sichtweise übersetzt, in der die Natur direkt beobachtet erscheint und nicht nur nach einem idealen Konstrukt angeordnet ist.
Dies ist einer der Aspekte, die das Gemälde „Flusslandschaft mit Bootsleuten“ im Schaffen Annibales von Bedeutung machen. Der Maler, der zu den Protagonisten des Übergangs vom 16. zum 17. Jahrhundert gehörte, experimentierte mit verschiedenen Genres und Ausdrucksformen und trug so zur Entstehung einer neuen Konzeption der Malerei bei. In der Landschaftsmalerei führt diese Suche dazu, die Natur als eigenständige und lebendige Präsenz zu betrachten, die in der europäischen Malerei der folgenden Jahrhunderte eine immer wichtigere Rolle spielen sollte.
Der Skulpturenpreis ging hingegen an die „Müde Bacchantin“ von Giovanni Dupré ( Siena, 1817 – Florenz, 1882), präsentiert von der Galleria Gomiero aus Montegrotto Terme (Padua). Die aus Statuarmarmor und „Giallo di Siena“ gefertigte Skulptur gehört zur „neugriechischen“ Phase des Bildhauers und wurde vom König von Portugal in Auftrag gegeben. Mit diesem Werk erreicht Dupré einen der bedeutendsten Höhepunkte seines künstlerischen Schaffens aus der Mitte des 19. Jahrhunderts. Der Bezug zur antiken Bildhauerkunst ist jedoch nicht als bloße archäologische Nachahmung zu verstehen. Die Figur der Bacchantin, die sich nach dem dionysischen Tanz hingibt, verbindet die naturalistische Präzision der Anatomie mit einem offensichtlichen Interesse an der Sinnlichkeit der Form.
Die junge Frau ist nackt dargestellt, ihre Beine sind von einem leichten Stofffaltenwerk bedeckt. Der Körper ist in einer Haltung gelockert, die zugleich Müdigkeit und Rausch vermittelt, während neben ihr das Cembalo und der umgestürzte Kelch liegen – Attribute, die den Bezug zur dionysischen Welt erkennbar machen. Das Gesicht bewahrt den ekstatischen Ausdruck des Tanzes, ist jedoch von Kraftlosigkeit gezeichnet. Das Haar ist im Nacken zusammengebunden, und ein Kranz aus kleinen Rosen umrahmt den Kopf, wodurch auch das Thema der Vergänglichkeit in die Szene eingeführt wird.
Duprés künstlerische Suche entsprang der Auseinandersetzung mit der antiken Bildhauerei, die er während seiner Reise nach Neapel im Jahr 1853 durch Besuche im Museo Borbonico und in Pompeji vertiefte. Sein Interesse an der Antike fügt sich jedoch in eine umfassendere Debatte über das Wesen der Kunst ein, mit der sich der Bildhauer auch durch seinen Freund Luigi Mussini und später während seiner Reise nach London und Paris im Sommer 1857 auseinandersetzte.
Die „Müde Bacchantin“ markiert in diesem Sinne einen Übergang von der früheren puristischen Kultur hin zu einem Ästhetizismus von internationaler Tragweite. Dupré selbst sprach in einem Brief an Antonio Ciseri von jenem „heidnischen Luxus“, den er mit der neuen Anziehungskraft der antiken Schönheit gleichsetzte. In der Skulptur verschwindet die moralisierende Absicht, die andere seiner Werke geprägt hatte, und die Suche nach einer sinnlichen, raffinierten und eigenständigen Schönheit gewinnt die Oberhand.
Der Erfolg des Werks war auch in internationalen Sammlerkreisen bemerkenswert. Dupré berichtete, dass er es mehrfach nachgebildet habe: Mindestens fünf Versionen sind dokumentiert, die jeweils für Manchester, London, Sankt Petersburg und Amerika bestimmt waren, zusätzlich zu der 1865 für den König von Portugal angefertigten. Der auf der BIAF präsentierte Marmor, der aus der Villa Santa Margherita in Costalpino stammt und von den Erben Ciseri zur Verfügung gestellt wurde, wurde von Ettore Spalletti eindeutig als die portugiesische Version identifiziert.
Abgerundet wird die Gruppe der prämierten Werke durch den Preis für Dekorative Künste und Design, der an einen monumentalen Kamin von Giacomo Raffaelli (Rom, 1753 – 1836) verliehen wurde, präsentiert von Verdini Antiques aus Rom. Das zu Beginn des 19. Jahrhunderts entstandene Werk besteht aus weißem Marmor und Mikromosaik. Raffaelli gilt als einer der wichtigsten Vertreter der dekorativen Künste an der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert und als einer der Künstler, die zum Erfolg der Technik der winzigen Mosaiksteinchen, des sogenannten römischen Mikromosaiks, beitrugen. Durch die Verwendung dieser Technik bei Plaketten, die Landschaften, Tiere, Blumen, Ruinen sowie religiöse und mythologische Motive darstellen, konnten Bilder von außergewöhnlicher Präzision geschaffen werden, bei denen die geringe Größe der Mosaiksteinchen zu einem Mittel wurde, um fast malerische Effekte zu erzielen.
Bei dem auf der BIAF ausgezeichneten Kamin bildet der Marmor der skulpturalen Struktur einen Rahmen für Mikromosaik-Einsätze, bei denen die Präzision der Details zu einem integralen Bestandteil der Dekoration wird. Die dargestellten Bilder verwandeln das Einrichtungsstück in eine Art narratives Medium: Die Tiere, eingefangen in ihren Bewegungen und Ausdrucksformen, nehmen einen Raum ein, der den Betrachter dazu veranlasst, näher heranzutreten, um die Details zu betrachten. Raffaellis Technik ermöglicht es nämlich, Effekte von großer Farbvielfalt und eine fast dreidimensionale Wahrnehmung der Szenen zu erzielen. Das Mikromosaik ist kein bloßes, dem Objekt hinzugefügtes Zierelement, sondern wird zum Ort, an dem sich ein wesentlicher Teil seiner künstlerischen Qualität konzentriert.
Die BIAF 2026 dauert noch bis zum 4. Oktober im Palazzo Corsini und umfasst rund achtzig Aussteller. Neben den von den Antiquitätenhändlern präsentierten Werken umfasst das Programm Begegnungen, Vorträge und Präsentationen zu den Themen Kunstgeschichte, Sammeln, Restaurierung und Antiquitätenkultur. Bücher, Kunstwerke, Restaurierungen und neue Forschungsergebnisse bilden die Ausgangspunkte der Veranstaltungen im Thronsaal und erweitern die Erzählung der Biennale über die in den Sälen ausgestellten Objekte hinaus.
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| Annibale Carracci, Dupré und Raffaelli: die bei der BIAF 2026 ausgezeichneten Werke. Lorenzo d’Oro für Schnabel |
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