米莫·罗泰拉的巨作：卡坦扎罗展出25件从20世纪80年代至2005年的大型作品

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对于米莫·罗泰拉（卡坦扎罗，1918年—米兰，2006年）而言，“撕下”从来不仅仅是一个动作：从墙上撕下一张海报，意味着将一个现成的图像据为己有，将其从原有语境中抽离，并将其转化为另一种存在。 在其艺术生涯的最后几十年里，这一原则并未消失，而是转变了尺度：图像得以扩展，侵占画布，与绘画融合，被抹去、重组并再次被改造。 正是罗泰拉艺术探索中这种宏伟的维度 ，在卡坦扎罗市为其同乡逝世二十周年举办的展览中得以凸显。2026年10月8日至2027年1月8日，圣乔瓦尼纪念建筑群将举办由阿尔贝托·菲兹策划的“米莫·罗泰拉： Monumentale”展览， 由阿尔贝托·菲兹（Alberto Fiz）担任策展人。此次展览汇集了25件大型作品，均选自1980年代至2005年间的创作，即艺术家艺术生涯的最后几十年——在这段时期里，他不断调整着自己与大众传播图像之间的关系。 这种按时间顺序的选展方式，使观众能够从不同于其最著名创作技法——“剥离法”（décollage）——的视角来审视罗泰拉。这并非意味着该技法已被摒弃，而是因为它已成为一系列进一步转变的起点。 在“撕贴”技法之外，还出现了覆绘、绘画干预、金属基底、空白画作、大型现成品，以及近年来出现所谓的“新图标”。

尤其是作品的尺寸，更凸显了这种变化。1986年的《泛美航空》（Pan Am）是一幅长五米的布面覆绘作品；《黑客帝国》（Matrix）和《少林》（Shaolin）则是与电影意象相关的、创作于金属板上的大型“剥离”作品； 而2004年的《阿帕奇要塞》和《最后的复仇》则将西部片元素重新引入了艺术家的创作探索中（后者目前以借展形式保存在卡坦扎罗的马格纳·格雷西亚大学）。 此外还有1999年创作的《伊卡洛斯》，高三米，该作品长期陈列于拉梅齐亚泰尔梅机场，由萨卡尔公司提供， 卡拉布里亚机场系统（Sacal）提供（对飞行神话的引用不仅引入了罗泰拉作品中另一个反复出现的意象，更重要的是，它具体化了作品与公共空间之间的关系——这正是本次展览的主线之一）。

从这个意义上说，纪念性不仅仅等同于巨大的尺寸。它关乎图像如何占据空间并 改变观者的感知。这是一个自“剥离艺术”（décollage）起源以来就伴随罗泰拉的课题，并在其后期创作中尤为突出地重现。 20世纪50年代，艺术家将城市墙壁视为一种露天博物馆。那些被撕下的海报，摆脱了其广告功能，转化为艺术素材。 从20世纪80年代开始，尤其是在90年代，他通过一系列作品重新审视了这一直觉——这些作品将电影、广告、新闻报道和集体想象作为构建全新视觉体系的素材。 “我的目标是赋予广告牌一种雕塑-建筑的地位，”罗泰拉曾这样说道：这句话有助于理解，为何即使在后期作品中，图像与公共领域的关系依然如此重要。 因此，海报不再仅仅是供人撕下的东西：它可以成为表面、结构、物体、空间。

展览路线从20世纪80年代开始，正是为了展现这一 持续转型的阶段。“剥离法”（décollage）既保持了自身的独立性，同时也成为了艺术家再次进行创作的基础。绘画重新占据了重要地位，而“覆绘”同样如此——它为图像增添了新的表面，并改变了其含义。 1984年的作品《星光璀璨》（A Star is Born）便是例证，这件献给电影的作品中，覆绘技法对原有图像进行了干预。因此，这一创作过程并非像“撕裂”手法那样仅仅是去除物质，而是通过添加、覆盖和转化来实现。 图像经过新的加工处理，使其意义变得不稳定。

正是这种不断重新审视自身创作的开放态度，吸引了本次展览策展人阿尔贝托·菲兹的关注。 “本次展览，”他解释道，“深入探讨了一个尚未得到充分重视的历史时期，突出了罗泰拉的实验精神——他毕生都在对技法和材料进行探索，从未停歇，并不断挑战自我。 并非偶然，展览中有一间展厅专门呈现‘新图标’——这是他2002年的最新创作，在解读这些支离破碎的图像时，营造出静默与悬置的氛围。他每次对媒介世界的干预都让我们感到惊喜。” “新图标”创作于2002年，是罗泰拉艺术探索的最新成果之一。将其纳入这场聚焦艺术家宏大风格的展览中，让我们得以观察到一个与其最广为人知的形象不太直接相关的方面： 不仅体现在被撕碎的海报所带来的视觉冲击，更在于中断、悬置乃至抹除图像的可能性。 从这个意义上说，“空白”作品也显得尤为重要——在这些作品中，抹除本身已成为作品的一部分；而那些巨型的现成品，则对杜尚关于对象与图像挪用的原则进行了重新诠释。 罗泰拉继续以日常现实中的材料进行创作，但他剥离了这些材料的原始功能，并将它们置于一个不同的意义体系之中。

电影仍是这一探索的重要领域之一。《黑客帝国》和《少林寺》将电影意象搬上了金属板，《亚帕奇要塞》和《最后的复仇》则借鉴了西部片元素。然而，这不仅仅是电影的引用。 电影是当代文化构建其集体记忆的重要图像宝库之一，而罗泰拉的作品正是持续对这一视觉遗产进行干预。 同样的原理也适用于广告：自“剪贴”（décollage）艺术诞生之初，海报对这位艺术家而言便是一种早已存在于城市中的媒介，注定会被替换并被遗忘。 罗泰拉彻底改变了它的功能：原本旨在迅速吸引注意力的图像，变成了值得观察、拆解和重新诠释的对象。

讽刺也是他个人“日常神话”的重要组成部分。展览中展出了1986年的《泰山》和1997年的《卷烟女工》，此外还有一些作品，其中与流行文化图像的关系呈现出不同的形式。 罗泰拉的创作体系始终与周围的视觉现实紧密相连，却从未拘泥于单一的创作模式。卡坦扎罗的这次展览正是着重强调了这一点：撕裂手法并非作为一种固定风格被重复，而是成为一种能够衍生出不同创作过程的 创造性原则。 “剥离”技法可以与绘画并行，画面表面可以被覆盖，材料可以转移到另一种载体上，图像可以被抹去，或者转化为尺寸足以在环境中占据一席之地的物体。

这种持续的转变贯穿了罗泰拉创作生涯的整个最后阶段：艺术家并未放弃过去的创新，而是对其进行了新的检验。 从这个意义上说，本次展览并未将八十年代、九十年代和二十一世纪初视为“脱胶”时期的简单尾声，而是将其视为该艺术探索再次经受考验的时期。

市长尼科拉·菲奥里塔表示：“我们有明确的责任向这位艺术家致敬，他凭借‘剥离’这一天才般的发明及其不断演变的形式，为当代艺术做出了最具原创性和重要性的贡献之一。 这是一段非凡的艺术历程，这位才华横溢的艺术家不仅获得了国际评论界和公众的认可与赞誉，更是在我们历史城区的一条小巷中迈出了艺术生涯的第一步。” 因此，此次展览也与这座城市的记忆紧密相连：“罗泰拉将墙壁化作了一段值得审视、撕下、重构的集体记忆，而他的艺术之路正是始于这座城市，”文化事务委员多纳泰拉·蒙特威尔第表示。 “今天，在圣乔瓦尼纪念建筑群中，这种视角重现于世，此次回归旨在激励年轻艺术家们在自己的故土中发现根基与可能，并借二十世纪最伟大的大师之一之名，为所有人提供一个巩固社区精神的契机。”

日期选择也突显了与卡坦扎罗的渊源。展览于10月8日开幕——即米莫·罗泰拉的诞辰日——并于1月8日闭幕，这一天正是他逝世的周年纪念日。 这一巧合为本次展览构筑了一个精准的时间框架，该展览不仅旨在缅怀艺术家，更聚焦于其艺术生涯中的特定阶段。 “值此米莫·罗泰拉逝世二十周年之际，在纪念和颂扬大师的历程中，对基金会而言，再次重申其艺术探索的伟大与现实意义至关重要，”米莫·罗泰拉基金会主席尼古拉·卡纳尔强调道。 “本次展览在罗泰拉的出生地卡坦扎罗举办，且恰逢其诞辰之日，由基金会与市政府及其行政部门共同策划，为深入探讨罗泰拉的纪念性作品提供了尤为重要的契机。” 卡纳尔补充道，该项目旨在展现“其创作中鲜少有机会欣赏到的‘纪念性’一面”，并将此纳入纪念罗泰拉逝世二十周年的系列活动之中。

纵观汇集在圣乔瓦尼的这些作品，罗泰拉的纪念碑性显然比单纯的尺幅更为复杂。 这是对图像进行探索的结果——在过去几十年里，这种探索变得越来越具象：广告表面被撕下、重组、涂绘、覆盖、抹去，或被转化为一个巨大的物体。 大众传播的媒介虽失去了其原始功能，却始终承载着其来源世界的记忆。正是在这种“挪用”与“转化”之间的张力中，体现了罗泰拉艺术探索中最持久的特征之一。 艺术家以属于大众的图像（电影、广告、流行人物、新闻事件）为起点，将其以一种新的形式呈现出来，从而阻止人们以这些图像最初被创造时所预期的那种速度去消耗它们。

米莫·罗泰拉的巨作：卡坦扎罗展出25件从20世纪80年代至2005年的大型作品

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