El mercado de antigüedades de verano se celebra desde hace cinco años en Sarzana, donde , allá por 2023, el Ayuntamiento decidió desempolvar su Exposición Nacional de Antigüedades, que se celebra en la Fortaleza Firmafede, tras diez años de parón: el experimento había funcionado (en parte porque, en pleno agosto, Sarzana es una ciudad muy concurrida; en parte porque el horario, de las 18:00 a medianoche, anima mucho más a los compradores a participar; y en parte por la fórmula que combina a anticuarios veteranos, los recién llegados y también una base de comerciantes locales), por lo que se ha repetido siempre con cierto éxito. Este año, la exposición, comisariada, como es habitual, por Elisabetta Sacconi y organizada, como siempre, por la Asociación Sarzana Antiquaria junto con Confcommercio La Spezia y el Ayuntamiento de Sarzana, se celebra del 14 al 23 de agosto. La fórmula, también para esta XXXVIII edición de la Exposición Nacional de Antigüedades, sigue siendo la de una exposición-mercado basada en una gran variedad de épocas, escuelas y estilos representados por los expositores (que abarca desde el siglo XIV hasta bien entrado el siglo XX, desde la pintura y la escultura hasta el diseño, pasando por el mobiliario y las artes aplicadas).
Y no hay que olvidar que el propio entorno contribuye de manera sustancial al carácter de la muestra: la Fortaleza Firmafede, construida según los modelos de la cultura arquitectónica florentina del Renacimiento, ofrece un ambiente muy característico, con los puestos de los anticuarios y las obras distribuidas entre las antiguas celdas de los dos niveles del complejo y en la galería de la segunda planta, dedicada a Fiorella Carelli Carozzi, figura destacada de la tradición anticuaria de Sarzana. De ello se deriva, por tanto, un recorrido íntimo, compuesto por espacios de dimensiones reducidas y pasillos que permiten acercarse a las obras de una forma diferente a la de una gran feria: más relajada, más tranquila, más atenta.
El recorrido comienza en las pequeñas salas de la planta baja y se abre de inmediato con una de las piezas estrella de esta edición: la galería milanesa Sine Tempore, que figura entre los habituales de la Exposición Nacional de Antigüedades, se presenta con dos pinturas de Domenico Fiasella (Sarzana, 1589 – Génova, 1669), una de las figuras centrales de la pintura ligure del siglo XVII. Los dos lienzos, un par de cuadros a juego, «Abraham expulsa a Agar» y «Rebeca y Eleazar», ofrecidos por un total de 120 000 euros, pertenecen a la plena madurez del pintor y abordan episodios tomados de la tradición bíblica. Se trata de dos obras publicadas en 1974 por Piero Donati, la máxima autoridad en materia de Fiasella, y que en el pasado reciente formaron parte de una importante colección genovesa: la primera composición se identifica con la escena de Abraham expulsando a Agar e Ismael (aunque con motivo de la exposición sobre Fiasella celebrada en 2021 en el Museo Diocesano de Sarzana se propuso asociar el lienzo a un episodio diferente del Génesis: Raquel escondiendo los ídolos sustraídos a su padre Labán durante la huida junto a Jacob). Fiasella utiliza la luz para resaltar a los personajes y guiar la interpretación, alternando zonas iluminadas y partes sumidas en la sombra. Resulta especialmente minuciosa la representación del chal que envuelve a Raquel, elemento en el que el pintor concentra una parte importante de su investigación sobre los juegos de luz y las superficies de los tejidos. El segundo cuadro, en cambio, está dedicado al encuentro entre Rebeca y Eleazar: el siervo de Abraham, encargado de encontrar una esposa para Isaac, llega a un pozo y se encuentra con la joven, cuya disposición a ofrecer agua también a los camellos del hombre se interpreta como una señal de sus cualidades y del destino que le espera. También en este caso, Fiasella construye la escena en planos sucesivos, confiando la profundidad de la imagen a la disposición de los personajes. Las vestimentas, los tejidos y los detalles decorativos contribuyen a definir el escenario, prestando especial atención a los encajes que adornan el atuendo de Rebeca. Cabe destacar que, recientemente, el propio Donati ha señalado que, a diferencia del cuadro de Abraham y Agar, íntegramente autógrafo (obra que debe atribuirse a la producción tardía del maestro, cuando el ya anciano Fiasella se sentía fascinado por Andrea De Ferrari, un colega más joven), el cuadro con Rebeca y Eliezer podría haber sido realizado con la colaboración del taller (según el estudioso, en este caso la figura de Eliezer es íntegramente autógrafa, mientras que el resto del cuadro podría haber sido ejecutado por jóvenes colaboradores bajo la supervisión del maestro, y por aquel entonces pasaron por el taller de Fiasella figuras de gran relevancia, como Valerio Castello o Gregorio De Ferrari).
También en el stand de Sine Tempore se encuentra un bodegón atribuido al Maestro de los jarrones con motivos grotescos, pintor anónimo activo en Italia durante la primera mitad del siglo XVII, sobre todo entre Roma y el centro-sur de Italia. El tema, característico de su producción, gira en torno a un jarrón decorado con motivos de estilo antiguo y adornos grotescos, integrado en un arreglo floral. El precio de salida es de 22 000 euros.
La escultura está representada, entre otros, por la galería T. De Rizzoli Johnson de Lucca, donde se puede admirar la pieza más antigua de la exposición: un par de leoncitos de mármol de procedencia veneciana, datables entre los siglos XIV y XV (precio a convenir). Cerca de allí, en el stand de Ad Res (La Spezia), se rinde homenaje a la región con algunas obras de Giuseppe Caselli (Luzzara, 1893 – La Spezia, 1976), especialmente vinculado al paisaje de Liguria y al territorio de La Spezia. Entre los cuadros destaca una Marina en las Cinque Terre de los años treinta, una de las obras más interesantes de su producción, registrada en el archivo del artista y ya presentada con motivo de la exposición dedicada a la obra de Caselli organizada en 2022 en el Spazio Startè de La Spezia (negociación confidencial). También se presenta un «Nocturno en Portovenere», ya vendido, que en su día se expuso en la exposición monográfica dedicada a la relación entre Caselli y Portovenere, organizada en 2016 con motivo del cuadragésimo aniversario de la muerte del artista.
También en la planta baja, Tempi Antichi, de Ivan Rinaldi (Rímini), propone dos obras de especial interés por su calidad y dimensiones. La primera, probablemente la obra más cara de la feria, es un gran lienzo de Lionello Spada (Bolonia, 1576 – Parma, 1622), que representa a José y la esposa de Potifar, con un precio de venta de 130 000 euros. El tema está tomado del Génesis y narra el intento de la esposa de Potifar de seducir a José, quien reacciona tratando de zafarse de ella. La composición del lienzo está dominada por el contraste entre el fondo oscuro y la luz que incide sobre los protagonistas. José, de pie, intenta liberarse del agarre de la mujer; ella, sentada en la cama, lo sujeta por la muñeca. Los colores de las vestimentas, las joyas, el turbante y los detalles de la indumentaria marcan la diferencia de rango entre los personajes, mientras que el tratamiento de los tejidos y la representación anatómica contribuyen a la tensión de la escena. La pintura de Spada se ve influida por la escuela de Caravaggio, asimilada por el artista a lo largo de su trayectoria y reelaborada a través de una sensibilidad de origen emiliano (no en vano la tradición crítica ha comparado al pintor con Merisi). El lienzo expuesto en Sarzana encuentra, además, un punto de comparación en otra versión del mismo tema conservada en el Palais des Beaux-Arts de Lille: la presencia de variantes y réplicas de temas de éxito era, por otra parte, una práctica documentada en la pintura del siglo XVII y permite interpretar la obra también en el marco de la producción de los talleres de la época.
El mismo anticuario presenta un «Triunfo de Galatea» de Hans von Aachen (Colonia, 1552 – Praga, 1615), a la venta por 20 000 euros. El cuadro transporta al visitante a un ambiente completamente diferente: en el centro de la composición, la ninfa avanza sobre un carro marino rodeada de ninfas, sátiros, querubines y figuras dedicadas a danzas y actividades musicales. La composición, repleta de figuras pero construida según un preciso equilibrio decorativo, pertenece al repertorio mitológico y sensual vinculado a la cultura de las cortes europeas entre los siglos XVI y XVII. Además, el soporte de tabla de roble remite la obra a la tradición nórdica y alemana a la que pertenecía el pintor. Hans von Aachen fue, de hecho, una de las figuras destacadas de la denominada Escuela de Praga, vinculada a la corte de Rodolfo II: su pintura se caracteriza por figuras alargadas, movimientos refinados, colores preciosos y temas mitológicos.
Subimos a la primera planta, donde el stand está repartido entre Sofia Fine Art (Milán) y Odisseus Antiques ( Naeka, Suecia), y donde el público se encuentra con un curioso Baile del oso de Giacomo Cipper y una Acquaiola del español Francisco Díaz Carreño (Sevilla, 1836 – Madrid, 1903), fechada en 1862 y con un precio de 6.000 euros: la obra orienta el recorrido de la exposición hacia la pintura del siglo XIX, introduciendo un tema relacionado con la representación de la vida cotidiana (se encontrarán otros a lo largo del recorrido). También resulta interesante una «Virgen con el Niño» del círculo de Callisto Piazza (precio de salida: 8. 000 euros): el cuadro se inscribe en la tradición de la pintura lombarda del siglo XVI.
La parte final del recorrido comienza en la Galería Fiorella Carelli Carozzi, donde la selección de expositores pone de relieve también la continuidad entre la antigüedad histórica y el arte moderno. Por primera vez participa en la exposición uno de los pesos pesados del mercado del arte italiano, la florentina Tornabuoni Arte, que para su primera participación en esta nueva edición de la Exposición Nacional de Antigüedades opta por una fórmula esencial: una sola obra, un Bodegón de Renato Guttuso (Bagheria, 1911 – Roma, 1987) de 1968. La obra está firmada y autenticada por el Archivo Guttuso en 2014: como es habitual, Tornabuoni decide no publicar los precios de las obras, pero trabajaremos para que, tarde o temprano, la galería cambie de opinión. En el stand contiguo, la Casa de Subastas de San Marino (Dogana, San Marino) presenta, entre las diversas propuestas (pinturas en su mayoría de los siglos XVII y XVIII), una cómoda milanesa que data de alrededor de 1780, con un precio de 3.500 euros. Este mueble introduce una categoría diferente de coleccionismo, la de los muebles históricos, y confirma la variedad de productos de la feria, donde la pintura, como es sabido, no es el único ámbito de interés.
Continuando con el recorrido, Ars Antiqua (Milán) propone un conjunto de obras que abarca diferentes momentos de la historia de la pintura. Y, como dato destacable, es el único anticuario del evento que publica los precios de las obras en las descripciones. Entre ellas se encuentran dos «Enfrentamientos entre caballerías» atribuidos a Francesco Graziani, conocido como Ciccio Napoletano (activo en Nápoles y Roma, segunda mitad del siglo XVII), artista con una trayectoria crítica compleja, entre otras cosas por la presencia, en las fuentes, de varios pintores pertenecientes a la misma familia: los dos pequeños lienzos, publicados en el volumen dedicado a la pintura de batalla de los siglos XVII y XVIII, editado por Patrizia Conigli Valente, se ofrecen a 4.400 euros. Las composiciones pertenecen a esa corriente de la pintura de batalla en la que la acción, la rapidez del movimiento y la densidad de las figuras se convierten en elementos fundamentales. También en Ars Antiqua se puede ver un «Paisaje campestre con figuras» del llamado Maestro de la Academia Ligústica, que sale a subasta por 6 000 euros. La atribución se basa en los estudios de Camillo Manzitti, quien ha identificado un grupo aún reducido de pinturas que comparten características estilísticas y cromáticas. El cuadro presenta un espacio abierto, con un estanque, árboles, una torre en ruinas y una construcción rural al fondo. En primer plano, algunas figuras participan en una escena colectiva que parece aludir a una fiesta, mientras que otras presencias animan el paisaje. La identidad del Maestro de la Academia Ligústica sigue siendo desconocida, pero las comparaciones han permitido situarlo en el ámbito artístico genovés, influido por la presencia de la comunidad flamenca en la primera mitad del siglo XVII. Resultan especialmente significativas las relaciones estilísticas con Cornelis de Wael y con Jan Wildens, protagonistas de una red artística que unía Génova, Roma y los principales centros europeos. El taller de los hermanos de Wael fue uno de los puntos de referencia para los artistas flamencos que pasaban por la península; precisamente en este entorno se formaron o pasaron algunas de las figuras que contribuirían a la transformación de la pintura de paisajes. El cuadro expuesto en Sarzana presenta elementos atribuibles a ese contexto: la vivienda situada en el fondo, la presencia de figuras dedicadas a actividades cotidianas y la luminosa construcción del paisaje. Son características que permiten interpretar la obra no solo como un ejemplo de pintura de género, sino también como testimonio de las relaciones entre la cultura figurativa nórdica y la ligur.
La pintura paisajística reaparece con *La mareggiata* de Francesco Bosso (Vercelli, 1864 – Turín, 1933), fechada en 1925 y con un precio de salida de 3.800 euros, obra de la etapa madura del artista en la que la naturaleza se convierte en el principal elemento narrativo (la superficie marina, el acantilado y el cielo surcado por las nubes se tratan con una pincelada más libre que en los inicios decorativos del artista) y el paisaje adquiere una dimensión atmosférica más marcada; y con la *Marina* de Auguste Pernot (activo en el siglo XIX), de 1846, a la venta por 2.800 euros, un lienzo que se inscribe en la larga transformación del paisaje europeo entre los siglos XVIII y XIX, cuando la naturaleza deja progresivamente de ser solo el fondo de la escena y adquiere autonomía propia.
Quien desee adquirir obras de finales del siglo XIX a precios interesantes encontrará sin duda algo en el stand de Campopiano ( Treviso), que presenta una selección especialmente variada de la pintura italiana entre los macchiaioli y su entorno. Entre las obras destacan un «Personaje con atuendo medieval» de Raffaello Sorbi ( Florencia, 1844 – 1931), a la venta por 1.500 euros, y también un boceto (5.000 euros) de Cristiano Banti (Santa Croce sull’Arno, 1824 – Montemurlo, 1904), que fue uno de los primeros revolucionarios del «macchia», uno de los padres de la pintura macchiaiola, un pequeño pero encantador Paisaje de Telemaco Signorini (Florencia, 1835 – 1901), por el que se piden 6 000 euros, y un bello «Regreso al redil» de Alceste Campriani (Terni, 1848 – Lucca, 1933), a 7 000 euros. El conjunto de Campopiano incluye también una Vista de la plaza de San Marcos de Carlo Grubacs ( Venecia, 1802 – 1870), la pieza más importante del stand (30 000 euros). El nombre de este artista de origen húngaro está estrechamente vinculado a la tradición de la vista veneciana, un género en el que la precisión arquitectónica y la atención al detalle urbano —transformado, sin embargo, por fuertes efectos atmosféricos— se convierten en herramientas para recrear la imagen de la ciudad y de sus lugares más emblemáticos.
Cierra la selección Bonanomi Antiquariato (Moncalvo, Asti) con un conjunto que aúna pintura, artes decorativas y objetos de procedencia oriental. Para rendir homenaje a la región, podemos empezar por el ligur Giovanni Podestà (Génova, 1608 – hacia 1673), presente con un tema bastante frecuente en la pintura de los siglos XVII y XVIII: el putto que juega con un pajarito (lo vemos atado a una cordelita: en composiciones de este tipo alude a temas como la fragilidad de la juventud o la fugacidad de la vida), que sale a subasta por 3.500 euros, para luego dirigir la mirada hacia la cercana «Conversación sagrada», atribuible al círculo de Bernardino Licinio, que sale a subasta por 25.000 euros: un lienzo de grandes dimensiones en el que la Virgen, que sostiene al Niño Jesús desnudo con la mano derecha mientras recibe una corona de rosas de San Juanito, está acompañada por Santa Catalina de Alejandría, San Pedro y Santa María Magdalena, con un paisaje montañoso al fondo. También merece la pena ver la poutiche ( un gran jarrón ornamental con tapa) de porcelana Imari de gran calidad, fabricada en Japón a mediados del siglo XIX (precio de salida: 3.900 euros).
Algunas consideraciones finales, empezando por los aspectos positivos. En primer lugar, la dimensión económica, que ofrece una imagen bastante elocuente de los niveles de coleccionismo a los que se dirige la feria de Sarzana: junto a algunas obras de buen nivel y precios más elevados, aparecen en su mayoría obras asequibles con precios reducidos, capaces de permitir una entrada más gradual en el mercado de las antigüedades. La exposición de Sarzana se presenta, como siempre, como un entorno especialmente adecuado para el coleccionismo de nivel inicial, que encuentra en la Fortaleza Firmafede un espacio «protegido», por así decirlo, en el que acercarse con seguridad a este mundo fascinante, con la posibilidad además de llevarse a casa alguna adquisición muy satisfactoria a precios moderados. He aquí que esta combinación, que aúna una oferta para coleccionistas veteranos y de alto nivel con otra dirigida a un público potencialmente nuevo, es quizás uno de los elementos más característicos de la feria, que sin duda hay que reforzar y potenciar. En segundo lugar: la disposición de los stands, en comparación con ediciones anteriores, ha mejorado notablemente. Cada vez hay menos stands organizados como si fueran tiendas de baratijas, y cada vez son más los expositores que ofrecen al público una selección limpia y rigurosa, de modo que el visitante tiene la oportunidad de centrarse en las obras con la debida atención. En tercer lugar: la sede, por supuesto, que supone un valor añadido nada desdeñable. La arquitectura renacentista, las celdillas y los espacios de la galería final contribuyen a crear una feria que se recorre como si fuera una exposición, y en la que la distancia entre el observador y la obra suele ser reducida. Se trata de una modalidad expositiva coherente con una actividad que se basa en la relación directa con los objetos, en su procedencia, en la calidad de su conservación y en el trabajo de investigación que acompaña a cada atribución.
También hay aspectos mejorables. Por un lado, esta edición, en comparación con las anteriores, ha perdido un poco de su alcance nacional y ha visto aumentar la participación de los anticuarios locales, aunque la oferta no siempre ha podido suplir adecuadamente las ausencias de los comerciantes de otras regiones. Además, no fue posible localizar a algunos de los anticuarios locales en el momento en que visitamos la exposición para elaborar este reportaje ( entre las 19:00 y las 20:30 de ayer, es decir, en pleno horario de apertura que, recordemos, va de las 18:00 a las 24:00: así que, tal vez sería conveniente que los stands se equiparan para garantizar una presencia continua). Otro aspecto cuestionable: son pocos los anticuarios que exponen descripciones de los objetos. No nos referimos a quienes deciden exponer los precios (el único, como se ha dicho, es Ars Antiqua), sino precisamente a los anticuarios que, en el cuarto día de la exposición, aún no habían identificado sus obras con una indicación, por mínima que fuera, aunque solo fuera el tema de un cuadro. Cierto: la ausencia de cualquier descripción favorece el encuentro entre el comerciante y el comprador, que se ve obligado a preguntar si desea información, pero, por otro lado, puede ahuyentar al cliente potencial más reticente o confundir al recién llegado o a quien simplemente considera que una feria deantigüedades no sea solo un comercio de obras de arte, sino también un hecho cultural, y que, por lo tanto, más allá de la dimensión de la compraventa (que es y debe seguir siendo, naturalmente, la dimensión principal), exista también una dimensión de conocimiento que debería ser, si no fomentada, al menos apoyada y promovida. Esta es, por lo demás, la dirección hacia la que se mueven las grandes ferias internacionales, la dirección que muchos anticuarios están tomando, ya que tener una idea completa de lo que los comerciantes venden en una feria resulta interesante para comprender el mercado, la percepción de la obra y el funcionamiento del coleccionismo: se trata, sencillamente, de una cultura más contemporánea de la información sobre el mercado, cada vez más orientada hacia un contexto de conocimiento, transparencia y accesibilidad.
Por último, una observación sobre las exposiciones paralelas: desde hace al menos un par de ediciones, la Mostra Nacional de Antigüedades va acompañada, de hecho, de una exposición de arte contemporáneo en los sótanos de la Fortaleza Firmafede. No hemos tenido tiempo de visitar la exposición de este año, por lo que no es posible, ni sería correcto, emitir una valoración sobre la propuesta actual. No obstante, sí es posible recordar la impresión que dejó la edición del año pasado, cuando el recorrido contemporáneo resultó decididamente menos convincente y menos equilibrado que el núcleo dedicado a las antigüedades, tanto por la calidad de la propuesta como por la coherencia del recorrido, sobre todo si se compara con la mayor solidez de la exposición comercial. Se trata, naturalmente, de una consideración referida a la edición pasada, y que en modo alguno puede trasladarse automáticamente a la exposición actual. Sin embargo, queda un aspecto fundamental: la apertura a lo contemporáneo puede representar sin duda una oportunidad para ampliar el público y tejer un pas de deux entre sensibilidades artísticas diferentes y distantes en el tiempo, pero para que el contraste resulte eficaz es necesario que lo contemporáneo esté a la altura de lo antiguo. Será, pues, sobre todo la evolución de la propuesta a lo largo del tiempo la que nos dirá si la exposición paralela logrará encontrar una identidad más definida junto a la exposición de antigüedades o si, por el contrario, será posible prescindir de ella.
El autor de este artículo: Federico Giannini e Ilaria Baratta
Federico Giannini. Giornalista, co-fondatore di Finestre sull'Arte, direttore responsabile della testata. Nato a Massa nel 1986, si è laureato nel 2010 in Informatica Umanistica all’Università di Pisa. Nel 2025 ha scritto il libro Vero, Falso, Fake. Credenze, errori e falsità nel mondo dell'arte (Giunti editore). Per la tv è stato autore del documentario Le mani dell’arte (Rai 5) ed è stato tra i presentatori del programma Dorian – L’arte non invecchia (Rai 5).
Ilaria Baratta. Giornalista, co-fondatrice di Finestre sull'Arte, caporedattrice della testata. È nata a Carrara nel 1987 e si è laureata a Pisa in Lingue e Letterature Straniere.
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