Yayoi Kusama s’est éteinte à l’âge de 97 ans : l’artiste japonaise, célèbre dans le monde entier pour ses pois, ses citrouilles et ses installations de miroirs qui multiplient l’espace à l’infini, s’est éteinte le 14 août 2026 dans un hôpital de Tokyo. La nouvelle a été rendue publique aujourd’hui, 27 août, par le Musée Yayoi Kusama et la Fondation Yayoi Kusama. « C’est avec une profonde tristesse que nous annonçons le décès de Yayoi Kusama dans un hôpital de Tokyo le 14 août 2026, à l’âge de 97 ans », a déclaré la fondation. « Au cours d’une vie entièrement consacrée à la création, Yayoi Kusama a mené une carrière internationale d’artiste d’avant-garde, s’exprimant non seulement dans les arts visuels, mais aussi dans la performance, la fiction et la poésie. Elle a continué à peindre jusqu’à ses derniers jours, sans jamais abandonner son pinceau, convaincue que l’amour pouvait sauver le monde ». La fondation a déclaré vouloir poursuivre dans la lignée de sa volonté, en utilisant l’art pour apporter espoir et force aux personnes du monde entier.
Kusama est née en 1929 à Matsumoto, dans la préfecture de Nagano, cadette d’une fratrie de quatre enfants de Kamun et Shigeru Kusama. La famille possédait une exploitation agricole florissante dans la région, spécialisée dans la production et la vente en gros de légumes, de graines et de plantes. L’artiste a commencé à dessiner et à peindre dès l’âge de dix ans et, dès son enfance, elle a développé cette prédilection pour les points et la répétition qui allait devenir l’une des caractéristiques les plus reconnaissables de son œuvre. Ses expériences d’enfance ont joué un rôle important dans la formation de son langage artistique (voici un approfondissement sur sa poétique). Kusama a raconté que, lorsqu’elle était enfant, sa mère s’approchait par derrière et lui arrachait ses dessins des mains. La peur et le sentiment de panique liés à ces interruptions, ainsi que la nécessité de terminer rapidement ce qu’elle était en train de dessiner avant qu’on ne le lui enlève, ont influencé sa manière de travailler, la poussant vers une pratique créative rapide, intense et presque obsessionnelle. Elle finit par obtenir l’autorisation de fréquenter une école d’art, mais à condition de suivre également des cours de bonnes manières. Kusama accepta formellement ce compromis, mais ne se rendit jamais à ces cours, se consacrant au contraire assidûment à l’étude de la peinture nihonga, caractérisée par une grande rigueur formelle. Ce choix a lui aussi contribué à alimenter les tensions avec sa mère.
Georgia O’Keeffe compta parmi les influences décisives de ses années de formation. Kusama vit certaines œuvres de l’artiste américaine et décida de lui écrire personnellement. Les deux femmes entamèrent une correspondance et les encouragements d’O’Keeffe contribuèrent à la décision de Kusama de s’installer aux États-Unis.
En 1957, à 27 ans, l’artiste quitta le Japon pour New York, où elle dut faire face à une scène artistique dominée par les hommes et où elle dut également composer avec sa condition de femme et d’artiste japonaise. Ses premières années à New York furent difficiles. Kusama raconta qu’elle avait été très pauvre et qu’elle avait peint tous les jours, trouvant dans la peinture une forme d’épanouissement et le seul but de son existence. Son œuvre commença à se faire remarquer et l’occasion lui fut donnée d’exposer à la galerie Brata, qui avait déjà servi de tremplin à des artistes tels que Franz Kline. La critique a commencé à reconnaître la spécificité de ses œuvres, éloignées des modèles de l’expressionnisme abstrait alors dominant. C’est à New York que sont nées certaines des séries qui allaient définir sa carrière. En 1958, elle réalisa *Pacific Ocean*, œuvre qu’elle considérait elle-même comme étant à l’origine de la série *Infinity Net*. L’année suivante, elle produisit les premières grandes toiles de la série, des toiles pouvant atteindre près de dix mètres de long et sur lesquelles un maillage très dense de signes répétés construisait une surface apparemment sans fin.
La répétition, le point et la multiplication d’un même élément allaient devenir des outils pour représenter l’infini et , par la même occasion, pour remettre en question les limites de l’individu. Les expériences perceptives vécues dès l’enfance, notamment les hallucinations de lumières, de points et de fleurs, ont directement influencé sa pratique. Elle se souvenait notamment d’un épisode lié à un champ de fleurs de la ferme familiale : l’expérience d’être entourée de fleurs et de se sentir presque anéantie par leur présence allait rester un élément fondamental de son œuvre. Kusama a cherché à transposer dans ses œuvres ce sentiment de perte dans l’environnement physique, de dissolution de la personnalité au sein d’un espace en expansion constante. Les hallucinations n’ ont donc pas été simplement représentées, mais transformées en une méthode permettant de construire des images et des environnements capables d’impliquer le spectateur.
Dans les années 1960, son œuvre s’est diversifiée dans de nombreuses directions. Kusama a réalisé des peintures, des dessins, des sculptures, des installations, des happenings, des performances, des créations de mode et des films, remettant ainsi en question les frontières traditionnelles de l’œuvre d’art. En 1964, elle présenta à la galerie de Gertrude Stein « One Thousand Boat Show », une installation dans laquelle l’artiste utilisait d’innombrables formes phalliques pour remettre en question la culture patriarcale. À partir de 1966, elle a également réalisé de nombreuses performances provocantes, souvent caractériséespar l’utilisation de pois sur les corps des participants ou par leur implication physique au sein des œuvres. Kusama a également pris part aux actions contre la guerre et aux contestations politiques qui agitaient la scène artistique new-yorkaise des années 1960.
C’est en 1966 qu’a eu lieu l’un de ses épisodes les plus célèbres à la Biennale de Venise. Se présentant sans invitation, Kusama a disposé dans les canaux de la ville 1 500 sphères flottantes dans le cadre de *Narcissus Garden*, une œuvre qui allait devenir l’une des images emblématiques de son œuvre. Cette performance a également marqué sa capacité à intervenir directement dans l’espace public, en établissant un lien entre l’art, le spectacle, le commerce et la critique des conventions du système artistique.
En 1969, Kusama fonda par ailleurs Kusama Enterprises, une entreprise commerciale par laquelle elle vendait des vêtements, des sacs à main et même des voitures. Ces objets se caractérisaient eux aussi par son esthétique unique, faite de pois, de motifs très denses et de répétitions utilisées pour suggérer une impression d’infini. En 1973, elle retourna au Japon, où elle commença également à se consacrer à l’écriture de poèmes et de romans surréalistes. Au cours des années suivantes, elle continua à travailler dans les domaines de la peinture, de la sculpture, des installations et des performances, maintenant une production constante malgré ses difficultés personnelles. À partir de 1977, elle vécut de son plein gré dans un hôpital psychiatrique de Tokyo, tout en continuant à se rendre dans son atelier pour travailler. Son activité artistique ne s’interrompit pas et resta, au contraire, au cœur de son existence.
En 1993, Kusama a représenté le Japon à la Biennale de Venise avec une installation composée de miroirs et de citrouilles, deux éléments destinés à occuper une place centrale dans son univers imaginaire. Les citrouilles, en particulier, ont pris au fil du temps un rôle quasi autobiographique, devenant une sorte d’alter ego de l’artiste. Depuis lors, Kusama a réalisé de nombreuses œuvres sur commande, notamment de grandes sculptures de fleurs et de plantes colorées, tandis que ses œuvres ont intégré les collections et les parcours d’exposition des principaux musées internationaux.
Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent les « Infinity Mirror Rooms », des espaces dans lesquels les surfaces miroitantes multiplient le corps et les éléments présents dans l’espace jusqu’à produire une perception d’infini. Le passage de la surface bidimensionnelle des toiles à l’espace immersif permet au spectateur d’entrer physiquement dans le dispositif artistique, transformant ainsi la répétition en expérience. Une autre installation marquante est « Gleaming Lights of the Souls », une pièce entièrement recouverte de miroirs d’où descendent, depuis le plafond, des dizaines de lumières LED clignotantes, créant ainsi un environnement dans lequel les limites de l’espace semblent s’estomper.
Le langage de Kusama s’appuie sur l’art conceptuel et présente des éléments renvoyant au féminisme, au minimalisme, au surréalisme, à l’art brut, au pop art et à l’expressionnisme abstrait. C’est surtout la technique de la répétition, incarnée par les pois et les mailles infinies, qui fait le lien entre des expériences aussi diverses. Dans ses sculptures et ses installations, l’infini n’est pas seulement représenté, mais construit à travers la multiplication des formes, des lumières, des surfaces et des reflets.
La notoriété de Kusama s’est encore accrue, même en dehors du circuit strictement artistique. En 1994, elle a collaboré avec Peter Gabriel pour le clip de « Lovetown », dans lequel son univers visuel fait de pois, de réseaux, de nourriture et de références sexuelles s’invitait dans l’univers musical de l’ancien membre de Genesis. Une autre occasion importante de visibilité internationale s’est présentée en 2012, lorsque Marc Jacobs, alors directeur artistique de Louis Vuitton, a associé Kusama à l’une des plus célèbres collaborations entre une artiste contemporaine et une grande maison de mode. Ce projet a permis d’appliquer ses motifs à pois, grands et colorés, ainsi que les nervures caractéristiques de ses œuvres, sur des sacs, des articles de petite maroquinerie, des bracelets, des chaussures, des serviettes de plage, des paréos et des foulards. Pour les sacs, on a également utilisé le cuir Monogram Vernis Dots Infinity à la place de la toile Monogram traditionnelle.
La relation entre la pratique artistique et la vie quotidienne est toutefois restée au cœur de son œuvre. Kusama peignait presque quotidiennement dans son atelier de Shinjuku, conservant un rythme de travail qui ne s’est pas relâché, même au cours de ses dernières années. Sa production a continué à englober la peinture, la sculpture, les installations et les œuvres environnementales, tandis que les Infinity Mirror Rooms gagnaient en popularité auprès du public international.
Ses œuvres sont aujourd’hui exposées dans les plus grands musées internationaux, du Museum of Modern Art de New York au Walker Art Center de Minneapolis, en passant par la Tate Modern de Londres et le Musée national d’art moderne de Tokyo. En 2017, le Musée Yayoi Kusama, dédié à son œuvre et situé dans le quartier de Shinjuku, a par ailleurs ouvert ses portes à Tokyo.
La renommée de Kusama a depuis longtemps dépassé les frontières du monde de l’art contemporain. Ses installations immersives, ses pois et ses citrouilles sont devenus des images immédiatement reconnaissables même pour le grand public, tandis que son œuvre a connu un immense succès international et commercial. Son influence s’est étendue à des générations d’artistes et à la culture visuelle contemporaine, avec une présence de plus en plus forte dans les musées, les espaces publics et la mode. Kusama a ainsi transformé des expériences profondément personnelles en un langage capable de s’adresser à un public mondial. Le point, répété jusqu’à perdre son individualité ; la citrouille, transformée en forme monumentale ; le miroir, capable de multiplier le corps ; le filet, qui s’étend au-delà des limites de la toile, sont devenus des outils à travers lesquels l’artiste a abordé l’infini, la dissolution du moi et la relation entre l’individu et son environnement. Avec la disparition de Yayoi Kusama, à l’âge de 97 ans, s’achève l’une des expériences les plus radicales, reconnaissables et durables de l’art d’avant-garde de la seconde moitié du XXe siècle et du XXIe siècle.
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| Adieu à Yayoi Kusama, la reine des miroirs et des pois nous quitte |
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