罗兰多-泰萨德里 1968 年出生于 Mezzolombardo（特伦托）。他是一位分析型画家，以 “纹理 ”著称，其主要元素是通过拓印技术获得的正交网格。在从事艺术和展览活动的同时，他还涉足彩色玻璃技术：2014 年，他设计并监督了黑山新安蒂巴里大教堂的整个彩色玻璃装饰。2023 年，他在特伦托纪念性公墓火葬场装饰艺术作品竞赛中获胜。他曾在 Ars Now Seragiotto 画廊与 Igino Legnaghi 共同展出，并在里窝那的 Giraldi 画廊与 Bruno Querci 共同展出。2017 年，他参加了费拉林画廊（Galleria Ferrarin）在莱格纳戈举办的巡回展览 Pittura analitica: origine e continuità。2018 年，他在特伦托的 Mart-Galleria Civica 举办的展览 “Ex Post ”中展出。他还在蒙扎的卡尔迪罗拉画廊（Galleria Caldirola）、曼图亚的迪塞戈画廊（Galleria Disegno）、塞雷格诺的阿特西尔瓦画廊（Galleria Artesilva）、特伦托的保罗-玛丽亚-迪内西画廊（Paolo Maria Deanesi Gallery）和巴迪亚皮诺的 55ArtPrivè画廊举办过展览。在与 Gabriele Landi 的对话中，他向我们讲述了他的艺术。
GL.对许多艺术家来说，童年是他们培养幻想的黄金时期，多年后，这些幻想又以某种形式出现在他们的作品中。您也是这样吗？
RT.我和许多人一样是个孩子，有自己的幻想、梦想和情感。除了情感层面，我的作品中很少渗透这些东西。不过，我童年的许多记忆确实与绘画有关。例如，从我上幼儿园开始，美术室桌子上蜡笔的味道就一直伴随着我。我喜欢画画，从小就乐于通过图像语言来表达我的故事。
您都学过什么？
我在特伦托艺术学院学习，然后进入乌迪内大学学习。在这里，我毕业于电影史专业，毕业论文是关于朱利奥-卡罗-阿甘的，他的思想让我更接近抽象世界。在大学学习的同时，我继续深化我在艺术领域的研究，与特伦蒂诺地区的抽象派艺术家建立了联系（特别是毛罗-卡佩莱蒂（Mauro Cappelletti），后来又与迭戈-马佐内利（Diego Mazzonelli）和詹尼-佩莱格里尼（Gianni Pellegrini）建立了联系），然后将目光转向南方，在那里我与伊吉诺-莱格纳吉（Igino Legnaghi）建立了重要的关系，我与他至今仍保持着深厚的友谊，我将他视为意大利舞台上最聪明的艺术家之一。
您所追求的体验似乎与分析绘画非常接近。您是否对这种体验感兴趣，是否接触过从事这种体验的艺术家？
是的，正如我所说，我与一些在 20 世纪 70 年代从事分析绘画领域工作的艺术家（以及一些批评家，如乔治-博诺米和克劳迪奥-塞里泰利，他们一直支持他们）有过重要的接触。然而，由于年龄的原因，我认识他们的时间较晚，当时他们已经走上了一条往往偏离最初前提的道路，这使我以某种超脱的态度观察这一现象。与其说我是一个分析型画家，不如说我是一个培养分析态度的艺术家。我的参照系是极简主义（尤其是艾格尼丝-马丁和罗伯特-雷曼），并将我对 20 世纪欧洲绘画的巨大热情融入其中。
您是如何选择绘画用色的？
随着时间的推移，我意识到我一直在使用一系列颜色（从赭石色到深蓝色），这些颜色是我在创作中自发产生的。这些并不是即兴的选择；在树林里散步不足以让我画出绿色。这些选择涉及复杂的心理，我无法给出确切的理由。可以说，色彩是一扇通往无意识的大门。分析的态度会在稍后阶段表现出来。然后，色彩变成了重量和尺度，它有了自己的名字，并与世界交流。
在多年前的一次访谈中，您告诉我在选择颜色时有些肤浅，您希望它们沉闷。您能详细解释一下吗？
这是我处理色彩的一种方式，我倾向于将色彩淡化到可感知的极限。白色缓和了对比，在这种情况下，白色具有拉开色彩距离的作用，突出了色彩的非自然性和肤浅性。
当您作画时，您是按照饱和度来进行创作的吗？
我经常使用灰色，通过将色彩与它们的互补色混合，达到去饱和的效果。我感兴趣的是，色彩要有躯体，要像可塑材料一样呈现出来。另一方面，纯粹的色彩很少出现在我的作品中：但从来不是表现主义的功能，而是作为流行文化的回忆，此外，我年轻时的训练也与流行文化有关。
您的画作有一个特点，那就是由非常细的线条组成的网络，这是一种 纹理。它有什么功能？
您所说的网格实际上是刮刀在画布彩色表面上刮出的印记。我感兴趣的不仅是表面的网格状组织，而且是通过间接方式实现的。没有任何绘画，一切都通过减法来实现。我认为你可以将这种网格定义为间接痕迹。这种方法也是我纸上作品的特点，其中没有纹理：在这里，我也不是将画笔放在表面，而是创造条件，让颜色显现出来，作为其出现之前一系列操作的结果，（之前和之后）我只能通过假设来重建。
您的画作由几块画布拼接而成，通常采用横向模式。当你开始创作一幅画时，你是否已经清楚地知道它将如何发展，由多少元素组成，你将使用哪种颜色......或者你是否为作品本身的发展留有余地？
我通常一开始就有一个相当清晰的计划，但随着时间的推移，我会在材料结果的具体性中进行验证，并经常对其进行修改或变形。有时，我会精心设计一个结构，在一系列连续的绘画中基本不作改动地重复使用，仅限于颜色或表面特征的变化。有时，我会制作一些模块（根据尺寸、格式、颜色、质地等选择标准构建），然后将它们放在地板上进行组装，并将其翻转，直到获得令我信服的组织结构。我通常用四块板来构建作品，将它们按水平顺序或矩形结构拼接在一起。四，因为这个数字能满足我对完整性的追求。
时间的概念对您来说有多重要，既关系到作品的展开，也关系到观者对您画作的欣赏？
我与时间的关系很复杂。许多朋友的工作是有周期的，一旦他们完成了一项研究，他们就会翻开新的篇章，其结果甚至可能与之前的结果相矛盾。而对我来说，倒退是很自然的事情，也许会重新组合或发展我很久以前设计的解决方案。这是一种持续的来来去去，几乎就像我的工作没有线性一样。正如我的朋友费德里科-马佐内利（Federico Mazzonelli）所说，就好像我多年来一直在画同一块画布。我想，阅读我作品的人也能感受到这种表面上的静止不动。阅读我的作品并不费时，因为它特别复杂，而是因为它让人与时间倒流的维度产生联系。
您对空间的理解是什么？
我通常使用正交网格来构建画作，确保画作各部分的大小和相互关系符合既定的空间逻辑。这是一种具有某种直接感知的结构。另一方面，网格则要求更慢、更主观的阅读时间。在这里，一切都取决于眼睛相对于作品的位置、光线的入射角度、强度、远近、正交或斜交位置等，也就是说，一切都取决于观察者的视线与画作表面相遇的物理空间。
您对绘画的自我表现理念感兴趣吗？
我认为所有当代绘画都将自己作为被表现的主体。我还认为，这一原则不仅适用于抽象领域的研究，也适用于具象领域的研究，但前提是不要幻想能够恢复传统自然主义的表现模式而不受到损害。
绘画对您来说是一种精神修行吗？
我认为是的。尽管我对宗教崇拜没有很大的兴趣，但我在画室工作的方式具有很强的仪式感，我可以说几乎是礼仪性的，其目的是为了获得一种幸福感，我相信这种幸福感可以被定义为精神上的。我还相信，这种幸福感，这种内心平衡的状态，可以通过对可见形式的沉思来实现，而且每个人都可以享受这种幸福感。
当您创作展览时，您对舞台的概念感兴趣吗？
比起舞台（指类似剧院的空间组织），我更感兴趣的是将我的作品与举办地联系起来。我可以说，我是从装置的角度来思考的：我评估展览空间，然后制作画作并决定它们的位置。因此，对我来说，非常重要的一点是，展览的介入是有计划的，而且我有机会在不太紧张的时间框架内成熟解决方案。从理论上讲，展览的结果也可以具有舞台化的特点。这完全取决于我工作的空间是什么样的。
轻盈对您来说意味着什么？
对我来说，“轻盈 ”是指一种 质感有时在近距离观察时在表面上清晰可见，而在远距离观察时则消失不见，只剩下纯粹的发光振动。
您认为什么是美？
我不会问自己 “美 ”这个问题，我甚至不知道如何定义 “美”。在我的绘画中，以及在一般艺术中，我寻找的是其他的东西。例如，马蒂斯或毕加索（更不用说博伊斯）的一些作品，我们很难称之为美，也许它们甚至都不优雅。然而，它们却具有非凡的传播能力和美学品质，能够永远改变我们对世界的看法。以前的历史时代也是如此。在艺术史为我们提供的无穷无尽的图像档案中，我们每天在工作室里（即使只是凭借记忆）都会查阅这些图像，我们不是在寻找美，而是在寻找能够帮助我们理解我们的作品正在朝哪个方向发展以及它是如何与当代世界联系在一起的东西。
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