India vuelve a la Bienal de Venecia con una exposición sobre la memoria y la idea de hogar

Tras siete años de ausencia,la India regresa a la Bienal de Arte de Vene cia con un proyecto centrado en la memoria, la pertenencia, la diáspora y la transformación. El Pabellón de la India en la 61ª Exposición Internacional de Arte de la Bienal de Venecia presenta Geografías de la distancia: recordando el hogar, una exposición comisariada por Amin Jaffer y alojada en los espacios Isolotto del Arsenale. La muestra, promovida por el Ministerio de Cultura del Gobierno indio en colaboración con el Centro Cultural Nita Mukesh Ambani y Serendipity Arts, reúne a cinco importantes artistas contemporáneos de distintas regiones del país: Bala (Alwar Balasubramaniam; 1971), Ranjani Shettar (1977), Sumakshi Singh (1980), Skarma Sonam Tashi (1997) y Asim Waqif (1978). A través de nuevas obras monumentales y un articulado programa de performances repartidas por toda Venecia, el proyecto aborda el significado de la palabra "hogar " en un mundo marcado por el cambio acelerado, la movilidad continua y las profundas transformaciones sociales y económicas.

Todo el Pabellón se desarrolla como una meditación sobre la memoria y el cambio en diálogo con el tema general de la Bienal 2026, En claves menores. La idea subyacente es que, para quienes experimentan la distancia geográfica, la migración o la transformación, el hogar deja de ser sólo un lugar físico estable y se convierte en una condición portátil hecha de recuerdos, materiales, rituales y mitologías personales. El proyecto parte de la constatación de que la India contemporánea atraviesa una fase de rápida transformación. El crecimiento económico y tecnológico, la expansión urbana, la renovación de los barrios y la intensificación de las migraciones internas e internacionales están redefiniendo la relación de los individuos con sus lugares de origen. Ciudades en expansión vertical y horizontal, pueblos engullidos por el desarrollo urbano, nuevas formas de trabajo y desplazamientos constantes están cambiando no sólo el paisaje físico, sino también el propio sentido de pertenencia. En este contexto, el Pabellón de la India propone una reflexión sobre lo que significa hoy “sentirse en casa” cuando los lugares de la infancia están lejos, se han transformado o incluso han desaparecido. Las obras de los artistas participantes abordan esta cuestión a través de materiales profundamente arraigados en la tradición cultural india: tierra, hilo, fibras naturales, bambú y papel maché se convierten en herramientas para narrar la fragilidad de la memoria y la necesidad de reconstruir continuamente el sentimiento de pertenencia.

Según el comisario Amin Jaffer, el concepto de hogar ya no coincide con un espacio físico inmutable, sino con una idea que se reconstruye continuamente a través de la memoria, el trabajo manual y la conservación de prácticas culturales. La exposición parte también de una reflexión personal del propio comisario, nacido en Ruanda en el seno de una familia india que emigró en el siglo XIX. Jaffer relata cómo la relación con la India se construyó a través de historias familiares, imágenes mentales y rituales transmitidos a lo largo del tiempo, más que a través de una presencia física constante.

La exposición también hace hincapié en el papel histórico de la diáspora india. De hecho, el desplazamiento de personas del subcontinente a otras regiones del mundo no es un fenómeno reciente. Los primeros indicios de comunidades indias en el extranjero se remontan al tercer milenio antes de Cristo, con presencias documentadas en ciudades mesopotámicas. A lo largo de los siglos, las redes comerciales, las migraciones y los intercambios culturales han llevado a las comunidades indias a África, Oriente Próximo, el Sudeste Asiático, Europa y América, manteniendo vivo el vínculo con el país de origen a través de la memoria, la fe, las prácticas culturales y las relaciones familiares. Hoy en día, los indios habitan simultáneamente en múltiples “hogares”: físicos, espirituales, recordados o imaginados. En esta dimensión múltiple se inscribe Geografías de la distancia: recordar el hogar, que transforma el Pabellón en un espacio de reflexión colectiva sobre la evolución del concepto de pertenencia.

Dentro del Pabellón, el hogar aparece fragmentado, suspendido, vulnerable o incompleto. Nunca se presenta como un objeto definitivo, sino como un proceso continuo de construcción, reparación y reinvención. Una condición que pretende reflejar la precariedad del presente y la necesidad de preservar activamente la memoria y la identidad. Las obras de los cinco artistas desarrollan esta reflexión a través de diferentes lenguajes y materiales. Alwar Balasubramaniam trabaja directamente con la tierra del Tamil Nadu rural, la región donde vive y trabaja el artista. Para Venecia, presenta dos grandes paneles escultóricos realizados con tierra local marcada por grietas y fracturas naturales producidas por el secado y la acción del tiempo. Las superficies se convierten en pruebas materiales de erosión, transformación y resistencia.

Si Bala parte del suelo bajo sus pies, Sumakshi Singh trabaja en cambio sobre laausencia. La artista reconstruye una casa familiar demolida a tamaño natural en Nueva Delhi utilizando hilos y bordados. En lugar de paredes sólidas, aparecen líneas de luz, estructuras suspendidas que evocan una presencia fantasmal. La casa sólo existe en la memoria y en el gesto de la reconstrucción. El bordado, profundamente arraigado en las tradiciones domésticas y artesanales indias, adquiere aquí también un valor afectivo y generacional. De hecho, Singh vincula su obra a las mujeres de su familia, que bordaban juntas como una práctica compartida de relación y transmisión. En una sociedad en la que la remodelación urbana borra continuamente espacios y barrios, la obra se convierte en un gesto de resistencia contra la desaparición de lugares.

Ranjani Shettar también aborda el tema de la memoria a través del trabajo manual y la relación con la naturaleza. Sus instalaciones suspendidas, inspiradas en flores y procesos de crecimiento orgánico, parecen desafiar la gravedad e invitan al público a moverse dentro de un espacio similar a un jardín conceptual. Las flores y los jardines ocupan un lugar central en la cultura doméstica y espiritual india, vinculada tanto a la devoción religiosa como a los rituales cotidianos y las celebraciones familiares. Shettar traduce estas referencias en una escultura lenta y paciente, construida mediante procesos manuales que se oponen a la velocidad de la producción industrial contemporánea. En sus obras, el hogar se convierte en un ritmo de cuidado, repetición y atención, casi como la elaborada preparación de una comida tradicional.

La obra de Skarma Sonam Tashi, por su parte, llama la atención sobre la arquitectura tradicional de Ladakh y las amenazas que plantean las nuevas tecnologías de la construcción. Utilizando papel maché, un material frágil y ligero, la artista crea formas que evocan las viviendas del Himalaya construidas históricamente en estrecha relación con el entorno y el clima. La arquitectura tradicional de Ladakh, basada en la tierra sin cocer, los muros gruesos y las estructuras compactas, está desapareciendo gradualmente bajo la presión de los nuevos modelos de construcción y los materiales industriales. Las obras de Tashi parecen delicadas y temporales, pero llevan el peso de la memoria cultural y plantean cuestiones urgentes sobre la sostenibilidad y la continuidad de las comunidades locales.

En cambio, Asim Waqif introduce una dimensión más explícitamente urbana al crear una gran instalación de bambú inspirada en los andamios de las obras de construcción de las ciudades indias contemporáneas. Se trata de estructuras flexibles, temporales y en continua reconfiguración que sirven de soporte a edificios en construcción, al tiempo que permanecen casi invisibles en los relatos arquitectónicos oficiales. El bambú, un material utilizado históricamente en la India para viviendas, instrumentos musicales, utensilios y objetos rituales, se convierte en metáfora de adaptabilidad y transformación. La instalación de Waqif sugiere una ciudad en perpetua construcción, donde el cambio parece inevitable y continuo. Junto a las obras más frágiles del Pabellón, sus estructuras casi asumen el papel de una fuerza invasora que acompaña y al mismo tiempo amenaza el pasado colectivo.

El proyecto expositivo va acompañado de un amplio programa de actuaciones producido por Serendipity Arts y que se desarrollará entre mayo y noviembre de 2026. Música, cuentacuentos, movimiento e intervenciones interdisciplinares activarán no sólo el Pabellón, sino toda la ciudad de Venecia, a través de eventos site-specific inspirados en el tema “En claves menores” y en las tradiciones culturales indias.

Durante la semana inaugural, el programa incluye una serie de actuaciones dirigidas por el compositor y percusionista Bickram Ghosh, figura destacada de la música clásica india contemporánea. Los actos se celebran en distintos lugares de la ciudad e incluso en el agua, empezando por el Mercado de Rialto. El calendario incluye “Corrientes de retorno” el 6 de mayo, actos en la Golden Tree Foundation el 7 de mayo, “Sangam: un tapiz de voces” en el Palazzo Diedo el 8 de mayo y “Home and Beyond” el 9 de mayo, de nuevo en el Mercado de Rialto.

India vuelve a la Bienal de Venecia con una exposición sobre la memoria y la idea de hogar

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