Indien kehrt zur Biennale von Venedig mit einer Ausstellung über Erinnerung und Heimat zurück

Nach sieben Jahren Abwesenheit kehrtIndien mit einem Projekt zur Kunstbiennale von Venedig zurück, das sich mit Erinnerung, Zugehörigkeit, Diaspora und Transformation befasst. Der indische Pavillon auf der 61. Internationalen Kunstausstellung der Biennale von Venedig präsentiert Geographies of Distance: remembering home, eine von Amin Jaffer kuratierte Ausstellung in den Isolotto-Räumen des Arsenale. Die vom Kulturministerium der indischen Regierung in Zusammenarbeit mit dem Nita Mukesh Ambani Cultural Centre und Serendipity Arts geförderte Ausstellung bringt fünf bedeutende zeitgenössische Künstler aus verschiedenen Regionen des Landes zusammen: Bala (Alwar Balasubramaniam; 1971), Ranjani Shettar (1977), Sumakshi Singh (1980), Skarma Sonam Tashi (1997) und Asim Waqif (1978). Durch neue monumentale Werke und ein artikuliertes, über ganz Venedig verteiltes Performance-Programm thematisiert das Projekt die Bedeutung des Wortes “Heimat” in einer Welt, die von beschleunigtem Wandel, ständiger Mobilität und tiefgreifenden sozialen und wirtschaftlichen Veränderungen geprägt ist.

Der gesamte Pavillon entwickelt sich als eine Meditation über Erinnerung und Wandel im Dialog mit dem Gesamtthema der Biennale 2026, In Minor Keys. Die zugrunde liegende Idee ist, dass für diejenigen, die geografische Distanz, Migration oder Transformation erleben, Heimat nicht mehr nur ein stabiler physischer Ort ist, sondern zu einem tragbaren Zustand wird, der aus Erinnerungen, Materialien, Ritualen und persönlichen Mythologien besteht. Das Projekt geht von der Beobachtung aus, dass sich das heutige Indien in einer Phase des raschen Wandels befindet. Wirtschaftliches und technologisches Wachstum, städtische Expansion, die Erneuerung von Stadtvierteln und die Intensivierung der internen und internationalen Migration definieren die Beziehung des Einzelnen zu seinem Herkunftsort neu. Vertikal und horizontal expandierende Städte, von der Stadtentwicklung verschlungene Dörfer, neue Arbeitsformen und ständige Ortswechsel verändern nicht nur die physische Landschaft, sondern auch das Gefühl der Zugehörigkeit an sich. Vor diesem Hintergrund schlägt der Indien-Pavillon eine Reflexion darüber vor, was es heute bedeutet, sich “zu Hause” zu fühlen, wenn die Orte der Kindheit weit entfernt, verändert oder sogar verschwunden sind. Die Werke der beteiligten Künstlerinnen und Künstler setzen sich mit dieser Frage auseinander, indem sie Materialien verwenden, die tief in der indischen Kulturtradition verwurzelt sind: Erde, Fäden, Naturfasern, Bambus und Pappmaché werden zu Werkzeugen, die von der Zerbrechlichkeit der Erinnerung und der Notwendigkeit, das Gefühl der Zugehörigkeit immer wieder zu rekonstruieren, erzählen.

Nach Ansicht des Kurators Amin Jaffer ist das Konzept der Heimat nicht mehr mit einem unveränderlichen physischen Raum gleichzusetzen, sondern mit einer Idee, die durch Erinnerung, Handarbeit und die Bewahrung kultureller Praktiken ständig rekonstruiert wird. Die Ausstellung geht auch auf eine persönliche Reflexion des Kurators zurück, der selbst in Ruanda in eine indische Familie hineingeboren wurde, die im 19. Jahrhundert ausgewandert war. Jaffer erzählt, wie die Beziehung zu Indien durch Familiengeschichten, mentale Bilder und Rituale, die im Laufe der Zeit weitergegeben wurden, aufgebaut wurde und nicht durch eine ständige physische Präsenz.

Die Ausstellung unterstreicht auch die historische Rolle der indischen Diaspora. Die Abwanderung von Menschen vom Subkontinent in andere Regionen der Welt ist in der Tat kein neues Phänomen. Die ersten Belege für indische Gemeinschaften im Ausland reichen bis ins dritte Jahrtausend v. Chr. zurück, mit dokumentierten Präsenzen in mesopotamischen Städten. Im Laufe der Jahrhunderte haben Handelsnetze, Migrationen und kultureller Austausch indische Gemeinschaften nach Afrika, in den Nahen Osten, nach Südostasien, Europa und Amerika gebracht, wobei die Bindung an das Herkunftsland durch Erinnerung, Glauben, kulturelle Praktiken und familiäre Beziehungen lebendig bleibt. Heute bewohnen die Inder mehrere “Heimaten” gleichzeitig: die physische, die spirituelle, die erinnerte und die imaginäre. In diese vielfältige Dimension fügt sich Geographies of Distance: Remembering Home ein und verwandelt den Pavillon in einen Raum für kollektives Nachdenken über die Entwicklung des Konzepts der Zugehörigkeit.

Innerhalb des Pavillons erscheint das Zuhause fragmentiert, in der Schwebe, verletzlich oder unvollständig. Es wird nie als ein endgültiges Objekt präsentiert, sondern als ein kontinuierlicher Prozess der Konstruktion, Reparatur und Neuerfindung. Ein Zustand, der die Unsicherheit der Gegenwart und die Notwendigkeit widerspiegeln soll, Erinnerung und Identität aktiv zu bewahren. Die Werke der fünf Künstler entwickeln diese Reflexion durch unterschiedliche Sprachen und Materialien. Alwar Balasubramaniam arbeitet direkt mit dem Land des ländlichen Tamil Nadu, der Region, in der der Künstler lebt und arbeitet. Für Venedig präsentiert er zwei große skulpturale Tafeln aus lokalem Boden, der durch Risse und natürliche Brüche gekennzeichnet ist, die durch das Trocknen und die Einwirkung der Zeit entstanden sind. Die Oberflächen werden zu materiellen Zeugnissen von Erosion, Transformation und Widerstand.

Während Bala vom Boden unter seinen Füßen ausgeht, arbeitet Sumakshi Singh stattdessen mit derAbwesenheit. Die Künstlerin rekonstruiert ein abgerissenes Familienhaus in Neu-Delhi in Lebensgröße mit Faden und Stickerei. Anstelle von festen Wänden erscheinen Lichtlinien, schwebende Strukturen, die eine geisterhafte Präsenz hervorrufen. Das Haus existiert nur noch in der Erinnerung und in der Geste der Rekonstruktion. Die Stickerei, die tief in der indischen häuslichen und handwerklichen Tradition verwurzelt ist, erhält hier auch einen affektiven und generationenübergreifenden Wert. Singh verbindet seine Arbeit mit den Frauen seiner Familie, die als gemeinsame Praxis der Beziehung und Weitergabe zusammen stickten. In einer Gesellschaft, in der die Stadtsanierung kontinuierlich Räume und Nachbarschaften auslöscht, wird das Werk zu einer Geste des Widerstands gegen das Verschwinden von Orten.

Auch Ranjani Shettar beschäftigt sich mit dem Thema der Erinnerung durch Handarbeit und die Beziehung zur Natur. Seine hängenden Installationen, die von Blumen und organischen Wachstumsprozessen inspiriert sind, scheinen der Schwerkraft zu trotzen und laden das Publikum ein, sich in einem Raum zu bewegen, der einem konzeptionellen Garten ähnelt. Blumen und Gärten spielen in der indischen häuslichen und spirituellen Kultur eine zentrale Rolle, die sowohl mit religiöser Hingabe als auch mit täglichen Ritualen und Familienfesten verbunden ist. Shettar übersetzt diese Bezüge in eine langsame und geduldige Skulptur, die in manuellen Prozessen entsteht, die im Gegensatz zur Geschwindigkeit der zeitgenössischen industriellen Produktion stehen. In seinen Werken wird das Zuhause zu einem Rhythmus aus Sorgfalt, Wiederholung und Aufmerksamkeit, fast wie die aufwendige Zubereitung eines traditionellen Essens.

Das Werk von Skarma Sonam Tashi hingegen lenkt die Aufmerksamkeit auf die traditionelle Architektur Lad akhs und die Bedrohung durch neue Bautechnologien. Mit Pappmaché, einem zerbrechlichen und leichten Material, schafft die Künstlerin Formen, die an Behausungen im Himalaya erinnern, die historisch in enger Beziehung zu Umwelt und Klima gebaut wurden. Die traditionelle Architektur Ladakhs, die auf ungebrannter Erde, dicken Mauern und kompakten Strukturen basiert, verschwindet allmählich unter dem Druck neuer Baumodelle und industrieller Materialien. Tashis Werke wirken zart und temporär, aber sie tragen das Gewicht des kulturellen Gedächtnisses und werfen dringende Fragen zur Nachhaltigkeit und zum Fortbestand der lokalen Gemeinschaften auf.

Eine explizit urbane Dimension wird von Asim Waqif eingeführt, der eine große Bambusinstallation schafft, die von den Gerüsten inspiriert ist , die man auf den Baustellen der heutigen indischen Städte findet. Es handelt sich um flexible, temporäre und ständig neu konfigurierte Strukturen, die im Bau befindliche Gebäude stützen und in der offiziellen Architekturberichterstattung fast unsichtbar bleiben. Bambus, ein Material, das in Indien traditionell für Behausungen, Musikinstrumente, Gebrauchsgegenstände und rituelle Objekte verwendet wird, wird zur Metapher für Anpassungsfähigkeit und Transformation. Waqifs Installation suggeriert eine Stadt im ständigen Aufbau, in der Veränderung unvermeidlich und kontinuierlich erscheint. Neben den fragileren Werken des Pavillons nehmen seine Strukturen fast die Rolle einer invasiven Kraft ein, die die kollektive Vergangenheit begleitet und gleichzeitig bedroht.

Das Ausstellungsprojekt wird von einem umfangreichen Performance-Programm begleitet, das von Serendipity Arts produziert wird und sich über den Zeitraum von Mai bis November 2026 erstreckt. Musik, Geschichtenerzählen, Bewegung und interdisziplinäre Interventionen werden nicht nur den Pavillon, sondern die gesamte Stadt Venedig durch ortsspezifische Veranstaltungen aktivieren, die durch das Thema “In Moll Keys” und indische kulturelle Traditionen inspiriert sind.

Während der Eröffnungswoche umfasst das Programm eine Reihe von Aufführungen unter der Leitung des Komponisten und Perkussionisten Bickram Ghosh, einer führenden Persönlichkeit der zeitgenössischen klassischen indischen Musik. Die Veranstaltungen finden an verschiedenen Orten in der Stadt und sogar auf dem Wasser statt, beginnend auf dem Rialto-Markt. Der Kalender umfasst “Currents of Return” am 6. Mai, Veranstaltungen in der Golden Tree Foundation am 7. Mai, “Sangam: A Tapestry of Voices” im Palazzo Diedo am 8. Mai und “Home and Beyond” am 9. Mai, ebenfalls auf dem Rialto-Markt.

Indien kehrt zur Biennale von Venedig mit einer Ausstellung über Erinnerung und Heimat zurück

Achtung: Die Übersetzung des italienischen Originalartikels ins Deutsche wurde mit Hilfe automatischer Tools erstellt. Wir verpflichten uns, alle Artikel zu überprüfen, aber wir garantieren nicht die völlige Abwesenheit von Ungenauigkeiten in der Übersetzung aufgrund des Programms. Sie können das Original finden, indem Sie auf die ITA-Schaltfläche klicken. Wenn Sie einen Fehler finden, kontaktieren Sie uns bitte.