Entre lo visible y lo invisible, el mundo fantasmagórico de Elena El Asmar

Hasta el 2 de mayo de 2026, el Edificio Terzo Piano de Milán acoge la exposición Le Fantasmagoriche, una muestra individual de Elena El Asmar (Florencia, 1978), comisariada por Marina Dacci: se exponen más de cuarenta obras, entre esculturas y obras murales sobre vidrio, panel y papel, fechadas entre 2008 y 2026, que reviven aquí como una intervención unitaria especialmente concebida para este espacio. La exposición pretende así presentarse como un todo orgánico y envolvente, donde la escultura y las obras en dos dimensiones encuentran un espacio para dialogar y apoyarse mutuamente. Es el resultado de una práctica, la de Elena El Asmar, que siempre ha estado atenta al tema de la relación entre espacio, memoria e imaginación: sus obras pretenden traducir la memoria en estructuras visuales y narrativas mediante el dibujo, la pintura, la escultura, la instalación e incluso la palabra, en un proceso de estratificación y transformación continuas. Gabriele Landi, al margen de la exposición, entrevistó a Elena El Asmar y Marina Dacci.

GL. Elena, ¿por qué se llama la exposición Le Fantasmagoriche?

EEA. Hace unos meses, iniciamos una especie de conversación escrita con Marina y, después de leer su introducción y responder a sus preguntas, le dije que no dejaba de venirme a la cabeza la palabra “Fantasmagoriche”, que ella había utilizado como adjetivo varias veces, sobre todo en relación con la obra de la exposición “Le ore terse”. Así que, mientras escribía, pensé en añadir el artículo“Le” y transformar el adjetivo en sustantivo, llegando a " Le Fantasmagoriche “ para indicar no un objeto preciso, sino un conjunto de apariciones, imágenes, formas o estados que atraviesan el espacio de la exposición. Un plural abierto. ”Le Fantasmagoriche" no es sólo lo que se ve, sino también lo que emerge, resiste o desaparece. Es una invitación a entrar en un espacio suspendido entre la presencia y la ausencia, lo visible y lo invisible. El término fantasmagórico hace referencia a las antiguas fantasmagorías, espectáculos de imágenes proyectadas que evocaban apariciones, sombras e ilusiones ópticas. En este sentido, el título sugiere obras que no se imponen directamente, sino que surgen como visiones: huellas, reflejos, fragmentos de memoria o identidad que se manifiestan y luego se sustraen inmediatamente. Las obras pueden leerse como apariciones sensibles, en las que lo real se entrelaza con lo imaginario, y donde lo que parece familiar adquiere una cualidad alienante, un lugar donde el espectador no está llamado a “reconocer”, sino a dejarse atravesar por imágenes y sensaciones que actúan como fantasmas, revelando lo que normalmente permanece al margen de la mirada. El título no describe la exposición, sino que activa la experiencia, invitando al visitante a detenerse en la incertidumbre, a reconocer lo que no tiene nombre preciso y a dejarse guiar por una percepción no lineal, hecha de apariciones, ecos y constelaciones de sentido.

¿Qué es para usted la imaginación y cómo la alimenta?

EEA. La imaginación es una herramienta para el conocimiento, de uno mismo y del mundo. Es una especie de espacio intermedio, un umbral donde memoria, experiencia y percepción se encuentran, dando lugar a una transformación simultánea del presente. La imaginación nos permite habitar lo vivido cosiéndolo a lo que somos y a lo que nos gustaría ser en el futuro. En cierto modo, podría decirse que la imaginación es ese motor que transforma el tiempo en espacio habitable y utilizable. En este espacio, las cosas nunca están enteras, sino que se rozan, se superponen para construir geografías inestables y antijerárquicas. ¿Hay algo más íntimo y político al mismo tiempo que esta capacidad humana de atreverse, visualizar y esperar lo inesperado? Allí donde el poder tiende a fijar, definir categóricamente, construir fronteras, la imaginación abre, desplaza, desobedece. En el intento de derribar lo absoluto como categoría de pensamiento, el hombre aún puede encontrar la fuerza para transformar el mundo.

Marina, un texto que Elena frecuenta sin duda es La poética delensueño , de Bachelard, que muy probablemente forme pareja en su biblioteca secreta con La poética del espacio, del mismo autor. En estos dos preciosos volúmenes, el autor se adentra profundamente en los dos temas que trata, a través de un enfoque que estimula la generación de imágenes suspendidas entre lo poético, lo psicoanalítico y lo imaginativo: ¿qué reverberaciones tiene todo esto, en tu opinión, en la forma en que Elena hace visible su mundo?

MD. No conozco la biblioteca secreta de Elena, pero no me cabe duda de que la visión de Elena está profundamente en sintonía con el pensamiento de Bachelard. Los paisajes/espacios que Elena recorre físicamente no se reproducen sin más, sino que se sedimentan en un espacio solitario, doméstico. Aquí, en esa típica postura de somnolencia, son recordados, reimaginados y finalmente restaurados a través de una formalización pictórica y escultórica específica. Es precisamente el concepto de rêverie el que orienta su obra hacia el tema de la inmensidad. Como sugiere Bachelard, el sujeto soñador abandona el mundo circundante para entrar en una dimensión donde el tiempo se reinicia y el espacio se extiende hasta el infinito. Al contemplar los Retratos de estudio de Elena se tiene exactamente esta impresión: navegar por espacios siderales. En este proceso, el espacio se convierte en el generador de una imagen poética que vive en estrecha relación con la palabra. Elena escribe, y una comunión especial con las imágenes de los poetas entra en sus textos, que se convierten en parte integrante de su creación artística. Su deseo es que los ecos de sus recuerdos resuenen en la experiencia de quienes se acercan a su obra, trasladando a las artes visuales lo que Bachelard refería estrictamente a la poesía.

Elena, en esta exposición presentas una nueva variante de “El ejercicio de lo lejano” que es blanca y al mismo tiempo de cristal transparente y coloreado. ¿Cómo has llegado a esta nueva definición?

EEA. En la primera versión de “El ejercicio de lo lejano” realizada en 2010 para Madeinfilandia, el grupo escultórico estaba cubierto de una malla médica elástica blanca, así que en cierto modo, a nivel cromático, era un poco como volver “a casa”. Para la exposición, imaginamos el espacio de la tercera planta del edificio Galleria como un mundo único en el que las obras murales y las esculturas eran en cierto modo una continuación unas de otras, un retrato ininterrumpido de ellas. De ahí la necesidad de incluir, entre los elementos de vidrio transparente, objetos que modulen la transparencia y la luz a través del color. El azul de un jarrón dialoga con el color en algunos de los cuadros, al igual que los verdes, amarillos, grises y rosas.

Le pediría que hablara del ciclo de pinturas que lleva por título Retratos de estudio...

EEA. Los Studio Portraits de la exposición son pinturas acrílicas y al óleo sobre tabla de madera y son, literalmente, retratos de estudio. Esos elementos que colecciono y que suelo utilizar para hacer mis esculturas, se convierten en sujetos reales y pierden así su función original, empezando a comportarse como porciones del paisaje. Ya no son cosas que se utilizan sino, gracias a la pintura, superficies que se recorren con la mirada como si contuvieran en su interior una distancia, una profundidad, una posibilidad de orientación. El estudio deja así de ser un espacio cerrado para convertirse en una geografía en expansión construida por el desplazamiento de sentido de presencias mínimas. El paisaje que se forma en la mirada se vuelve disponible para ser reinventado continuamente, un fragmento puede convertirse en un horizonte y un detalle puede abrirse como un territorio. Cuando las cosas dejan de coincidir consigo mismas, se produce esa metamorfosis que activa la vibración interna de las cosas que miramos y de nosotros mismos.

Marina, la obra de Elena opera en diferentes dimensiones: además de la instalación escultórica, hay en esta exposición una fuerte dimensión pictórica, que se divide en dos partes, la de los Retratos de estudio y la de las acuarelas . Estas últimas riman con lugares precisos de los que Elena nos da una imagen que recuerda a los esbozados con palabras por Gaston Bachelard. ¿Qué une a Elena con estos lugares?

MD. La exposición se concibió como una única y gran instalación: un hábitat en el que el visitante puede circular, captando las diferentes facetas de un recorrido. La antesala de la sala principal alberga las acuarelas, que representan el primer paso de esta visión del espacio/paisaje: son experiencias vividas de forma física y sentimental, exploradas y devueltas “a vista de pájaro”. Aquí encontramos los elementos centrales de su relación con la materia -agua, tierra, aire- junto con visiones de la arquitectura que se desvanecen hacia lo que aún no existe, pero “podría”. Al entrar en la sala principal, la gran instalación escultórica central(El ejercicio de lo lejano) actúa como una ventana al mundo: a través de ella nuestra mirada filtra, recodifica y reimagina. Los cuadros que la rodean -losRetratos de estudio- constituyen una especie de inversión de las esculturas; están instalados en la pared con un ritmo preciso, casi como si fueran notas de un pentagrama que conducen hacia esa dimensión sideral de la que hablábamos. Por último, pienso en Le Ore terse, una obra que es a la vez el principio y el final de la exposición. Un recordatorio precisamente de rêverie. La obra parece, a primera vista, un cristal inmaculado. Sin embargo, si se observa más de cerca, es posible distinguir un paisaje grabado en vidrio que, en el silencio y la penumbra de la sala, la artista ha imaginado a partir de la observación de un detalle de una silla de su habitación.

Marina, personalmente creo que la obra de Elena se despliega ante nuestros ojos como un paisaje del que es imposible captar la totalidad: siempre hay algo que se escapa, que se oculta a nuestros ojos ávidos de conocimiento. ¿Cómo lo ve usted?

MD. Creo que la obra de Elena sugiere una forma de estar en el mundo que no es “fáctica” sino contemplativa. Dejarse llevar por esa ola y, como te decía, entrar en contacto, dejar que lo que nos rodea resuene en nuestro interior entrando en nosotros mismos.

Elena, Marina, os conocéis desde hace mucho tiempo y han sido muchas las ocasiones en las que habéis trabajado juntas: ¿cómo definiríais el vínculo que os une?

EEA-MD. ¡Fantasmagórico! Y lo decimos al unísono.

El autor de este artículo: Gabriele Landi

Gabriele Landi (Schaerbeek, Belgio, 1971), è un artista che lavora da tempo su una raffinata ricerca che indaga le forme dell'astrazione geometrica, sempre però con richiami alla realtà che lo circonda. Si occupa inoltre di didattica dell'arte moderna e contemporanea. Ha creato un format, Parola d'Artista, attraverso il quale approfondisce, con interviste e focus, il lavoro di suoi colleghi artisti e di critici. Diplomato all'Accademia di Belle Arti di Milano, vive e lavora in provincia di La Spezia.

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