Laurent Poma, los cuerpos fuera de la norma que desafían nuestra mirada. Entrevista coral con el fotógrafo

Hoy en día, el cuerpo es uno de los territorios más vigilados y debatidos de nuestro tiempo. Medido, juzgado, exhibido u ocultado, el cuerpo contemporáneo está atravesado por tensiones estéticas, políticas y sociales que determinan su valor y visibilidad. Este es el trasfondo de la obra del fotógrafo belga Laurent Poma (Schaerbeek, 1971), autor de un proyecto de investigación, Corps modernes, que cuestiona los códigos dominantes de representación del desnudo. Sus “cuerpos modernos” no pertenecen a la imaginería pulida y normativa a la que nos tiene acostumbrados la cultura visual. Son cuerpos reales, vulnerables, a veces marcados, nunca idealizados. Cuerpos que existen al margen de las convenciones estéticas más tranquilizadoras y que, precisamente por eso, cuestionan nuestra mirada y nuestros hábitos perceptivos. Iniciado en 2022, el proyecto de Poma parte de una reflexión personal sobre la relación entre identidad, desnudez y representación, transformándose gradualmente en una investigación colectiva sobre la presencia política del cuerpo. A través de un proceso de colaboración con modelos, la fotografía se convierte en un espacio de diálogo y negociación, donde el modelo no es el objeto pasivo de la imagen, sino el sujeto activo de su propia narración. Lejos tanto de la estetización como de la provocación gratuita, Poma construye imágenes esenciales, directas, profundamente humanas. En esta entrevista coral, realizada por Gabriele Landi, Carola Alemandi, Azzurra Immediato y Luca Lupi, Laurent Poma reflexiona sobre el significado político del cuerpo, sobre la relación entre fotografía y verdad, sobre la idea de belleza y sobre la necesidad de sustraer el desnudo a cualquier automatismo erótico o normativo. Un diálogo abierto que atraviesa la estética, la ética y la representación, devolviendo a la fotografía la posibilidad de ser, ante todo, un lugar de encuentro.

Gabriele Landi. ¿Cómo empieza este proyecto?

Laurent Poma. El proyecto comenzó con una sesión fotográfica de una joven quemada que quería que le mostrara el estado de su cuerpo. Después fotografié a una joven transexual a la que quería representar en una interpretación libre del Nacimiento de Venus. Pero el proyecto comenzó realmente en mayo de 2022. Mi pareja me habló de mi relación con mi cuerpo y de mi capacidad para mirarlo y mostrarlo. Sin embargo, el desnudo no es en absoluto mi campo. Siempre he tenido mucho miedo de caer en una especie de erotismo banal.

GL. Así que este es un proyecto que empezó poco a poco. ¿Qué le dijo su compañero para convencerle de seguir este camino?

LP. En realidad, creo que tardé mucho en convencerme a mí misma. Alexia, mi compañera, me habló de la sensibilidad que desprenden estas fotos, de mi forma de ver los cuerpos. Se dio cuenta del cuidado que pongo en evitar cualquier forma de erotización del cuerpo. Me ayudó mucho a cuestionar el papel de la modelo en este proceso, es decir, a desplazar el papel de la modelo del de objeto al de sujeto. También se dio cuenta de que yo no intentaba “normalizar” a las personas que acudían a mí.

GL. ¿Cómo funciona la relación con los modelos?

LP. Casi nunca pido a nadie que pose para mí. Espero a que la gente se ponga en contacto conmigo. El deseo de posar es en sí mismo una señal de interés por parte del modelo. Prácticamente todas las sesiones van precedidas de una entrevista en la que preparo la cámara y respondo a todas las preguntas. Después de la sesión, miramos juntos las fotos y hacemos una primera selección. El objetivo es que la modelo se sienta tan cómoda con las fotos elegidas como yo.

Carola Alemandi. Su obra me ha recordado inmediatamente a los desnudos de Irving Penn. Sin embargo, a diferencia de Penn, no me parece que haya una intención expresiva o estetizante tan marcada en tus imágenes: parece que hayas querido hacer un gesto más básico pero radical, mostrando los cuerpos de tus sujetos de una manera más inmediata. ¿Está de acuerdo con esta lectura? Otra diferencia con Penn me parece el uso de la luz: en tu obra las sombras están decididamente atenuadas, la luz tiende a ser homogénea, casi envolvente.

LP. Estoy de acuerdo con su interpretación de mi deseo de realizar un gesto fundamental, radical e inmediato. Para mí, este trabajo es más social que estético, ya que fotografío cuerpos que a menudo están ausentes de las representaciones dominantes. Me gusta la idea de que, en cierto sentido y sobre todo de forma muy modesta, contribuya a la deconstrucción de la homogeneidad de las normas estéticas relacionadas con el cuerpo.

CA. Tus sujetos casi siempre muestran sus rostros. No son cuerpos entendidos como formas abstractas, separadas del mundo, sin identidad (pienso aquí en Bill Brandt, por ejemplo): son presencias reconocibles, con una historia. ¿Qué papel juega para usted el rostro en esta obra?

LP. Sí, de hecho me cuesta prescindir de los rostros en mis cuadros. Desempeñan un papel central para mí. Un papel de arraigo en la realidad, de afirmación de una presencia, de una singularidad. Y luego es una inversión de la mirada, una forma de empoderamiento del modelo. Las personas que fotografío no son para mí una materia prima maleable de la que pueda disponer sin preocuparme demasiado por su ser. Aunque a veces oculte mi rostro por necesidad de anonimato.

Azzurra Inmediata. ¿Cuál es el diálogo entre el Cuerpo y la Verdad dentro de la realidad y la dimensión fotográfica para el artista-fotógrafo?

LP. Creo que fotografiar es mentir. Sin embargo, si la realidad no existe y la verdad es una percepción de la realidad a la que uno se adhiere, quizá una forma de verdad resida en el acto fotográfico. En mi práctica, el diálogo entre el cuerpo y la verdad es fundamental para mi reflexión sobre la naturaleza misma de la representación fotográfica. No pretendo captar una verdad objetiva de la realidad, sino explorar la dimensión subjetiva y relacional de la imagen a través de un enfoque colaborativo. Para mí, la fotografía es ante todo un espacio de encuentro, un lugar donde mi mirada se encuentra con la del sujeto, donde el cuerpo deja de ser un mero objeto que inmortalizar para convertirse en un agente de significado. Por tanto, la verdad que emerge no es la de la fidelidad documental, sino la de una experiencia compartida: una verdad sensible, nacida del diálogo que mantengo con la persona fotografiada.

AI. ¿Qué cuestiones surgen durante la fase de diseño entre Laurent Poma y sus modelos?

LP. Preguntas sobre la validez del propio cuerpo, cómo nos ven los demás, la aceptación y las inseguridades. También preguntas sobre el proceso y el propio papel en él.

AI. ¿Cómo articulas la triangulación entre el cuerpo, su representación y el mensaje que transmite el proyecto Modern Bodies? ¿Cuáles son los deseos más profundos del artista-fotógrafo a través de un proyecto así? ¿Cómo se dirige en general a un público que se identificará con él, a un público que se escandalizará por su franqueza, a un público que será reacio a mirar las fotografías y a un público que se sentirá libre de observarlas?

LP. En primer lugar, no estoy seguro de que exista un “mensaje” en sentido estricto, es decir, un contenido claramente formulado que se pretenda transmitir. Lo que me motiva es más bien una cuestión de intención: es la intención la que guía mi forma de relacionarme con el cuerpo, el modelo y su imagen. En cuanto a la percepción del público, no depende de mí, y eso está perfectamente bien. Acepto todas las reacciones: identificación, conmoción, incluso asco. Rara vez empatizo con la recepción de lo que algunos llaman el “mensaje”. Como ya he dicho, no considero que mi trabajo sea una herramienta de comunicación o una ayuda pedagógica. La noción misma de mensaje me interesa poco: reduce la fotografía a una simple función comunicativa, lo que me parece profundamente reductor. Por el contrario, me gusta que cada cual pueda desarrollar libremente su propia interpretación. Aunque concedo gran importancia al diálogo que la fotografía establece con los modelos, tanto en el proceso creativo como en la recepción de las imágenes por las personas retratadas, las reacciones del público me divierten sin influirme realmente. Y, francamente, prefiero enfrentarme a quienes no aprecian mi trabajo y expresarlo abiertamente: esto abre la puerta al debate, incluso a la confrontación, que a fin de cuentas es mucho más estimulante.

Luca Lupi. ¿Qué es la belleza?

LP. Es algo en lo que nunca pienso cuando creo. La belleza... ¡qué fuente de ansiedad! Qué tópico y, sin duda, ¡qué aburrimiento! Estoy totalmente de acuerdo con la explicación de las ciencias sociales: la belleza es un sistema de clasificación basado en juicios de valor, guiado por los gustos de la mayoría, que conduce a un proceso de validación y legitimación. Todo ello se basa en construcciones sociales. En resumen, no me importa. De hecho, me pregunto si la belleza pertenece realmente al ámbito del arte.

El autor de este artículo: Gabriele Landi

Gabriele Landi (Schaerbeek, Belgio, 1971), è un artista che lavora da tempo su una raffinata ricerca che indaga le forme dell'astrazione geometrica, sempre però con richiami alla realtà che lo circonda. Si occupa inoltre di didattica dell'arte moderna e contemporanea. Ha creato un format, Parola d'Artista, attraverso il quale approfondisce, con interviste e focus, il lavoro di suoi colleghi artisti e di critici. Diplomato all'Accademia di Belle Arti di Milano, vive e lavora in provincia di La Spezia.

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