Con motivo de la XXVII Jornada Europea de la Cultura Judía, dedicada este año al tema «El amor», la artista Barbara Nahmad presenta «Eden, amore infinito», una exposición comisariada por Vittoria Coen centrada en la memoria y la vida de aquellas personas que, tras la Segunda Guerra Mundial, contribuyeron a la construcción de una nueva sociedad en el Estado de Israel. La exposición podrá visitarse el domingo 6 de septiembre. La presentación está programada para las 15:00 horas de ese mismo día en el Teatro Franco Parenti de Milán, en presencia de la artista, que conversará con la comisaria Coen.
El proyecto parte de la idea del Edén como lugar de la infancia de una nación: un espacio asociado a esperanzas, sueños, ideales y al vínculo con una tierra recuperada, entendido como elemento identitario de la historia y la memoria judías. La exposición, inaugurada en Tel Aviv en 2014, emprendió posteriormente un recorrido internacional que la llevó, tras varias etapas, al Museo Judío de Bolonia con motivo de la Noche Europea de los Museos. La obra de Nahmad se centra en un período de renacimiento marcado por dificultades materiales y por un fuerte compromiso colectivo: el de los pioneros que trabajaban en los campos y, al mismo tiempo, estudiaban, dedicados a la construcción de una nueva realidad social.
Las obras recrean este contexto a través de una luz rasante y suspendida, situadas en una dimensión visual que combina la memoria y la sugestión onírica. En el centro no solo están los acontecimientos históricos, sino sobre todo las personas y los gestos de la vida cotidiana: las ciudades, las escuelas, las calles, los kibutzes al borde del desierto. Las imágenes documentan un mundo aún joven, caracterizado por una fuerte cohesión social, por el deseo de construir una sociedad nueva y por la presencia de la cultura, la religión, la tradición y la historia como elementos de continuidad.
En el catálogo de la exposición figuran textos de Martina Corgnati y del embajador Avi Pazner, mientras que Vittoria Coen firma el texto «Pitture di Sabbia», dedicado al proyecto.
La trayectoria de Barbara Nahmad, tal y como escribe la comisaria Coen, se ha desarrollado desde hace tiempo en torno a la relación entre la pintura y la memoria. La artista ha trabajado en el pasado en retratos de figuras históricas y culturales, así como de protagonistas del cine internacional, abordando los temas desde un punto de vista estético y a través de una indagación psicológica. El punto de partida suele ser una fotografía extraída de revistas más o menos recientes, que se reactiva a través de la pintura. El paso de la imagen fotográfica a la obra pictórica se convierte así en una herramienta para intervenir en la memoria y devolver la vitalidad a imágenes ya filtradas por la mirada de los medios de comunicación.
Este es el procedimiento que también ha caracterizado obras dedicadas a Pier Paolo Pasolini, Primo Levi, Mao, Elvis Presley y Marilyn, figuras reconocibles a las que Nahmad ha sometido a una relectura pictórica capaz de sustraerlas de la dimensión puramente documental. En el texto *Pitture di Sabbia*, la comisaria identifica precisamente en la memoria el hilo conductor de la experiencia de la artista. La fotografía, ya interpretada por una primera mirada, es atravesada de nuevo por la pintura, en un proceso que combina distancia y reapropiación.
Con «Eden», sin embargo, el tema cambia. Las imágenes ya no se refieren únicamente a personajes públicos y figuras históricas reconocibles, sino a personas corrientes, que forman parte de la memoria familiar de la artista o que ha encontrado en las páginas de las revistas. Nahmad reconstruye el periodo del regreso a Israel tras el nacimiento del nuevo Estado, centrándose en el impulso vital y en la construcción de una sociedad a través de un trabajo cotidiano marcado por las dificultades, los sacrificios y la movilización colectiva.
En este relato aparecen la familia del artista —su padre, su madre y su abuelo—, junto a hombres, mujeres, niños y ancianos anónimos, unidos por las mismas expectativas. La dimensión privada se superpone así a la colectiva. Las escenas muestran una vida sencilla y ardua, pero también la idea de un futuro por construir: sonrisas, gestos, costumbres, momentos de la infancia, relaciones de pareja, trabajo y vida comunitaria se convierten en fragmentos de una historia más amplia.
También se produce un cambio importante en la técnica y la paleta de colores. En una entrevista realizada hace tiempo por Cristiana Curti para ArtsLife, Nahmad había descrito su proceso como una sustracción progresiva, orientada a la búsqueda de una mayor esencialidad.
«Empecé a “sustrar”, en busca de una limpieza y una esencialidad que necesitaba: renuncié al esmalte, que caracterizaba mi estilo artístico», afirmaba Nahmad. «Eliminé las líneas limpias que eran mi otro punto fuerte. He restado la incisividad de la forma perfecta. He simplificado los motivos, he aligerado el lienzo, que se había vuelto superfluo. Sin embargo, he hecho que la escena resulte más compleja e intrincada, porque ahora parto de viejas revistas distribuidas por el Estado israelí en los años cincuenta para promover la inmigración de nuevas familias».
Esta elección se refleja en el aspecto de las obras. Los colores Pantone, los rojos y los verdes que caracterizaban otros trabajos dan paso principalmente al ocre, interrumpido en algunos casos por el blanco y el negro. Una serie concreta de pequeñas obras realizadas expresamente para la exposición se basa en una dimensión casi monocromática. Coen cuenta que vio estas obras en el estudio del artista en los Navigli, en Milán, unos días antes de la exposición.
La pintura conserva la imagen en su totalidad, pero la transforma a través de una gama cromática reducida, de la que surgen obras que parecen compuestas de arena. Las imágenes se recogen en fragmentos y se enriquecen con la incorporación de pequeñas perlas procedentes de un collar especialmente importante para la artista, vinculado a su infancia. Los trazos, las superposiciones y las estratificaciones confieren a estas pequeñas obras el aspecto de objetos vividos, comparables a joyas familiares conservadas a lo largo del tiempo.
En los lienzos, el color parece envolver los rostros y las situaciones representadas. Niños que juegan, estudiantes que van al colegio, un anciano sentado con la frente apoyada en la mano, chicos en un vehículo blindado, chicas posando, abrazos maternos y hombres trabajando componen un repertorio de escenas cotidianas. Al fondo aparecen muebles, lavabos, vehículos blindados y paisajes apenas esbozados, con un espacio deliberadamente escaso que puede recordar la sencillez de un dibujo infantil.
La historia y la actualidad permanecen así presentes, pero en un segundo plano respecto a la dimensión humana de las imágenes. El eje central es la vida de una comunidad comprometida con la construcción de un Estado a través de la movilización colectiva. Las obras tratan de plasmar al mismo tiempo la concreción y la participación implícitas en esas experiencias, a través de rostros, expresiones, sombras y repentinas aperturas luminosas. Los tonos ocres y grises acompañan una narración marcada por la dureza de las condiciones de vida y por la mirada hacia el futuro.
La relación entre el espacio y el tiempo constituye uno de los elementos centrales de la investigación de Nahmad. La sustracción, entendida como la reducción de los elementos superfluos, deja aflorar signos y figuras, mientras que las sombras de los cuerpos se definen sobre el terreno y contribuyen a la construcción de una dimensión suspendida. El cambio en el lenguaje pictórico representa un paso más dentro de un estilo que, con el tiempo, se ha modificado y enriquecido.
Eden, amore infinito se inscribe, de hecho, en un recorrido que ha abarcado diferentes temas y lenguajes, desde las intervenciones realizadas para la instalación Allarmi hasta Le tavole della protesta y el Reportage tradotto in poesia, pasando por los retratos de estrellas de cine y de protagonistas de la historia y la cultura. Sin embargo, el proyecto marca un cambio de perspectiva hacia personas menos conocidas, transformando los rostros encontrados en las páginas de las revistas en protagonistas de fragmentos de vida. Incluso cuando no son reconocibles, estas figuras pueden parecer familiares, como si ya formaran parte de la memoria de quien las observa. Es una familiaridad construida a través de situaciones elementales y compartibles: el juego, la escuela, el trabajo, los afectos, la espera.
La experiencia de Eden, que nació en Tel Aviv, continuó en Milán y posteriormente llegó a Bolonia, constituye para Nahmad un momento de profundización en su propia investigación sobre los orígenes y la memoria. La reconstrucción del pasado personal y colectivo avanza a través de fotografías de época, imágenes familiares y documentos destinados en un principio a narrar una nueva realidad nacional. La artista interviene en esas imágenes para recrear no solo un período histórico, sino también la dimensión cotidiana de quienes lo vivieron.
En su obra, según la interpretación de Coen, la artista aborda el tiempo a través de una reconstrucción que aúna arte, historia, política y pensamiento, evitando reducir las imágenes a una representación estereotipada. La memoria se convierte, por tanto, en el terreno en el que confrontar lo que se ha documentado, lo que se ha vivido y lo que la pintura puede volver a hacer visible. Eden, amor infinito se desarrolla precisamente sobre esta superposición de tiempos y miradas, transformando fragmentos de una historia colectiva en imágenes centradas en la presencia de los individuos y en las huellas que ha dejado su experiencia.
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| En Milán, Barbara Nahmad retrata la sociedad israelí con la exposición «Eden, amor infinito» |
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