Una profusión de oro invade el «Retrato de Adele Bloch-Bauer I» de Gustav Klimt, arrollando toda la composición como un río precioso y sumergiendo al espectador en una visión deslumbrante. El oro es el protagonista absoluto de toda la obra, una presencia omnipresente que envuelve cada centímetro del lienzo y se funde con la figura retratada. Una explosión luminosa que anula la tridimensionalidad y borra los límites entre el cuerpo y el espacio. Oro por todas partes: brilla en el fondo, fluye por los pliegues del vestido, donde se entrelazan símbolos y formas geométricas, y se insinúa en los detalles más minuciosos con un refinamiento que recuerda a los mosaicos bizantinos.
En este retrato, Klimt no utiliza el oro solo para decorar: es un elemento que transforma la pintura en una experiencia visual, ya que la luz del oro emana directamente de la propia superficie del cuadro, y en este esplendor dorado Adele, la mujer retratada, queda suspendida entre la sensualidad y la espiritualidad, entre el arte decorativo y la pintura culta. Su mirada, enigmática e intensa, emerge de este río dorado, casi como una aparición.
El Retrato de Adele Bloch-Bauer I es una obra maestra que encanta e hipnotiza a través de la mirada de la mujer, a quien el pintor eleva a una de las figuras más magnéticas de su obra, pero al mismo tiempo es símbolo de una época en el apogeo de su refinamiento. De hecho, Klimt utiliza el oro haciendo referencia al arte del pasado, pero tendiendo en realidad hacia la modernidad, donde tiene la oportunidad de expresar plenamente la sensualidad femenina y la experimentación técnica y formal de lo que se conoce como su «período dorado», denominado así por el intenso uso del oro y que incluye obras maestras como «Judit I», «El beso», «El árbol de la vida» y «Judit II», obra esta última que marca el final de ese periodo concreto.
Conocido como «La mujer dorada», el Retrato de Adele Bloch-Bauer I se considera precisamente la obra emblemática del periodo dorado, que se extiende aproximadamente desde 1903 hasta 1909. Klimt la terminó en 1907, pero comenzó a trabajar en ella en 1903, año en el que el artista tuvo la oportunidad de alojarse en Rávena y visitar así los monumentos más famosos de la ciudad, quedando extraordinariamente fascinado por los mosaicos bizantinos que descubrió en su interior, en particular en la basílica de San Vitale. De hecho, en sus relatos de viaje, Klimt cuenta que vio «mosaicos de un esplendor sin precedentes» en Rávena. Y también Maximilian Lenz, que le acompañó en su viaje por Italia, escribió que la estancia en Rávena fue para Klimt un momento decisivo: «Los mosaicos resplandecientes de oro de las iglesias de Rávena le causaron una impresión increíble y decisiva. Klimt estaba realmente conmovido. No lo manifestaba, pero se notaba claramente». Quedó tan impresionado, tanto visualmente como en su alma, por ese triunfo dorado que los mosaicos dejaban como maravilloso testimonio del arte bizantino y por la propia técnica del mosaico, que esa experiencia marcó durante unos años, hasta 1909, toda su producción: de hecho, de aquella estancia surgió su «período dorado» y la fascinación por lo que tanto le había impresionado se plasmó en algunas de sus obras maestras más célebres, mediante el uso de una gran cantidad de oro y de motivos ornamentales que, en sus colores y geometrías, evocaban las piezas de mosaico. En el Retrato de Adele Bloch-Bauer I se pueden apreciar claramente, en el vestido caracterizado por pequeños triángulos y un motivo particular que recuerda a los ojos almendrados, así como en el fondo decorado —un universo ornamental en sí mismo—, líneas sinuosas, espirales, cuadrados, óvalos y semicírculos divididos en zonas, casi como si fueran joyas, piedras y tejidos preciosos, en los que los límites entre este último y el vestido se difuminan. Además, se reconocen las iniciales de la mujer, «AB», que aparecen repetidamente, como signos de identidad y presencia. No queda claro si Adele aparece de pie, como si su propio cuerpo estuviera sumergido en el río ornamental que la rodea, o si está sentada en un sillón. Las únicas partes que no quedan integradas y que, por tanto, se distinguen son el rostro, el cabello, el escote y las manos. La mirada hipnótica, las mejillas ligeramente sonrosadas y la boca entreabierta con labios de un rojo intenso transmiten una sensualidad deliberada, que contrasta con una postura corporal casi monumental y hierática. Las manos, elegantemente juntas pero de forma poco natural, llaman la atención: tras esta pose se esconde una elección personal de la modelo, que deseaba ocultar un dedo deformado, signo de una vulnerabilidad que rompe la aparente perfección del conjunto.
En el cuello, un refinado collar de diamantes, regalo de boda de su marido, aporta un brillo adicional a la figura, mientras que una serie de brazaletes dorados adornan su muñeca izquierda. Aparece además un detalle en la zona inferior izquierda del cuadro: una decoración en blanco y negro que remite explícitamente a los elementos decorativos del mobiliario al estilo de la Wiener Werkstätte, los Talleres Vieneses fundados en 1903 por el arquitecto Josef Hoffmann, el banquero Fritz Wärndorfer y el pintor Koloman Moser siguiendo el modelo del movimiento inglés y escocés Arts and Crafts, con los que Klimt colaboraba. Este vínculo entre la pintura y el diseño es característico de la cultura visual de la Viena de fin de siglo, en la que el arte y la artesanía se funden en una visión estética total, la Gesamtkunstwerk, es decir, en la introducción en la vida cotidiana de objetos de elevado valor estético y artístico, como muebles, porcelanas, cristalerías y joyas.
Hija del empresario Maurice Bauer, Adele pertenecía a una acaudalada familia austriaca de origen judío. Desde su juventud vivió en un entorno culto y burgués, típico de la Viena de finales del siglo XIX. Con tan solo dieciocho años se casó con Ferdinand Bloch, un rico industrial, hijo de un barón propietario de una próspera refinería de azúcar. La pareja compartía una gran pasión por el arte y la cultura, lo que les llevó a convertirse en uno de los mecenas más influyentes de la Viena de la época y a reunir en su apartamento privado una de las colecciones artísticas más significativas de la ciudad. Esta colección incluía una notable selección de pinturas de artistas pertenecientes al periodo Biedermeier vienés, una importante serie de esculturas, piezas decorativas y porcelanas de gran valor realizadas por la famosa Fábrica Imperial de Viena, así como numerosos cuadros de Klimt, entre los que se encontraban varios paisajes y los dos retratos de Adele, que el propio Ferdinand había encargado al artista. De hecho, fue el marido quien, en 1903, encargó a Gustav Klimt —considerado en aquella época uno de los pintores más innovadores del panorama austriaco— que realizara un bello retrato de Adele, con la intención de hacer un regalo especial a los padres de esta con motivo del aniversario de boda de estos últimos. Sin embargo, Klimt tardó mucho más de lo previsto en terminar la obra. El retrato requirió más de tres años de trabajo y no se terminó hasta 1907. Unos años más tarde, en 1912, el pintor realizó un segundo retrato de la misma mujer, lo que la convirtió en la única persona retratada dos veces de cuerpo entero por Klimt. Pero hay que tener en cuenta además que Adele Bloch-Bauer también aparece en otro famoso cuadro del artista: de hecho, ella es la modelo de la célebre «Judít I», realizada en 1901 y que hoy se conserva en la Österreichische Galerie de Viena. Una obra maestra de su época dorada que representa a la famosa heroína bíblica sosteniendo en la mano la cabeza del general asirio Holofernes: una obra muy intensa y con una gran carga de sensualidad en la que la mujer se convierte en símbolo de un erotismo peligroso, como atestiguan la mirada y el gesto de la mano de Judit, que parece destacar —acariciando de forma irónica y burlona el cabello de la cabeza cortada del general— lo que es capaz de hacer por sí misma.
Desde 2006, el Retrato de Adele Bloch-Bauer I se conserva en la Neue Galerie de Nueva York, pero su historia ha sido muy turbulenta, hasta el punto de convertirse en 2015 en una película: *Woman in Gold*, dirigida por Simon Curtis, con un reparto en el que figuran, entre otros, Helen Mirren, Ryan Reynolds, Daniel Brühl y Katie Holmes.
En 1938, con el Anschluss y la anexión de Austria por parte de la Alemania nazi, la familia Bloch-Bauer, de origen judío, fue víctima de las duras políticas discriminatorias y de las confiscaciones sistemáticas llevadas a cabo por el régimen. Entre los bienes que los nazis confiscaron a la familia se encontraban cinco cuadros de Klimt. Ferdinand Bloch-Bauer, consciente del peligro inminente, se vio obligado a huir de Austria y encontró refugio en Suiza. En los años siguientes, a pesar de los numerosos e infructuosos intentos por recuperar los bienes confiscados, Ferdinand no logró que se hiciera justicia. Antes de su muerte, decidió entonces redactar un testamento definitivo, en el que expresó claramente su voluntad de dejar todo su patrimonio, incluidos los cinco lienzos de Klimt, a sus familiares más cercanos: tres nietos, entre ellos Maria Altmann, quien se convertiría en la protagonista de una de las batallas legales más famosas por la restitución de obras de arte sustraídas durante el periodo nazi.
Maria también se vio obligada a huir de Austria en 1938, junto con su marido, para escapar de las persecuciones antisemitas. Ambos lograron emigrar a Estados Unidos y se establecieron en California, donde Maria vivió durante más de sesenta años. Durante ese largo periodo, la posibilidad de recuperar el legado familiar parecía remota. Sin embargo, en 1998 salieron a la luz documentos de archivo que demostraban claramente que Ferdinand Bloch-Bauer nunca había tenido la intención de dejar en depósito los cinco cuadros de Klimt en el museo Belvedere de Viena, donde se encontraban expuestos en aquel momento. Con estas pruebas en la mano, Maria Altmann decidió emprender acciones legales para reclamar la restitución de las obras en virtud de la Ley de Restitución de Obras de Arte. Las autoridades austriacas desestimaron su solicitud. Maria interpuso entonces una demanda en Estados Unidos, en el estado de California. El proceso judicial se prolongó durante varios años y atrajo la atención internacional, hasta llegar al Tribunal Supremo de los Estados Unidos. Se llegó a un acuerdo entre el Gobierno austriaco y Maria Altmann, que preveía un arbitraje vinculante. Maria contó con la asistencia y representación legal del abogado estadounidense Randol Schoenberg. En 2005 se determinó que los cinco cuadros de Klimt habían sido sustraídos ilegalmente y debían ser devueltos a los herederos legítimos, entre los que se encontraba también el Retrato de Adele Bloch-Bauer I. Poco tiempo después, en 2006, esta obra maestra fue adquirida por Ronald S. Lauder, coleccionista de arte, empresario y cofundador de la Neue Galerie de Nueva York, por la cifra récord de 135 millones de dólares, lo que en aquel momento representaba el precio más alto jamás pagado por un cuadro. Desde entonces, el Retrato de Adele Bloch-Bauer I se ha convertido en la pieza central de la colección de la Neue Galerie, símbolo de la memoria y de la justicia recuperada.
Además de ser una de las obras emblemáticas de la época dorada de Klimt, el «Retrato de Adele Bloch-Bauer I» es también una poderosa expresión del espíritu de la Secesión vienesa, de la que el artista fue precisamente uno de los fundadores. El uso del oro, que domina este cuadro al igual que otras de sus obras maestras de la época, evoca inmediatamente la famosa cúpula dorada del Palacio de la Secesión de Viena, símbolo arquitectónico del movimiento fundado en 1897, en cuyo interior se conserva el famoso Friso de Beethoven, realizado por Gustav Klimt en homenaje al compositor con motivo de la XIV Exposición de la Asociación de Artistas Visuales de la Secesión Austriaca de 1902. Esa cúpula casi esférica, formada por un entrelazado de 2.500 hojas de laurel doradas y 311 bayas, encarna el mismo deseo de renovación, refinamiento estético y ruptura con el academicismo que se encuentra en el Retrato. De hecho, ambos comparten una estética que aúna el decorativismo con la profundidad simbólica: el oro no es solo un adorno, sino que se convierte en expresión de un auténtico lenguaje cultural que une tradición y modernidad; es un material precioso que, sin embargo, se erige en símbolo de ruptura con el academicismo. En este sentido, el Retrato de Adele Bloch-Bauer I puede interpretarse como una expresión de los valores de la Secesión: «A cada época su arte, al arte su libertad», tal y como reza el lema del movimiento, escrito en el Palacio, en lo alto, bajo la cúpula, sobre una especie de trabeación.
Oro. Oro en los lienzos, en los fondos decorativos, en los vestidos de los personajes retratados, en la arquitectura. Es más que un color o un material: es el rasgo distintivo que hace que el arte de Gustav Klimt sea inmediatamente reconocible. Es este esplendor dorado, tan inconfundible, el que convierte su arte en un lenguaje visual único, capaz de unir forma y significado en un equilibrio perfecto e inimitable.
El autor de este artículo: Ilaria Baratta
Giornalista, è co-fondatrice di Finestre sull'Arte con Federico Giannini. È nata a Carrara nel 1987 e si è laureata a Pisa. È responsabile della redazione di Finestre sull'Arte.
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