Eine Fülle von Gold durchströmt Gustav Klimts „Porträt von Adele Bloch-Bauer I“ , überflutet die gesamte Komposition wie ein kostbarer Fluss und taucht den Betrachter in eine blendende Vision ein. Das Gold ist der absolute Protagonist des gesamten Werks, eine allgegenwärtige Präsenz, die jeden Zentimeter der Leinwand umhüllt und mit der porträtierten Figur verschmilzt. Eine leuchtende Explosion, die die Dreidimensionalität auflöst und die Grenzen zwischen Körper und Raum aufhebt. Gold überall: Es glänzt im Hintergrund, fließt in den Falten des Kleides, wo sich Symbole und geometrische Formen verflechten, und dringt mit einer Raffinesse, die an byzantinische Mosaike erinnert, in die kleinsten Details ein.
In diesem Porträt verwendet Klimt Gold nicht nur zur Verzierung: Es ist ein Element, das das Gemälde in ein visuelles Erlebnis verwandelt, da das Licht des Goldes direkt von der Oberfläche des Gemäldes selbst ausgeht, und in diesem goldenen Prunk erscheint Adele, die porträtierte Frau, schwebend zwischen Sinnlichkeit und Spiritualität, zwischen dekorativer Kunst und geistesreicher Malerei. Ihr rätselhafter und intensiver Blick taucht aus diesem goldenen Strom auf, fast wie eine Erscheinung.
Das „Porträt von Adele Bloch-Bauer I“ ist ein Meisterwerk, das durch den Blick der Frau verzaubert und hypnotisiert, die der Maler zu einer der magnetischsten Figuren seines Schaffens erhebt; zugleich ist es ein Symbol für eine Epoche auf dem Höhepunkt ihrer Raffinesse. Klimt nutzt das Gold nämlich, indem er sich auf die Kunst der Vergangenheit bezieht, strebt aber in Wirklichkeit der Moderne entgegen, in der er die weibliche Sinnlichkeit sowie das technische und formale Experimentieren seiner sogenannten „goldenen Periode“ die aufgrund der intensiven Verwendung von Gold so bezeichnet wird und Meisterwerke wie „Judith I“, „Der Kuss“, „Der Baum des Lebens“ und „Judith II“ umfasst , wobei letzteres Werk das Ende dieser besonderen Schaffensphase markiert.
Das als „Die Frau in Gold“ bekannte „Porträt von Adele Bloch-Bauer I“ gilt als das symbolträchtigste Werk der goldenen Periode, die sich etwa von 1903 bis 1909 erstreckt. Klimt vollendete es 1907, begann jedoch bereits 1903 mit der Arbeit daran, dem Jahr, in dem der Künstler Gelegenheit hatte, sich in Ravenna aufzuhalten und somit die berühmtesten Sehenswürdigkeiten der Stadt zu besichtigen, wobei er von den byzantinischen Mosaiken, die er dort vor allem in der Basilika San Vitale entdeckte, außerordentlich fasziniert war. In seinen Reiseberichten erzählt Klimt tatsächlich, dass er in Ravenna „Mosaike von unerhörter Pracht“ gesehen habe. Und auch Maximilian Lenz, der ihn auf seiner Italienreise begleitete, schrieb, dass der Aufenthalt in Ravenna für Klimt ein entscheidender Moment war: „Die goldglänzenden Mosaike der Kirchen in Ravenna hinterließen bei ihm einen unglaublichen und entscheidenden Eindruck. Klimt war wirklich erschüttert. Er zeigte es nicht, aber man sah es ihm deutlich an.“ Er war in seinen Augen und in seiner Seele so sehr von diesem goldfarbenen Triumph beeindruckt, der in den Mosaiken das wunderbare Zeugnis byzantinischer Kunst hinterließ, sowie von der Mosaiktechnik selbst, dass diese Erfahrung für einige Jahre, bis 1909, sein gesamtes Schaffen prägte: Tatsächlich entstand aus diesem Aufenthalt seine „goldene Periode“, und die Faszination für das, was ihn so beeindruckt hatte, übertrug er auf einige seiner berühmtesten Meisterwerke, wobei er eine große Menge an Gold und ornamentale Motive verwendete, die in ihren Farben und Geometrien an Mosaiksteinchen erinnerten. Im „Porträt von Adele Bloch-Bauer I“ lassen sich diese Elemente deutlich erkennen: im Kleid, das durch kleine Dreiecke und ein besonderes Motiv geprägt ist, das an mandelförmige Augen erinnert, sowie im verzierten Hintergrund – ein eigenständiges ornamentales Universum, bestehend aus geschwungenen Linien, Spiralen, Quadraten, Ovalen und Halbkreisen, die in Bereiche unterteilt sind, als wären es Juwelen, Edelsteine und kostbare Stoffe, wobei die Grenzen zwischen diesem Hintergrund und dem Kleid verschwimmen. Außerdem sind die Initialen der Frau, „AB“, zu erkennen, die wiederholt auftauchen, als Zeichen ihrer Identität und Präsenz. Es ist unklar, ob Adele stehend dargestellt ist, als wäre ihr Körper in den ornamentalen Fluss eingetaucht, der ihn umgibt, oder ob sie auf einem Sessel sitzt. Die einzigen Teile, die nicht in das Ornament einbezogen und daher erkennbar sind, sind das Gesicht, die Haare, der Ausschnitt und die Hände. Der hypnotische Blick, die leicht geröteten Wangen und der halb geöffnete Mund mit intensiv roten Lippen vermitteln eine gewollte Sinnlichkeit, die im Kontrast zu einer fast monumentalen und feierlichen Körperhaltung steht. Die Hände, elegant, aber unnatürlich gefaltet, ziehen die Aufmerksamkeit auf sich: Hinter dieser Geste verbirgt sich eine persönliche Entscheidung des Modells, das einen deformierten Finger verbergen wollte – ein Zeichen von Verletzlichkeit, das die scheinbare Perfektion des Gesamtbildes durchbricht.
Um den Hals verleiht eine raffinierte Diamantkette, ein Hochzeitsgeschenk ihres Mannes, der Figur zusätzlichen Glanz, während eine Reihe goldener Armbänder ihr linkes Handgelenk schmücken. Ein Detail taucht dann im unteren linken Bereich des Gemäldes auf: eine schwarz-weiße Verzierung, die ausdrücklich an die dekorativen Elemente der Möbel im Stil der Wiener Werkstätte erinnert, den Wiener Werkstätten, die 1903 vom Architekten Josef Hoffmann, dem Bankier Fritz Wärndorfer und dem Maler Koloman Moser nach dem Vorbild der englischen und schottischen Arts-and-Crafts-Bewegung gegründet wurden und mit denen Klimt zusammenarbeitete. Diese Verbindung zwischen Malerei und Design ist typisch für die visuelle Kultur des Wiener Fin de Siècle, in der Kunst und Handwerk zu einer ganzheitlichen ästhetischen Vision, dem Gesamtkunstwerk, verschmelzen, d. h. zur Einbindung von Gegenständen von hohem ästhetischem und künstlerischem Wert wie Möbeln, Porzellan, Glas und Schmuck in den Alltag.
Als Tochter des Unternehmers Maurice Bauer stammte Adele aus einer wohlhabenden österreichischen Familie jüdischer Herkunft. Seit ihrer Jugend lebte sie in einem gebildeten und bürgerlichen Umfeld, wie es für das Wien des späten 19. Jahrhunderts typisch war. Im Alter von nur achtzehn Jahren heiratete sie Ferdinand Bloch, einen reichen Industriellen und Sohn eines Barons, dem eine florierende Zuckerraffinerie gehörte. Das Paar teilte eine große Leidenschaft für Kunst und Kultur, was dazu führte, dass sie zu den einflussreichsten Mäzenen des damaligen Wiens zählten und in ihrer Privatwohnung eine der bedeutendsten Kunstsammlungen der Stadt zusammenstellten. Diese Sammlung umfasste eine bemerkenswerte Auswahl an Gemälden von Künstlern der Wiener Biedermeierzeit, eine bedeutende Reihe von Skulpturen, Dekorationsgegenstände und kostbares Porzellan aus der berühmten Wiener Kaiserlichen Porzellanmanufaktur sowie zahlreiche Gemälde von Klimt, darunter mehrere Landschaften und die beiden Porträts von Adele, die Ferdinand selbst beim Künstler in Auftrag gegeben hatte. Tatsächlich beauftragte der Ehemann im Jahr 1903 Gustav Klimt, der damals als einer der innovativsten Maler der österreichischen Kunstszene galt, ein schönes Porträt von Adele anzufertigen, um ihren Eltern anlässlich ihres Hochzeitstags ein besonderes Geschenk zu machen. Allerdings benötigte Klimt weitaus mehr Zeit als erwartet, um das Werk fertigzustellen. Das Porträt erforderte über drei Jahre Arbeit und wurde erst 1907 fertiggestellt. Einige Jahre später, im Jahr 1912, schuf der Maler ein zweites Porträt derselben Frau, wodurch sie zur einzigen Person wurde, die von Klimt zweimal in voller Figur porträtiert wurde. Zu beachten ist zudem, dass Adele Bloch-Bauer auch in einem anderen berühmten Gemälde des Künstlers erscheint: Sie ist nämlich das Modell für das berühmte „Judith I“, das 1901 entstand und heute in der Österreichischen Galerie in Wien aufbewahrt wird. Ein Meisterwerk seiner Blütezeit, das die berühmte biblische Heldin mit dem Kopf des assyrischen Generals Holofernes in der Hand darstellt: ein sehr intensives und von großer Sinnlichkeit geprägtes Werk, in dem die Frau zum Symbol einer gefährlichen Erotik wird, was durch den Blick und die Handbewegung Judiths deutlich wird, die – indem sie ironisch und spöttisch das Haar des abgeschlagenen Kopfes des Generals streichelt – zu zeigen scheint, wozu sie allein fähig ist.
Seit 2006 befindet sich das „Porträt von Adele Bloch-Bauer I“ in der Neue Galerie in New York, doch seine Geschichte war so turbulent, dass sie 2015 sogar verfilmt wurde: „Woman in Gold“ unter der Regie von Simon Curtis, mit einer Besetzung, zu der unter anderem Helen Mirren, Ryan Reynolds, Daniel Brühl und Katie Holmes.
Im Jahr 1938, mit dem Anschluss und der Annexion Österreichs durch Nazideutschland, wurde die Familie Bloch-Bauer, die jüdischer Herkunft war, Opfer der schweren Diskriminierungspolitik und der systematischen Beschlagnahmungen durch das Regime. Zu den Vermögenswerten, die die Nazis der Familie beschlagnahmten, gehörten fünf Gemälde von Klimt. Ferdinand Bloch-Bauer, der sich der drohenden Gefahr bewusst war, sah sich gezwungen, aus Österreich zu fliehen und fand Zuflucht in der Schweiz. In den folgenden Jahren gelang es Ferdinand trotz zahlreicher erfolgloser Versuche, die beschlagnahmten Vermögenswerte zurückzuerhalten, nicht, Gerechtigkeit zu erlangen. Vor seinem Tod beschloss er daher, ein endgültiges Testament zu verfassen, in dem er klar seinen Willen zum Ausdruck brachte, sein gesamtes Vermögen, einschließlich der fünf Gemälde von Klimt, seinen engsten Familienangehörigen zu hinterlassen: drei Enkelkinder, darunter Maria Altmann, die später zur Protagonistin eines der berühmtesten Rechtsstreite um die Rückgabe von während der Nazizeit geraubten Kunstwerken werden sollte.
Auch Maria war 1938 gezwungen, gemeinsam mit ihrem Ehemann aus Österreich zu fliehen, um der antisemitischen Verfolgung zu entgehen. Den beiden gelang die Auswanderung in die Vereinigten Staaten, und sie ließen sich in Kalifornien nieder, wo Maria über sechzig Jahre lang lebte. Während dieser langen Zeit schien die Möglichkeit, das Familienerbe zurückzuerhalten, in weiter Ferne zu liegen. Im Jahr 1998 tauchten jedoch Archivdokumente auf, die eindeutig belegten, dass Ferdinand Bloch-Bauer nie die Absicht gehabt hatte, die fünf Klimt-Gemälde dem Belvedere-Museum in Wien, wo sie damals ausgestellt waren, als Leihgabe zu überlassen. Gestützt auf diese Beweise beschloss Maria Altmann, rechtliche Schritte einzuleiten und die Rückgabe der Werke auf der Grundlage des Kunstrückgabegesetzes zu fordern. Die österreichischen Behörden lehnten ihren Antrag ab. Daraufhin reichte Maria eine Klage in den Vereinigten Staaten, im Bundesstaat Kalifornien, ein. Der Rechtsstreit zog sich über mehrere Jahre hin und erregte internationales Aufsehen, bis er schließlich vor den Obersten Gerichtshof der Vereinigten Staaten gelangte. Es kam zu einer Einigung zwischen der österreichischen Regierung und Maria Altmann, die ein bindendes Schiedsverfahren vorsah. Maria wurde vom amerikanischen Anwalt Randol Schoenberg rechtlich unterstützt und vertreten. Im Jahr 2005 wurde festgestellt, dass die fünf Klimt-Gemälde unrechtmäßig entwendet worden waren und an die rechtmäßigen Erben zurückgegeben werden mussten, darunter auch das „Porträt von Adele Bloch-Bauer I“. Kurz darauf, im Jahr 2006, wurde dieses Meisterwerk von Ronald S. Lauder, Kunstsammler, Unternehmer und Mitbegründer der Neuen Galerie in New York, für die Rekordsumme von 135 Millionen Dollar erworben – damals der höchste Preis, der jemals für ein Gemälde gezahlt worden war. Seitdem ist das „Porträt von Adele Bloch-Bauer I“ zum Herzstück der Sammlung der Neuen Galerie geworden, ein Symbol für Erinnerung und wiedergewonnene Gerechtigkeit.
Das „Porträt von Adele Bloch-Bauer I“ ist nicht nur eines der symbolträchtigsten Werke aus Klimts goldenem Zeitalter, sondern auch ein kraftvoller Ausdruck des Geistes der Wiener Secession, zu deren Gründern der Künstler selbst gehörte. Die Verwendung von Gold, die dieses Gemälde ebenso wie andere Meisterwerke aus dieser Zeit prägt, erinnert unmittelbar an die berühmte vergoldete Kuppel des Secessionsgebäudes in Wien, dem architektonischen Symbol der 1897 gegründeten Bewegung, in dessen Inneren das berühmte „Beethoven-Fries“ von Gustav Klimt aufbewahrt wird, das er als Hommage an den Komponisten für die XIV. Ausstellung der Vereinigung bildender Künstler der Österreichischen Secession im Jahr 1902 schuf . Diese fast kugelförmige Kuppel, bestehend aus einem Geflecht aus 2.500 vergoldeten Lorbeerblättern und 311 Beeren, verkörpert denselben Wunsch nach Erneuerung, ästhetischer Raffinesse und einem Bruch mit dem Akademismus, der sich auch in dem Porträt wiederfindet. Beide teilen nämlich eine Ästhetik, die Dekorativität mit symbolischer Tiefe verbindet: Das Gold ist nicht nur Verzierung, sondern wird zum Ausdruck einer echten Kultursprache, die Tradition und Moderne vereint; es ist ein kostbares Material, das jedoch zum Symbol des Bruchs mit dem Akademismus wird. In diesem Sinne kann das „Porträt von Adele Bloch-Bauer I“ als Ausdruck der Werte der Secession gelesen werden: „Jeder Epoche ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit“, wie das Motto der Bewegung lautet, das am Palast oben unter der Kuppel auf einer Art Gebälk geschrieben steht.
Gold. Gold auf den Leinwänden, in den dekorativen Hintergründen, in den Gewändern der porträtierten Figuren, in der Architektur. Es ist mehr als eine Farbe oder ein Material: Es ist das charakteristische Merkmal, das die Kunst von Gustav Klimt sofort erkennbar macht. Es ist dieser unverwechselbare goldene Glanz, der seine Kunst zu einer einzigartigen Bildsprache macht, die Form und Bedeutung in einem perfekten und unnachahmlichen Gleichgewicht vereint.
Der Autor dieses Artikels: Ilaria Baratta
Giornalista, è co-fondatrice di Finestre sull'Arte con Federico Giannini. È nata a Carrara nel 1987 e si è laureata a Pisa. È responsabile della redazione di Finestre sull'Arte.
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