Chaque année, en Italie, on assiste à de nombreuses expositions, en nombre presque incalculable. Dans chacune d’elles, il y a presque toujours quelque chose d’intéressant: une aventure, une confrontation entre œuvres et styles, ou encore la possibilité de voir comment différents commissaires abordent un même artiste. Cela ne les rend toutefois pas toutes indispensables, loin s’en faut. On pourrait certainement se passer de bon nombre d’entre elles. Dans un paysage boulimique, où la majorité des expositions perdent toute ambition d’étude et de recherche pour courir après le profit économique, se posant simplement en événements de divertissement, je trouve incroyablement fascinantes et obstinément romantiques les expositions qui naissent loin des centres reconnus et fréquentés par le circuit des expositions, dans des contextes mineurs et périphériques, dans le but de mettre en valeur une particularité du territoire ou l’un de ses enfants célèbres. Certes, on pourra objecter qu’elles sont souvent le fruit d’une fierté civique, parfois grandiloquente, chauvine et autocélébratoire. Mais il n’en reste pas moins que, même si ces aspects sont omniprésents, tout comme l’accusation de provincialisme – qui, en Italie, pèse comme une condamnation définitive et sans appel –, il s’agit souvent de projets de grande valeur, car ils conservent un lien avec le contexte géographique et culturel dont ils sont issus, lien essentiel pour en comprendre les raisons. C’est à cette catégorie qu’appartient l’exposition « Gino Severini. La modernité comme dialogue », organisée au MAEC de Cortona et ouverte au public jusqu’au 1er novembre 2026.
Gino Severini (Cortona, 1883 – Paris, 1966) fut un artiste qui a joué un rôle parfois déterminant dans certaines évolutions de l’art italien du début du XXe siècle ; pourtant, sa notoriété auprès du grand public n’est pas à la hauteur de l’importance historique qu’il a revêtue. Une importance que l’exposition de Cortona parvient à mettre en lumière grâce à une présentation de taille modeste, mais articulée autour de prêts significatifs provenant, par exemple, du Centre Pompidou à Paris,de l’Estorick Collection à Londres, du Museo del Novecento à Milan et de la Pinacothèque vaticane. On ne peut qu’imaginer les efforts organisationnels (et financiers) que l’arrivée d’œuvres dispersées à travers l’Europe et l’Italie, parmi lesquelles la gigantesque *La danse du Pan-Pan à Monico*, a dû exiger d’une institution aux moyens certainement limités. Cet engagement a toutefois porté ses fruits, puisqu’il a permis aux commissaires Daniela Fonti et Margherita d’Ayala Valva de retracer le parcours d’un artiste tel que Severini, à l’occasion du soixantième anniversaire de sa disparition, et de reconnaître son rôle de médiateur entre les cultures et les langages, capable d’évoluer sans gêne entre des contextes radicalement différents, tels que la province rurale toscane ou le Paris fastueux, en apportant des contributions significatives à des mouvements comme le futurisme et le cubisme, tout en oscillant entre modernité et tradition, aspirations à l’abstraction et confrontation avec l’art sacré.
Cette exploration permanente des possibilités expressives de l’art est présentée dans l’exposition de Cortona non seulement en confrontation avec les artistes de son époque, qui étaient pour lui des collègues et des amis (tels que Balla, Boccioni, Picasso), mais aussi avec les maîtres du passé, représentés ici par la « Vierge à l’Enfant trônant avec des anges » du Maître de Lucques, prêtée par la Galerie de l’Académie de Florence, et par le Saint François de Margaritone, provenant du Musée d’art médiéval d’Arezzo, mais aussi à travers les nombreuses œuvresde l’Académie étrusque, exposées en permanence au musée, parmi lesquelles des œuvres de Luca Signorelli et des petits bronzes étrusques dont Severini avait envoyé des photographies à Picasso.
Et c’est précisément à Cortona, sa ville natale, que cette exposition devient non seulement utile, mais indispensable. Les œuvres de Severini et de son milieu culturel , exposées ici au Palazzo Casali, siège du MAEC, qui possède déjà un important fonds donné par l’artiste lui-même, entretiennent un dialogue constant avec le territoire environnant. C’est précisément à Cortona que Severini n’est pas seulement l’artiste célébré dans les salles d’un musée, mais un véritable genius loci, que l’on s’imagine croiser sur la Piazza Garibaldi, en train de contempler attentivement la splendide campagne qui s’étend jusqu’au lac Trasimène. Tout est imprégné de sa mémoire : les rues et les ruelles racontent les lieux qui l’ont vu naître et grandir, les églises où sont conservés de grands chefs-d’œuvre d’artistes toscans tels que Signorelli, Beato Angelico, Bartolomeo della Gatta, Pietro da Cortona, que le jeune artiste a étudiés, jusqu’à ces lieux où il a voulu laisser son empreinte. On y trouve le Chemin de Croix qui serpente sur une longue partie du village, avec les cartons préparatoires conservés au Musée diocésain, ainsi que l’extraordinaire mosaïque réalisée pour l’église Saint-Marc, sans oublier les autres œuvres conservées dans les églises, en plus de sa tombe. C’est précisément en raison de cette richesse que l’exposition peut, et doit même, être appréhendée en lien avec le territoire, son histoire et ses lieux.
Formé à Cortona, pratiquement en autodidacte, Severini y resta jusqu’à l’âge de seize ans ; il n’est donc pas surprenant que ses débuts se soient nourris de l’enseignement de la Macchia, qui inculqua au jeune artiste une certaine aptitude à restituer le vrai, sans rhétorique ni autres artifices. Ce fut un terrain fertile sur lequel prit racine la peinture divisionniste que Severini put apprendre auprès du maître Giacomo Balla, partageant cette formation avec Umberto Boccioni, qu’il fréquenta dès son arrivée à Rome. D’ailleurs, peut-être avait-il déjà pu s’initier à cette peinture en Toscane, auprès de Benvenuto Benvenuti, élève de Vittore Grubicy de Dragon, tous deux représentés par un tableau dans l’exposition. Mais ce qui frappe dans cette première section, ce ne sont pas tant les paysages que les portraits tels que *La Bohémienne*, le *Portrait de ma mère*, celui de son père,l’*Autoportrait* et la *Jeune fille en bleu*. Des œuvres qui montrent comment, en l’espace de quelques années, Severini parvient à concilier différentes approches, en cultivant un intérêt pour le portrait qui l’accompagnera toute sa vie. On y retrouve à la fois l’influence post-macchiaiola, le divisionnisme et l’ouverture à un portrait plus moderne, jouant sur les accords chromatiques et la géométrie compositionnelle. Plutôt que de se cantonner à des solutions sûres, il semble rechercher ce qui peut l’éloigner de l’académisme, à travers des choix tant formels que thématiques.
La comparaison entre les deux dessins, tous deux provenant de la Pinacothèque du Divisionnisme de Tortona, *La grue* de Severini et *Maison en construction* de Boccioni, est également intéressante, car elle montre l’intérêt des deux artistes pour les transformations de la société. Ici, le chantier est encore considéré comme un simple fait d’actualité, mais quelques années plus tard, chez Boccioni, ce même thème éclatera dans une explosion de force, de mouvement et de couleurs dans *La ville qui s’élève*. Les œuvres des deux artistes suggèrent également à quel point les idées socialistes et marxistes avaient pris racine en eux, sans pour autant se traduire par un programme continu de peinture sociale. Mais le tournant artistique eut lieu en 1906, à la suite de son installation à Paris, la même année qui vit un autre grand Toscan rejoindre la Ville Lumière, Amedeo Modigliani, avec lequel Severini noua une amitié, comme il le raconte dans son autobiographie. Cependant, contrairement à son compatriote de Livourne, Severini ne coupa pas complètement le cordon ombilical avec l’Italie ; il conserva au contraire son rôle de passerelle, essentiel pour les développements du futurisme.
L’exposition ne se présente pas comme une anthologie, mais permet de suivre le parcours de l’artiste originaire de Cortona à travers ses expériences et ses thèmes. Gino Severini fut certes l’une des figures de proue du premier futurisme, mais il conserva toujours une attitude plus indépendante et moins dogmatique que les autres, laissant transparaître dans son art une fascination délibérée et non dissimulée pour le cubisme. Mais le rôle de médiateur de Severini ressort également entre deux courants italiens : le groupe milanais des futuristes et celui de Florence lié à la revue *Lacerba*, qui, grâce à sa contribution, se sont retrouvés dans l’exposition florentine organisée à la Galerie Gonnelli en 1913-1914.
Si des œuvres telles que le célèbre Autoportrait du château de Rivoli, où son image de dandy au monocle et au chapeau melon est construite à partir de courbes, de plans qui s’interpénètrent et de quelques attributs distinctifs, ou Danseuse (Danseuse + mer), où la figure dansante est traduite en formes, des traits et des couleurs qui expriment l’énergie du mouvement, témoignant d’une adhésion totale aux codes stylistiques promus par le groupe dirigé par Marinetti, c’est dans le grand chef-d’œuvre *La danse du Pan-Pan à Monico* que l’on découvre comment Severini parvient à garder un pied dans les deux avant-gardes. L’œuvre, peinte en 1911 et vendue en Allemagne, où elle disparut, probablement détruite pendant la guerre, fut repeinte par l’artiste de Cortona, alors déjà âgé, entre 1959 et 1960, et représente une danse très animée dans une salle parisienne. À travers un kaléidoscope de couleurs se présente une composition extrêmement animée, où chaque élément entretient un rapport avec le suivant, tout en étant dépouillée de cette rigueur virile et héroïque propre aux œuvres futuristes ; de même, le mouvement n’est pas une violence de plans qui s’enroulent et se plient, mais l’harmonie d’un gigantesque carnaval.
Les sections suivantes démontrent à quel point Severini a toujours su explorer les capacités expressives et formelles de l’art, fuyant l’idée d’un artiste qui progresse de manière linéaire d’une expérience à l’autre, mais capable au contraire de faire coexister simultanément des approches même très différentes les unes des autres. Son intérêt pour diverses formes d’art et leurs applications, son exploration du nombre d’or, l’exemple offert par les maîtres anciens, sa volonté de se confronter à l’art sacré en renouvelant sa symbolique, l’art mural et la mosaïque ainsi que leur dialogue avec l’espace ne sont que quelques-unes des directions prises par sa recherche.
Dans La Maternité de 1916, conservée à Cortone, son épouse Jeanne, avec le petit Antonio, retrouve une présence pleinement figurative, recueillie et sévère, monumentale et solide comme les madones de l’Antiquité, et s’impose probablement comme l’une des principales œuvres annonçant le retour ultérieur à l’ordre. La comparaison avec l’autre *Maternité* exposée ici, celle de 1920, où la femme tient dans ses bras sa fille Gina, montre à quel point cette recherche pouvait conduire à des résultats différents : ici, ce sont des accords chromatiques plus vifs qui dominent, tandis que la figure et l’espace sont soumis à un système de proportions d’or. Les esquisses et les études exposées permettent de suivre le travail qui a précédé le tableau, rendant visible cette recherche d’une règle que Severini allait développer dans son traité *Du cubisme au classicisme* de 1921. La peinture et l’écriture avancent de pair, dans la tentative ambitieuse de fonder la composition sur des rapports vérifiables. Une recherche qui l’aurait également conduit à se heurter à des artistes et théoriciens de son milieu, démontrant à quel point le dialogue évoqué par le titre était loin d’être pacifique. Cette volonté de construction trouve un autre terrain favorable dans la décoration et dans le rapport à l’architecture. Les masques de la Commedia dell’Arte, des fresques de Montegufoni aux panneaux destinés à la maison parisienne du marchand Léonce Rosenberg, permettent à Severini d’articuler des personnages et des décors comme les éléments d’une scène. Dans des œuvres telles que *L’Équilibriste*, personnages et ruines appartiennent à des époques différentes, juxtaposés dans un espace artificiel et suspendu. Le théâtre fait ainsi son entrée dans la peinture à travers ses sujets, mais aussi en tant que possibilité d’organiser le tableau, préparant ainsi des expériences scéniques qui verront le jour plus tard.
C’est toutefois dans l’activité religieuse que la confrontation entre les langages devient la plus exigeante et la plus significative. Après son retour à la foi en 1923, Severini aborde, dans les églises de Suisse romande, le problème de donner une forme moderne à l’art sacré. Esquisses, tracés et études témoignent d’une recherche qui mêle à la fois iconographie, techniques et rapport à l’édifice. À Semsales, où il affirma avoir peint une église cubiste, il se heurta à des résistances et à des incompréhensions, qui n’ont toutefois pas interrompu le chantier. La géométrie s’y confronte ici à la fonction des images et à leur capacité à s’adresser à une communauté.
Dans cette section, les juxtapositions avec les œuvres anciennes prennent tout leur sens. La Vierge du Maître de Lucques, le Saint François de Margaritone d’Arezzo et la mosaïque de la Vierge en prière du MAEC illustrent le terrain sur lequel Severini cherchait une tradition à interroger et à mettre à l’épreuve, remontant même au-delà de Giotto, jusqu’aux modèles byzantins. Des projets suisses, on revient enfin au Chemin de Croix et à la mosaïque de Saint-Marc, œuvres qui ramènent le parcours dans les rues et les églises de Cortona. Dans les stations du Chemin de Croix, la force expressive ne semble pas être la même que celle recherchée dans les églises suisses, et parfois la géométrisation semble n’être qu’un simple exercice de style. Enfin, il convient de souligner avec plaisir que cette riche exposition s’accompagne d’un catalogue contenant de nouvelles études consacrées au peintre, démontrant qu’il est encore possible d’organiser des expositions qui se posent comme un point de rencontre entre divertissement, dialogue avec le territoire et recherche. En conclusion, on pourrait dire : une exposition qui fait du bien aux yeux, mais aussi à l’esprit et au cœur. On découvre ainsi comment Cortona conserve les traces d’un artiste qui, traversant la modernité européenne, n’a cessé de chercher dans ses propres origines les outils pour la comprendre et lui donner forme. Et l’exposition « Gino Severini. La modernité comme dialogue est une excellente occasion de redécouvrir une personnalité peut-être plus discrète que d’autres du début du XXe siècle, mais non moins intéressante pour autant.
L'auteur de cet article: Jacopo Suggi
Nato a Livorno nel 1989, dopo gli studi in storia dell'arte prima a Pisa e poi a Bologna ho avuto svariate esperienze in musei e mostre, dall'arte contemporanea alle grandi tele di Fattori, passando per le stampe giapponesi e toccando fossili e minerali, cercando sempre la maniera migliore di comunicare il nostro straordinario patrimonio. Cresciuto giornalisticamente dentro Finestre sull'Arte, nel 2025 ha vinto il Premio Margutta54 come miglior giornalista d'arte under 40 in Italia.Avertissement : la traduction en français de l'article original italien a été réalisée à l'aide d'outils automatiques. Nous nous engageons à réviser tous les articles, mais nous ne garantissons pas l'absence totale d'inexactitudes dans la traduction dues au programme. Vous pouvez trouver l'original en cliquant sur le bouton ITA. Si vous trouvez une erreur,veuillez nous contacter.
IT
EN
DE
ES
CN
