Gino Severini, ein Genius Loci im Herzen der Moderne. Wie ist die Ausstellung in Cortona?

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Jedes Jahr finden in Italien zahlreiche Ausstellungen statt, deren Anzahl fast unüberschaubar ist. In jeder Ausstellung gibt es fast immer etwas Interessantes: ein Abenteuer, eine Gegenüberstellung von Werken und Stilen oder auch die Möglichkeit zu sehen, wie verschiedene Kuratoren denselben Künstler interpretieren. Das macht sie jedoch nicht alle unverzichtbar, ganz im Gegenteil. Auf viele könnten wir sicherlich auch verzichten. In einer überfluteten Landschaft, in der die Mehrheit der Ausstellungen jeden Anspruch auf Studium und Forschung verliert, um dem wirtschaftlichen Gewinn nachzujagen, und sich lediglich als Unterhaltungsereignisse präsentiert, finde ich jene Ausstellungen unglaublich faszinierend und hartnäckig romantisch, die fernab der anerkannten und von der Ausstellungsbranche frequentierten Zentren entstehen – in kleineren und peripheren Kontexten –, mit dem Ziel, eine Besonderheit der Region oder einen ihrer berühmten Söhne zu würdigen. Sicherlich lässt sich einwenden, dass sie nicht selten das Ergebnis eines städtischen Stolzes sind, der bisweilen bombastisch, lokalpatriotisch und selbstverherrlichend wirkt. Dennoch bleiben sie oft wertvolle Projekte, auch wenn diese Aspekte immer im Hintergrund lauern, ebenso wie der Vorwurf des Provinzialismus, der in Italien wie ein endgültiges Urteil ohne Berufungsmöglichkeit wiegt, denn sie bewahren eine Verbindung zu dem geografischen und kulturellen Kontext, aus dem sie hervorgehen – eine Verbindung, die für das Verständnis ihrer Beweggründe unerlässlich ist. Zu dieser Kategorie gehört die Ausstellung „Gino Severini. Modernität als Dialog“, die im MAEC in Cortona zu sehen ist und bis zum 1. November 2026 besucht werden kann.

Gino Severini (Cortona, 1883 – Paris, 1966) war ein Künstler, der in gewisser Weise entscheidend für bestimmte Entwicklungen der italienischen Kunst des frühen 20. Jahrhunderts war, doch seine Bekanntheit in der breiten Öffentlichkeit steht in keinem Verhältnis zu der historischen Bedeutung, die er hatte. Eine Bedeutung, die die Ausstellung in Cortona mit einer zwar überschaubaren, aber auf bedeutenden Leihgaben basierenden Schau wiedergeben kann, die beispielsweise aus dem Centre Pompidou in Paris,der Estorick Collection in London, dem Museo del Novecento in Mailand und der Pinacoteca Vaticana stammen. Wir können uns nur vorstellen, welche organisatorischen (und finanziellen) Anstrengungen es für eine Einrichtung mit sicherlich begrenzten Mitteln bedeutet haben muss, Werke aus ganz Europa und Italien zusammenzutragen, darunter das gigantische Werk „La danse du Pan-Pan à Monico“. Der Einsatz hat sich jedoch gelohnt, denn er ermöglichte es den Kuratorinnen Daniela Fonti und Margherita d’Ayala Valva, 60 Jahre nach seinem Tod den Werdegang eines Künstlers wie Severini nachzuzeichnen und seine Rolle als Vermittler zwischen Kulturen und Ausdrucksformen zu würdigen, der sich mühelos in radikal unterschiedlichen Kontexten wie der ländlichen toskanischen Provinz oder dem glanzvollen Paris bewegte und bedeutende Beiträge zu Bewegungen wie dem Futurismus und dem Kubismus leistete, wobei er auch zwischen Moderne und Tradition, dem Streben nach Abstraktion und der Auseinandersetzung mit der sakralen Kunst hin- und herwechselte.

Diese fortwährende Auseinandersetzung mit den Ausdrucksmöglichkeiten der Kunst wird in der Ausstellung in Cortona nicht nur im Vergleich zu den Künstlern seiner Zeit betrachtet, die für ihn Kollegen und Freunde waren (wie Balla, Boccioni, Picasso), sondern auch mit den Meistern der Vergangenheit, die hier durch die „Thronende Madonna mit Kind und Engeln“ des „Maestro Lucchese“, eine Leihgabe der Galleria dell’Accademia in Florenz, sowie durch den „San Francesco von Margaritone“ aus dem Museo d’Arte Medievale in Arezzo, sondern auch durch die zahlreichen Werkeder Accademia Etrusca, die dauerhaft im Museum ausgestellt sind, darunter Werke von Luca Signorelli und etruskische Bronzeskulpturen, von denen Severini Fotos an Picasso schickte.

Und gerade in Cortona, seiner Geburtsstadt, wird diese Ausstellung nicht nur sinnvoll, sondern unverzichtbar. Die Werke von Severini und seines kulturellen Umfelds , die hier im Palazzo Casali, dem Sitz des MAEC, ausgestellt sind – das bereits über einen bedeutenden, vom Künstler selbst gestifteten Bestand verfügt –, stehen in einem ständigen Dialog mit der umgebenden Landschaft. Gerade in Cortona, wo Severini nicht nur der in den Sälen eines Museums gefeierte Künstler ist, sondern ein authentischer „Genius Loci“, den man sich auf der Piazza Garibaldi vorstellen kann, wie er aufmerksam die herrliche Landschaft betrachtet, die sich bis zum Trasimenischen See erstreckt. Alles ist von seiner Erinnerung durchdrungen: Die Straßen und Gassen erzählen von den Orten, an denen er geboren wurde und aufwuchs, von den Kirchen, in denen große Meisterwerke toskanischer Künstler wie Signorelli, Beato Angelico, Bartolomeo della Gatta und Pietro da Cortona aufbewahrt werden, die der junge Künstler studierte, bis hin zu jenen Orten, an denen er Spuren hinterlassen wollte. Hier gibt es den Kreuzweg, der sich über einen langen Abschnitt des Ortes schlängelt, mit den im Diözesanmuseum aufbewahrten Vorentwürfen, und das außergewöhnliche Mosaik, das für die Kirche San Marco geschaffen wurde, zusammen mit anderen Werken, die in den Kirchen aufbewahrt werden, sowie seinem Grab. Gerade wegen dieses Reichtums kann und muss die Ausstellung im Zusammenhang mit der Region, ihrer Geschichte und ihren Orten betrachtet werden.

Severini, der in Cortona praktisch als Autodidakt ausgebildet wurde, blieb dort bis zu seinem sechzehnten Lebensjahr; es überrascht daher nicht, dass seine Anfänge von den Lehren der Macchia geprägt waren, die dem jungen Künstler eine gewisse Begabung für die Wiedergabe des Wahren vermittelte, ohne Rhetorik oder andere künstliche Mittel. Dies war ein fruchtbarer Boden, auf dem die divisionistische Malerei Fuß fasste, die Severini von seinem Meister Giacomo Balla erlernen konnte; diese Ausbildung teilte er mit Umberto Boccioni, mit dem er seit seiner Ankunft in Rom verkehrte. Im Übrigen hatte er diese Malweise vielleicht schon in der Toskana bei Benvenuto Benvenuti, einem Schüler von Vittore Grubicy de Dragon, kennenlernen können; beide sind mit einem Gemälde in der Ausstellung vertreten. Doch was in diesem ersten Abschnitt besonders beeindruckt, sind weniger die Landschaften als vielmehr die Porträts wie „La Bohémienne“, das „Porträt meiner Mutter“, das „Porträt meines Vaters“,das „Selbstporträt“ und das „Mädchen in Blau“. Werke, die zeigen, wie es Severini innerhalb weniger Jahre gelang, verschiedene Stile miteinander zu verbinden und dabei ein Interesse an der Porträtmalerei zu pflegen, das ihn sein ganzes Leben lang begleiten sollte. Hier vereinen sich die Lehren der Post-Macchiaioli, der Divisionismus und die Offenheit für eine modernere Porträtmalerei, die mit Farbharmonien und kompositorischer Geometrie spielt. Anstatt sich auf sichere Lösungen zu beschränken, scheint er durch sowohl formale als auch thematische Entscheidungen nach dem zu suchen, was ihn weit weg von der Akademie führen kann.

Interessant ist auch der Vergleich zwischen den beiden Zeichnungen, die beide aus der Pinacoteca del Divisionismo in Tortona stammen: Severinis „La gru“ und Boccionis „Casa in costruzione“, die das Interesse der beiden Künstler an den gesellschaftlichen Veränderungen verdeutlichen. Hier wird die Baustelle noch als alltägliches Ereignis betrachtet, doch wenige Jahre später wird dasselbe Thema bei Boccioni in „Die aufsteigende Stadt“ in einer Explosion aus Kraft, Bewegung und Farben zum Ausdruck kommen. Die Werke der beiden Künstler lassen zudem erkennen, wie sehr sozialistische und marxistische Ideen sie geprägt hatten, ohne sich jedoch in einem kontinuierlichen Programm sozialer Malerei niederschlagen zu haben. Der künstlerische Wendepunkt erfolgte jedoch 1906 nach seinem Umzug nach Paris – im selben Jahr, in dem ein weiterer großer Toskaner die „Ville Lumière“ erreichte: Amedeo Modigliani, mit dem Severini eine Freundschaft schloss, wie er in seiner Autobiografie berichtet. Im Gegensatz zu dem aus Livorno stammenden Modigliani trennte Severini jedoch die Nabelschnur zu Italien nicht vollständig ab, sondern behielt vielmehr seine Rolle als Brücke bei, die für die Entwicklungen des Futurismus von grundlegender Bedeutung war.

Die Ausstellung ist nicht als Anthologie konzipiert, sondern ermöglicht es, den Weg des Künstlers aus Cortona anhand seiner Erfahrungen und Themen nachzuvollziehen. Gino Severini war zweifellos eine der herausragenden Persönlichkeiten des frühen Futurismus, behielt jedoch stets eine unabhängigere und weniger dogmatische Haltung als die anderen bei, sodass in seiner Kunst auch eine bewusste und unverhüllte Faszination für den Kubismus zum Ausdruck kam. Doch Severinis Rolle als Vermittler zeigt sich auch zwischen zwei italienischen Strömungen: der Mailänder Gruppe der Futuristen und der mit der Zeitschrift „Lacerba“ verbundenen Florentiner Gruppe, die durch seinen Beitrag in die Florentiner Ausstellung in der Galleria Gonnelli 1913–14 einflossen.

Ob Werke wie das berühmte „Selbstporträt im Schloss von Rivoli“, in dem sein Dandy-Bild mit Monokel und Melone durch Kurven, ineinander übergehende Ebenen und wenige charakteristische Merkmale konstruiert ist, oder „Danseuse (Tänzerin + Meer)“, in dem die tanzende Figur in Formen, Zeichen und Farben, die die Energie der Bewegung zum Ausdruck bringen und eine vollständige Übereinstimmung mit den von der von Marinetti angeführten Gruppe geförderten Stilelementen zeigen, offenbart sich jedoch erst in dem großen Meisterwerk „La danse du Pan-Pan à Monico“, wie es Severini gelingt, mit einem Fuß in beiden Avantgarden zu stehen. Das 1911 gemalte Werk wurde nach Deutschland verkauft, wo es verschwand und wahrscheinlich während des Krieges zerstört wurde; es wurde vom mittlerweile betagten Künstler aus Cortona zwischen 1959 und 1960 neu gemalt und zeigt einen überfüllten Tanz in einem Pariser Lokal. Durch ein Kaleidoskop aus Farben präsentiert sich eine äußerst bewegte Komposition, in der jedes Einzelteil in Beziehung zum nächsten steht, und doch frei von jener männlichen und heroischen Strenge futuristischer Werke ist; ebenso ist die Bewegung keine Gewalt sich umschlingender und biegender Ebenen, sondern die Harmonie eines gigantischen Karnevals.

Die folgenden Abschnitte zeigen, wie Severini stets in der Lage war, die Ausdrucks- und Formmöglichkeiten der Kunst auszuloten, wobei er die Vorstellung eines Künstlers ablehnte, der linear von einer Erfahrung zur nächsten schreitet, sondern stattdessen in der Lage war, auch sehr unterschiedliche Anliegen gleichzeitig aufrechtzuerhalten. Das Interesse an verschiedenen Kunstformen und deren Anwendungen, die Auseinandersetzung mit dem Goldenen Schnitt, das Vorbild der alten Meister, der Wille, sich mit der sakralen Kunst auseinanderzusetzen und deren Symbolik zu erneuern, die Wand- und Mosaikkunst sowie deren Dialog mit dem Raum sind nur einige der Richtungen, die seine Forschung einschlug.

In dem 1916 entstandenen Gemälde „Maternità“, das sich in Cortona befindet, erscheint seine Frau Jeanne mit dem kleinen Antonio in einer durch und durch figurativen Darstellung, zurückhaltend und streng, monumental und solide wie die Madonnen der Antike, und das Werk gilt wahrscheinlich als eines der wichtigsten, die die spätere Rückkehr zur Ordnung vorwegnehmen. Der Vergleich mit der anderen hier ausgestellten „Mutterschaft“ aus dem Jahr 1920, in der die Frau ihre Tochter Gina im Arm hält, zeigt, wie sehr diese Suche zu unterschiedlichen Ergebnissen führen konnte: Hier dominieren lebhaftere Farbkombinationen, während Figur und Raum einem System des Goldenen Schnitts unterliegen. Die ausgestellten Skizzen und Studien ermöglichen es, die dem Gemälde vorausgehende Arbeit nachzuvollziehen und machen jene Suche nach einer Regel sichtbar, die Severini 1921 in seiner Abhandlung „Du cubisme au classicisme“ dargelegt hätte. Malerei und Schrift gehen Hand in Hand in dem ehrgeizigen Versuch, die Komposition auf überprüfbare Verhältnisse zu gründen. Eine Suche, die ihn auch dazu bringen sollte, mit Künstlern und Theoretikern seines Umfelds in Konflikt zu geraten, was zeigt, wie wenig friedlich der im Titel angedeutete Dialog tatsächlich war. Dieser Wille zur Konstruktion findet ein weiteres günstiges Betätigungsfeld in der Dekoration und in der Beziehung zur Architektur. Die Masken der Commedia dell’Arte – von den Fresken in Montegufoni bis hin zu den Wandtafeln für das Pariser Haus des Kaufmanns Léonce Rosenberg – ermöglichen es Severini, Figuren und Räume als Elemente einer Szene zu gestalten. In Werken wie *L’Équilibriste* gehören Figuren und Ruinen verschiedenen Epochen an und werden in einem künstlichen, schwebenden Raum nebeneinander gestellt. Das Theater hält somit durch seine Motive Einzug in die Malerei, aber auch als Möglichkeit, das Bild zu gestalten und szenische Erfahrungen vorzubereiten, die erst später zum Tragen kommen.

Doch gerade im religiösen Schaffen wird die Auseinandersetzung zwischen den Ausdrucksformen anspruchsvoller und bedeutungsvoller. Nach seiner Rückkehr zum Glauben im Jahr 1923 setzt sich Severini in den Kirchen der Westschweiz mit der Aufgabe auseinander, der sakralen Kunst eine moderne Form zu geben. Skizzen, Entwürfe und Studien zeugen von einer Suche, die Ikonografie, Techniken und das Verhältnis zum Gebäude gleichermaßen einbezieht. In Semsales, wo er behauptete, eine kubistische Kirche gemalt zu haben, stieß er auf Widerstand und Unverständnis, was die Bauarbeiten jedoch nicht zum Stillstand brachte. Die Geometrie setzt sich hier mit der Funktion der Bilder und ihrer Fähigkeit auseinander, eine Gemeinschaft anzusprechen.

In diesem Abschnitt gewinnen die Gegenüberstellungen mit antiken Werken besondere Bedeutung. Die Madonna des Maestro Lucchese, der Heilige Franziskus von Margaritone d’Arezzo und das Mosaik der betenden Jungfrau im MAEC zeigen den Nährboden, auf dem Severini nach einer Tradition suchte, die er hinterfragen und auf die Probe stellen wollte, wobei er sogar über Giotto hinaus bis zu byzantinischen Vorbildern zurückging. Von den Schweizer Projekten kehrt man schliesslich zum Kreuzweg und zum Mosaik von San Marco zurück, Werke, die den Weg zurück in die Strassen und Kirchen von Cortona führen. In den Stationen des Kreuzwegs scheint die Ausdruckskraft nicht dieselbe zu sein wie die, die in den Schweizer Kirchen angestrebt wurde, und manchmal scheint die Geometrisierung nur noch eine Stilübung zu werden. Schließlich ist es erfreulich hervorzuheben, dass diese reichhaltige Ausstellung von einem Katalog mit neuen Studien über den Maler begleitet wird, was zeigt, dass es nach wie vor möglich ist, Ausstellungen zu gestalten, die als Schnittstelle zwischen Unterhaltung, Dialog mit der Region und Forschung fungieren. Abschließend könnte man sagen: eine Ausstellung, die den Augen, aber auch dem Verstand und dem Herzen gut tut. So entdeckt man, wie Cortona die Spuren eines Künstlers bewahrt, der, während er die europäische Moderne durchlief, unermüdlich in seinen eigenen Wurzeln nach Mitteln suchte, um sie zu verstehen und ihr Gestalt zu geben. Und die Ausstellung „Gino Severini. Modernität als Dialog“ eine hervorragende Gelegenheit, eine Persönlichkeit wiederzuentdecken, die vielleicht zurückhaltender war als andere des frühen 20. Jahrhunderts, aber deshalb nicht weniger interessant.

Der Autor dieses Artikels: Jacopo Suggi

Nato a Livorno nel 1989, dopo gli studi in storia dell'arte prima a Pisa e poi a Bologna ho avuto svariate esperienze in musei e mostre, dall'arte contemporanea alle grandi tele di Fattori, passando per le stampe giapponesi e toccando fossili e minerali, cercando sempre la maniera migliore di comunicare il nostro straordinario patrimonio. Cresciuto giornalisticamente dentro Finestre sull'Arte, nel 2025 ha vinto il Premio Margutta54 come miglior giornalista d'arte under 40 in Italia.

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