La obra maestra del Maestro de la tela vaquera se hace pública: la adquiere un museo suizo

Unaobra emblemática de la pintura de la realidad europea del siglo XVII ingresa en una colección pública. La Donna che chiede l’alemosina con due bambini (Mujer mendigando con dos niños), obra maestra del llamado Maestro de la tela vaquera, ha sido donada a la Pinacoteca Züst de Rancate (Suiza) por la Fundación Dr. Joseph Scholz de Zúrich: la donación ha garantizado así el acceso del público a una obra de extraordinaria importancia histórica y artística. La adquisición fue anunciada por la Galerie Canesso de París, que había puesto la obra en el mercado.

La entrada de la obra en un museo representa un momento significativo no sólo por su calidad pictórica, sino también por su papel en la definición de todo un corpus artístico. De hecho, fue en torno a esta composición que la estudiosa Gerlinde Gruber reunió, entre 2006 y 2007, un grupo de pinturas atribuidas a un maestro anónimo activo a finales del siglo XVII y principios del XVIII. La exposición posterior El maestro de los vaqueros azules. A New Painter of Reality in Late 17th-Century Europe, organizada entre París y Nueva York por la Galerie Canesso en 2010-2011, consagró definitivamente la figura de este artista, situándolo firmemente en la historia del arte europeo. Definido por Stefano Frangi y Alessandro Morandotti como “un gran y conmovedor narrador de los sufrimientos de los humildes”, el Maestro de la tela vaquera destaca por su capacidad para representar la marginalidad con una mirada empática desprovista de retórica. Sus obras se sitúan en el surco de la pintura de realidad, un filón especialmente fértil en la Italia septentrional del siglo XVII, y dialogan idealmente con las de artistas como Giacomo Ceruti, al tiempo que anticipan en parte sus resultados.

El cuadro que acaba de ingresar en la Pinacoteca Züst reviste también especial importancia para la historia material y cultural de los vaqueros. Se trata, en efecto, de la primera representación pictórica conocida de este tejido, una molesquín azul de origen genovés que se extendió por Europa ya en el siglo XVI. El redescubrimiento de este grupo de pinturas permite llamar la atención sobre el origen genovés de este material, que se utilizó ampliamente a partir del siglo XVI y pronto se difundió internacionalmente a través de las exportaciones, en particular a Inglaterra, donde, en 1614, los libros de cuentas de un sastre de Lancashire atestiguan el uso de la fustiana genovesa (Gênes en francés), escrita como “Geanes”, y más tarde como “jeans”.

La escena representada en el cuadro se desarrolla en un espacio indefinido dominado por tonos oscuros y una luz controlada. La madre, todavía joven, se apoya en un bastón y va vestida con el magnífico azul añil, más o menos desvaído, que colorea su delantal. La costura vertical revela un pespunte típico de los vaqueros de hoy en día. En la mano derecha sostiene un cuenco de limosna, aparentemente una taza con asas, cuyo fondo está vuelto hacia el observador, como la mirada de la mujer. En conjunto, este grupo de figuras plantea una pregunta: ¿están realmente mendigando? Sus expresiones dignas, su resistencia en una estación fría (como sugieren sus posturas y el hecho de que estén completamente cubiertos), su aspecto limpio, aunque probablemente estén vestidos con ropa de segunda mano, nos distraen de una simple escena de mendicidad. Definir un contexto para la creación de estas obras no es fácil: cada imagen representa la vida cotidiana con un cierto nivel de indigencia y parece describir a la misma familia, ya que los personajes a veces se repiten de un cuadro a otro.

En el contexto europeo de la pintura realista del siglo XVII, el Maestro del lienzo vaquero destaca por sus retratos de individuos humildes vestidos con fustán genovés, el tejido azul de tonalidad más o menos intensa que, como ya se ha mencionado, se conoce hoy con el nombre más común de vaqueros. Aunque este tejido resistente era el preferido para vestir a las clases más modestas, su historia es inseparable de este tono particular de azul y, en consecuencia, de la historia de su teñido, una doble narración que concierne tanto al tejido como a los pigmentos utilizados por el Maestro de la tela vaquera. Los análisis de la pintura azul utilizada por nuestro artista anónimo han permitido identificar el pigmento recurrente en cada una de estas pinturas: se trata del índigo, un tinte de origen vegetal, el mismo utilizado para teñir la tela de los vaqueros. Para obtener un azul índigo relativamente oscuro, el pintor lo mezclaba con blanco de plomo (para los tonos más claros) o negro de humo (para los más oscuros). El azul vaquero destaca especialmente bien en estas composiciones, contrastando con los marrones y grises-marrones de los fondos oscuros o de las otras prendas.

El artista se especializó en escenas de la vida cotidiana; sus personajes, a menudo reunidos en torno a una comida frugal, son mendigos, mujeres cosiendo o, en un caso, una peluquera trabajando, y pertenecía claramente al movimiento de los “pintores de la realidad”, del que Lombardía fue un crisol. El artista formó parte de esta corriente particularmente prolífica, o incluso fue uno de sus pioneros, entre la segunda mitad del siglo XVII y principios del XVIII, como ejemplificó Giacomo Ceruti en la primera mitad del siglo XVIII. Estilísticamente, la obra revela afinidades con varios protagonistas de la pintura europea del siglo XVII. Además del citado Ceruti, se detectan referencias a Michael Sweerts y Eberhard Keilhau, conocido como Monsù Bernardo, ambos activos en Italia, así como a maestros como Diego Velázquez, Georges de La Tour y los hermanos Le Nain, que ya habían explorado el tema de la pobreza con un lenguaje realista e intensamente humano.

Desde un punto de vista histórico, la procedencia de la obra está bien documentada. La pintura puede rastrearse hasta la Villa Airoldi, también conocida como Villa San Valerio, en Albiate, Lombardía, donde podría identificarse con el “Cuadro grande de tres pitochos de pie” mencionado en el inventario de 1692 de la familia Airoldi. Pasó posteriormente a la familia Caprotti entre finales del siglo XIX y el siglo XX, fue heredado en 1999 por Guido e Ida Caprotti y luego se colocó en el mercado de antigüedades, pasando por diversos coleccionistas y marchantes, entre ellos Cesare Lampronti y la colección de Luigi Koelliker.

A lo largo de los años, el cuadro se ha exhibido en importantes exposiciones, como Da Caravaggio a Ceruti. La scena di genere e l’immagine dei pitocchi nella pittura italiana, celebrada en Brescia, en el Museo di Santa Giulia, del 28 de noviembre de 1998 al 28 de febrero de 1999, y después Maestri del ’600 e del ’700 Lombardo nella Collezione Koelliker (Milán, Palazzo Reale, 2006), El maestro del azul. A new painter of Reality in late 17th century Europe (París, Galerie Canesso, del 16 de septiembre al 6 de noviembre de 2010, y luego Nueva York, Galerie Didier Aaron, del 20 de enero al 4 de febrero de 2011), Jeans (Utrecht, Centraal Museum, del 22 de noviembre de 2012 al 10 de marzo de 2013), Thread (Denver, Art Museum, del 9 de junio al 22 de septiembre de 2013), y recientemente a las dos importantes exposiciones Giacomo Ceruti nell’Europa del siglo XVIII, Miseria & Nobiltà, también en el Museo di Santa Giulia de Brescia, del 11 de febrero al 28 de mayo de 2023(aquí nuestra reseña) y Pietro Bellotti e la pittura del Seicento a Venezia. Asombro, realidad, enigma en las Gallerie dell’Accademia de Venecia, del 19 de septiembre de 2025 al 18 de enero de 2026(aquínuestra reseña).

La donación a la Pinacoteca Züst marca así un paso fundamental en la historia de esta pintura. No sólo garantiza su conservación y accesibilidad pública, sino que confirma el reconocimiento institucional de un artista que ha permanecido mucho tiempo en la sombra. Ver entrar en un museo la obra que dio nombre a todo un grupo representa, en este sentido, un resultado coherente y significativo que devuelve a la comunidad una pieza importante de la historia del arte europeo.

La obra maestra del Maestro de la tela vaquera se hace pública: la adquiere un museo suizo

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