Del 29 de abril al 6 de septiembre de 2026, el MAXXI de L’ Aquila acogerá AI WEIWEI: Aftershock, una exposición enteramente dedicada a Ai Weiwei (Pekín, 1957), artista, arquitecto y activista chino, una de las figuras más conocidas de la escena contemporánea internacional. El proyecto está comisariado por Tim Marlow, director y gerente del Design Museum de Londres, y se realiza con el apoyo del Ayuntamiento de L’Aquila. La exposición forma parte del programa del año en que L’Aquila es Capital Italiana de la Cultura y es un homenaje a la ciudad y a su historia reciente, en particular a su relación con el terremoto de 2009 y el largo proceso de reconstrucción que le siguió. La sede de la exposición es el Palazzo Ardinghelli, un edificio barroco que alberga el MAXXI de L’Aquila y representa una de las intervenciones arquitectónicas de recuperación más importantes tras el terremoto de L’Aquila. El diálogo entre las obras y los espacios del edificio constituye uno de los ejes centrales de todo el proyecto expositivo.
Aftershock se configura, de hecho, como una confrontación entre la investigación artística de Ai Weiwei y la historia material y simbólica del edificio. El eje de la exposición es una serie de obras creadas tras el terremoto de Sichuan de 2008, dedicadas a la memoria de la pérdida y las consecuencias de las catástrofes naturales, pero también a los conflictos provocados por el hombre, la corrupción y las formas de la tragedia contemporánea. También surge, en paralelo, una reflexión sobre la resiliencia y la capacidad del esfuerzo creativo para transformar el trauma en testimonio.
La exposición reúne unas setenta obras, algunas de ellas inéditas, y abarca toda la trayectoria del artista. Instalaciones, vídeos, fotografías, esculturas y obras concebidas como pinturas se alternan con reinterpretaciones de imágenes conocidas de la historia del arte occidental, de Edvard Munch a Vincent van Gogh pasando por Ed Ruscha, reelaboradas mediante el uso de ladrillos de juguete, un material que Ai Weiwei utiliza desde hace años por su capacidad para evocar tanto la lógica del píxel y la reproducción digital como la del mosaico y la construcción modular.
El diálogo con el Palazzo Ardinghelli comienza en el patio interior, donde se instala un velo de la serie Redes de camuflaje de 2025. La obra reelabora patrones miméticos en una clave que introduce elementos inesperados: entre las tramas surgen figuras de gatos, presencias frágiles e inocentes que recuerdan a las víctimas civiles de los conflictos. En el mismo espacio, la obra LED Кому війна , кому мати рідна, también de 2025, retoma un proverbio ucraniano que puede traducirse como “Para algunos, la guerra es la guerra, para otros, la guerra es una madre querida”, abriendo una reflexión sobre las desigualdades que producen los conflictos y los beneficios que algunos obtienen de las guerras.
En la planta principal, en las tres primeras salas de exposición, se encuentran las instalaciones dedicadas a Straight, una de las obras centrales de toda la obra de Ai Weiwei y uno de los memoriales más importantes del arte contemporáneo reciente. La obra fue creada como respuesta al terremoto de Sichuan del 12 de mayo de 2008, un seísmo de 8 grados en la escala de Richter que se cobró más de 90.000 víctimas, entre ellas 5.197 estudiantes que murieron en el derrumbe de edificios escolares.
Realizada entre 2009 y 2012 con 150 toneladas de varillas de acero recuperadas clandestinamente de escuelas derrumbadas, Straight se presenta en L’Aquila por primera vez en tres salas separadas. La obra va acompañada de una lista con los nombres de los alumnos fallecidos, fruto de una investigación civil promovida también por el propio artista, que denunció públicamente la inadecuación sísmica de las escuelas y las responsabilidades vinculadas a la corrupción y la mala gestión de la construcción, sufriendo importantes consecuencias personales por ello. Al mismo suceso se refieren también las esculturas conmemorativas de 2014 Rebar y Case, que insisten en la relación entre testimonio, duelo y responsabilidad pública.
Una sala posterior aborda el tema de la destrucción del patrimonio y la reconstrucción de la memoria. En el suelo hay fragmentos de antiguas esculturas de porcelana destruidas en 2018 por el Estado chino dentro de uno de los estudios del artista. La obra, Left Right Studio Material, transforma ese episodio represivo en un acto de registro y permanencia. La obra se relaciona con la reelaboración fotográfica de Dropping a Han Dynasty Urn de 1995, una de las obras más conocidas de Ai Weiwei, y con FUCK ’EM ALL de 2024, que cita a Ed Ruscha e invierte su imaginería en un gesto de abierta oposición. Ambas obras están realizadas con ladrillos de juguete y forman parte de una selección de esculturas murales a lo largo del recorrido.
A continuación, una serie de vitrinas que recuerdan a museos o boutiques de lujo albergan objetos aparentemente ordinarios o deliberadamente inquietantes. Marble Toilet Paper, un rollo de papel higiénico tallado en mármol, se convierte en un irónico antimonumento a la emergencia de Covid-19. Juguetes sexuales y esposas de jade, material tradicionalmente asociado a la pureza en la cultura china, vacían su valor simbólico original. Una muleta reconstruida de vidrio, madera y acero inoxidable, por su parte, remite a la detención secreta sufrida por el artista en 2011 y se transforma en símbolo de control y opresión.
En el pasillo se exponen fotografías tomadas entre 1983 y 1993 durante los años que pasó en Nueva York, ciudad en la que Ai Weiwei vivió unos doce años. Se trata de imágenes espontáneas, raramente construidas, que retratan personas, detalles urbanos y fragmentos de la vida cotidiana. La siguiente sección presenta tres obras fílmicas: Floating, de 2016, dedicada a la crisis migratoria y a la difícil situación de los refugiados; Laziz, de 2017, que narra la historia de un tigre en el zoo de Gaza, leído como una víctima indirecta del conflicto; Dumbass, de 2013, una obra de fuerte impacto visual que adopta la forma de una parodia de un vídeo musical de heavy metal y reconstruye satíricamente la experiencia de detención secreta del artista. Más adelante, dos obras de vídeo de 2005, Beijing: The Second Ring y Beijing: The Third Ring, documentan la transformación urbana de Pekín a principios de la década de 2000, en un momento de acelerada expansión y redefinición de la ciudad.
Una sala dedicada al tema de la guerra y el compromiso militar reúne Last U.S. Soldier Leaving Afghanistan de 2022, una reconstrucción con ladrillos de una fotografía que muestra al último soldado estadounidense abandonando el aeropuerto de Kabul, y Combat Vases de 2023, un casco militar de porcelana blanca que interpreta la respuesta occidental a la guerra de Ucrania, considerada por el artista insuficiente e ineficaz. Enfrente, U.S. Flag in Black reinterpreta la bandera estadounidense a través de miles de botones blancos y negros y establece una referencia directa a Jasper Johns, figura importante en la formación visual de Ai Weiwei.
En las salas siguientes, la comparación con la historia del arte occidental se hace más explícita. Scream reelabora El grito de Edvard Munch, mientras que Sin título (después de Van Gogh) combina El sembrador al atardecer de Vincent van Gogh de 1888 con una fotografía de una invasión de langostas en Pakistán en 2020, acentuando una dimensión de crisis e inestabilidad. Junto a estas obras se encuentra Small black chandelier, una araña de cristal negro decorada con inquietantes figuras que, en lugar de reflejar la luz, parece absorberla. También aparece una reproducción de Atlanta e Hipómenes, de Guido Reni, una imagen que Ai Weiwei había conocido a través de los libros de arte europeo que pertenecieron a su padre.
Una sección posterior presenta un repertorio de criaturas simbólicas y mitológicas. El Yu-Niao, un ratón volador mencionado en antiguos textos chinos, se transforma en una estructura tridimensional realizada con la técnica tradicional de la cometa. En el suelo, los fragmentos azules de cristal de Murano de Twitter Bird de 2017 evocan el declive del icono de la red social que había permitido al artista comunicarse tras su exclusión de las plataformas chinas. En la pared, San Jorge y el dragón de 2022 reinterpreta la obra de Vittore Carpaccio con ladrillos, mientras que un dragón de seis garras aplicado a la réplica casi perfecta de un jarrón Ming abre una reflexión sobre el concepto de autenticidad y copia.
After the Death of Marat aborda el tema de la crisis de los refugiados a través de una referencia directa a la fotografía del cuerpo de Alan Kurdi, el niño sirio hallado muerto en la playa de Lesbos en 2015 mientras huía de su país. Ai Weiwei sustituye la figura del niño por su propia imagen, manteniendo la misma pose y transformando la referencia en un acto de identificación y responsabilidad. El discurso continúa con Lotus, de 2016, realizada a partir de chalecos salvavidas recuperados en Lesbos y utilizados por los refugiados durante la travesía marítima.
El tema de la pintura como espejo o portal recorre otra instalación construida a partir de Thérèse Dreaming de Balthus. La obra, realizada con ladrillos de juguete, incluye citas de obras anteriores del propio Ai Weiwei, como Han Dynasty Urn with Coca Cola Logo, de 1994, y Stool, de 1997, en la que dos taburetes se funden, alterando su función original. Las dos esculturas se colocan también en la misma habitación, produciendo un nuevo cambio en la percepción.
Tras su visita al frente ucraniano, Ai Weiwei creó nuevas obras que investigan la relación entre memoria, historia y conflicto, algunas de las cuales se presentan aquí por primera vez. Entre ellas se encuentra Whitewashed Remnants of History of the State of Emerging Future Works from 2025, que utiliza sillas de la dinastía Qing junto con un jarrón neolítico, un chaleco salvavidas y un uniforme militar de camuflaje, todo cubierto de blanco. La operación deshace el uso original de los objetos y construye un nuevo sistema de significados vinculados a la guerra y la estratificación histórica. La misma lógica vuelve en dos obras murales compuestas por chaquetas de camuflaje dispuestas en forma circular, una encalada y la otra cubierta de botones. La última sala está dominada por F.U.C.K. de 2024, la primera obra del artista realizada con botones. Cuatro camillas militares de la Segunda Guerra Mundial sostienen una composición cosida a mano, esencial y deliberadamente provocadora. La obra recuerda la exposición Fuck Off de 2000 en Shanghai y propone una reflexión sobre la polarización radical que atraviesa el presente, tanto en el discurso político como en la dinámica social.
"La exposición AI WEIWEI: Aftershock marca un momento fundamental en la historia del museo en vísperas del quinto aniversario de su apertura", afirma Maria Emanuela Bruni, Presidenta de la Fondazione MAXXI. “Como subraya el título de la exposición, las obras de Ai Weiwei desencadenan una reflexión sobre la realidad contemporánea: en un momento en que son los seres humanos los que provocan los conflictos, la corrupción y las catástrofes naturales, las obras del artista son ”réplicas“ que sacuden nuestras conciencias planteando cuestiones siempre actuales”.
"Acoger Aftershock de Ai Weiwei en el año en que somos Capital Italiana de la Cultura adquiere un significado especialmente profundo: su obra, marcada por la experiencia del terremoto de Sichuan, dialoga auténticamente con la historia reciente de nuestra ciudad, transformando el dolor en memoria y responsabilidad", afirma Pierluigi Biondi, Alcalde de L’Aquila. “La obra de Ai Weiwei, capaz de atravesar lenguajes y disciplinas, nos recuerda con fuerza el papel del arte como instrumento de verdad, memoria y compromiso civil, en defensa de los derechos humanos y la libertad de expresión. L’Aquila ha optado por recomenzar desde la cultura tras el terremoto de 2009. Exposiciones como ésta refuerzan nuestra vocación de diálogo internacional y dejan un mensaje importante, especialmente para los jóvenes: de las heridas puede surgir una nueva conciencia y un futuro más justo y compartido. Quiero agradecer al MAXXI el inestimable trabajo que ha hecho posible esta exposición, ofreciendo a L’Aquila un acontecimiento cultural de relevancia internacional”.
“Toda la obra de Ai Weiwei nos invita a mirar el mundo de diferentes maneras, a través de distintos objetos y materiales”, continúa TimMarlow, comisario de la exposición. “Aunque arraigada en la experiencia personal del artista, tiene resonancias universales: la lucha incesante de Ai Weiwei por el derecho de los individuos a expresarse libremente y a no estar sometidos a los dictados ilegales de los regímenes autoritarios surge de las dificultades a las que él mismo se enfrentó, así como de su preocupación constante por aquellos que no tienen poder para resistir.”
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| En el MAXXI de L'Aquila, la exposición dedicada a Ai Weiwei relata catástrofes y memoria |
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