El panorama artístico del siglo XX está tachonado de figuras que han intentado enmarcar la realidad en rígidos manifiestos, pero entre ellas destaca Anselmo Bucci (Fossombrone, 1887 - Monza, 1955), una personalidad que hizo de la independencia, el eclecticismo y la curiosidad intelectual su sello estilístico. Pintor, grabador, dibujante y escritor de talento, Bucci representa uno de los ejemplos más luminosos de intelectual europeo, capaz de moverse con soltura entre la tradición de los grandes maestros y las turbulencias de la modernidad urbana. Su trayectoria, que ahora se celebra en el Mart de Rovereto con la mayor exposición jamás realizada sobre él(Anselmo Bucci 1887 - 1955. El tiempo del siglo XX entre Italia y Europa, del 28 de marzo al 27 de septiembre de 2026, comisariada por Beatrice Avanzi y Luca Baroni), que llega pocos años después de la ya bastante rica exposición en el Vittoriale en 2022(aquí está nuestra reseña), revela a un artista que nunca se dejó atrapar por las etiquetas, manteniendo una coherencia interna basada en una vasta cultura figurativa y una sensibilidad literaria poco común.
Nacido en Fossombrone pero ciudadano del mundo, Bucci ha vivido intensamente las transformaciones de su tiempo, observando la sociedad con ojo avizor y traduciendo su dinámica en vibrantes imágenes. Aunque a menudo se le recuerda por su papel central en el nacimiento del grupo Novecento Italiano, su figura excéntrica y polifacética ha permanecido durante mucho tiempo en una posición difuminada en relación con los nombres más encumbrados del arte italiano, precisamente por su heterogeneidad y su reticencia a plegarse a lógicas partidistas o corrientes políticas.
La exposición del Mart, a través de más de 150 obras entre pinturas, gráficos y documentos inéditos, se propone situar a Bucci en el contexto internacional que le corresponde, destacando cómo su investigación se nutrió de una red de contactos que iba de París a Milán, recibiendo elogios de personajes como Guillaume Apollinaire y periódicos como el New York Times. Redescubrir hoy a Bucci significa sumergirse en un viaje que abarca la aventura parisina en Montparnasse, la dramática experiencia del frente como pintor de guerra y el regreso a un clasicismo moderno, siempre impregnado de una sutil ironía y de una extraordinaria maestría técnica. He aquí diez aspectos fundamentales para comprender el universo de este extraordinario artista.
A pesar de su dimensión cosmopolita, Bucci nunca olvidó sus orígenes en Fossombrone, llegando en ocasiones a firmar como “Bucci da Fossombrone” para subrayar su pertenencia a esa tierra. Para él, Le Marche representaba el lugar de su infancia y de su memoria, una reserva de afectos y sugerencias cromáticas que influirían en sus obras de juventud. Fue precisamente en Fossombrone, durante las estancias estivales con sus abuelos, donde el artista dio sus primeros pasos, experimentando con la técnica divisionista en obras como El desfiladero de Furlo.
El entorno familiar fue decisivo: su abuelo materno Giovanni era un artista-erudito que enseñaba dibujo en el pueblo, y el taller de ebanistería de su abuelo paterno Anselmo le transmitió ese sentido de la habilidad manual y la artesanía que Bucci reivindicaría el resto de su vida. No es casualidad que uno de sus lienzos más apreciados por la crítica parisina, El otoño, estuviera ambientado en las colinas de Metauro, enriquecido por detalles característicos como el biroccio de las Marcas. Este profundo vínculo se tradujo también en un acto de generosidad: en los años cuarenta y cincuenta, Bucci donó gran parte de su patrimonio artístico a la colección del notario Giuseppe Cesarini en Fossombrone, creando el núcleo de lo que hoy es la colección más importante dedicada a él.
En 1906, Bucci llegó a París con sus amigos Buggelli y Dudreville, con muy poco dinero en el bolsillo pero una determinación inquebrantable. La capital francesa se convirtió en el fulcro de su maduración artística y personal; aquí frecuentó el legendario ambiente de La Ruche en Montparnasse, entrando en contacto con gigantes como Picasso, Modigliani y Severini. Al principio, se mantenía realizando trabajos serviles, como el retoque fotográfico, pero pronto su habilidad para el grabado y el retrato le abrió las puertas del éxito.
Durante estos años, Bucci inmortalizó la efervescencia de la vida parisina a través de su serie de grabados Paris qui bouge, donde consiguió captar el movimiento y las vibraciones luminosas tan queridas por los impresionistas. París no fue sólo un lugar de trabajo, sino también de profundos afectos, como su relación con su musa Juliette Maré, que posó para él en obras intensas como Invierno en la Riviera. Incluso tras su regreso definitivo a Italia, el artista mantuvo un estudio en la capital francesa hasta 1935, testimonio de un vínculo indisoluble con la cultura que había forjado su espíritu europeo.
Aunque su figura suele leerse hoy de forma independiente, Bucci desempeñó un papel fundamental en el nacimiento del grupo Novecento Italiano. Fue él, de hecho, quien sugirió el nombre para el movimiento promovido por Margherita Sarfatti, que pretendía reconstruir una tradición artística basada en un “clasicismo moderno” tras los excesos de las vanguardias. A pesar de ser uno de los siete fundadores, Bucci nunca aceptó verse enjaulado por las rígidas directrices del grupo.
Su independencia le llevó a dimitir ya en 1923, en vísperas de la primera exposición oficial, por diferencias que él mismo calificó de “no artísticas”. Su pintura siguió siendo libre y ecléctica, capaz de mezclar volúmenes sólidos y sintéticos con atmósferas vibrantes de matriz postimpresionista, tras experimentar también con el futurismo durante un breve periodo. Obras como I Pittori (Los pintores ) se consideran manifiestos de la poética del Novecento debido a la llamada a una “vuelta a la artesanía”, pero en realidad ocultan una búsqueda personal que Bucci llevaba tiempo persiguiendo, mucho antes de cualquier adhesión teórica a los programas de Sarfatti.
Al estallar la Primera Guerra Mundial, Bucci no se limitó a observar, sino que optó por el compromiso activo alistándose en el Battaglione Lombardo Volontari Ciclisti Automobilisti (Batallón Lombardo de Voluntarios Motociclistas). En este contexto, se encontró compartiendo la vida en el frente con otros futuros protagonistas del arte italiano, como Marinetti, Boccioni y Sironi, en el famoso “pelotón de artistas”. La guerra representó para él una experiencia existencial y artística de enorme impacto, que le permitió reencontrarse con Italia tras casi una década en el extranjero.
Ante la imposibilidad de pintar directamente en el frente, Bucci realizó un impresionante número de dibujos a carboncillo que documentaban con crudo realismo la vida cotidiana de los soldados. Estos estudios fueron reelaborados en su taller de Milán en pinturas y grabados que le consagraron como uno de los principales narradores visuales de la realidad bélica nacional. Con estas obras, Bucci logró transformarse de artista formado en Francia en intérprete sensible de los dramas y el heroísmo de su país, consolidando lazos decisivos con mecenas y galeristas.
La producción gráfica de Anselmo Bucci es monumental en cantidad y calidad, lo que le convierte en uno de los dibujantes con más talento de principios del siglo XX. Un inventario de 1936 contabilizaba casi siete mil dibujos y centenares de planchas grabadas, un inmenso corpus que atestigua su incansable investigación técnica. En París, se distinguió por su dominio de la punta seca, técnica que utilizó para trasladar a la plancha ambientes urbanos y monumentos monumentales encargados por importantes editores franceses.
Bucci también exploró con éxito el grabado en color, intentando emular la vivacidad de la pintura impresionista mediante complejos procesos tipográficos. Aunque el mercado de la gráfica en Italia era menos floreciente que en París, el artista siguió dedicándose a esta actividad con pasión, produciendo ilustraciones para libros y hojas de carácter personal de las que se imprimieron muy pocos ejemplares. Hoy se conservan en Milán y en su Fossombrone núcleos significativos de esta interminable producción, que quedan como prueba de su extraordinaria libertad de expresión.
Anselmo Bucci no sólo se expresaba a través del color, sino que poseía una pluma afilada que le convertía en un intelectual polifacético. Su producción escrita es vasta e incluye diarios, artículos de crítica de arte y obras literarias que reflejan su capacidad de análisis crítico de su propia época. En 1930, su colección de aforismos titulada Il pittore volante fue un éxito rotundo, ganando la primera edición del prestigioso Premio Viareggio.
En sus escritos, Bucci abordaba con ironía y profundidad la relación entre el arte antiguo y el moderno, argumentando a menudo la superioridad de la “clara certeza” del pasado sobre los “confusos remordimientos” de sus contemporáneos. Sus reflexiones, que también aparecían en periódicos como Domenica del Corriere, entrelazaban comentarios sobre exposiciones actuales con recuerdos de viajes, ofreciendo una valiosa clave para entender su pintura. Esta doble alma de pintor-escritor le permitió construir una autoimagen consciente y culta, en línea con la de los grandes maestros del Renacimiento.
Como muchos grandes artistas del pasado, de Rembrandt a Van Gogh, Bucci mantuvo una relación constante con su propia imagen. Con elautorretrato. Su producción está repleta de autorretratos, desde rápidos bocetos a grafito hasta pinturas más reflexivas, que revelan la necesidad de definir y controlar su identidad pública. Un gesto especialmente emblemático de su personalidad se produjo en 1909, cuando pintó su propio rostro sobre un antiguo lienzo del siglo XVII atribuido a Padovanino, como para sancionar un vínculo directo y desafiante con la gran tradición veneciana.
Este deseo de controlar su propia efigie se extendió incluso a obras creadas por otros: se dice que Bucci intervino personalmente en el busto de bronce fundido por su amigo Angelo Biancini, retocando las pupilas con una pincelada de blanco para dar mayor intensidad a la mirada. Estos autorretratos no eran meros ejercicios técnicos, sino etapas de una investigación psicológica que acompañó al artista a lo largo de toda su vida, permitiéndole presentarse ante el mundo como un noble intelectual plenamente consciente de su propio valor.
El mundo animal ocupó un lugar especial en el corazón y el arte de Bucci, a menudo con matices emocionales muy personales. Durante sus años parisinos, adoptó dos perros lobo, Baloo y Loute, que se convirtieron en protagonistas de numerosos dibujos y grabados. En Milán, su piso albergaba criaturas insólitas como la tortuga Pupa y la oca Gertrude, esta última protagonista del irónico lienzo Le oche del Campidoglio (Las ocas del Capitolio), con el que el artista se burlaba de la retórica histórica querida por el fascismo.
Su interés por los animales se combinó también con la gran literatura cuando, a mediados de la década de 1920, Bucci ilustró El libro de la selva, de Rudyard Kipling. Para ser fiel a la realidad, el artista pasó horas en el Jardin des Plantes de París estudiando monos y especies exóticas, produciendo una serie de puntillismo de tal calidad que pasó a formar parte de la colección privada del propio Kipling. Obras como Salida del arca muestran cómo los temas animales fueron una oportunidad para que Bucci se alejara de los temas canónicos del siglo XX y diera rienda suelta a su alegre y virtuosa pincelada.
Siguiendo el consejo de Goethe, a quien le encantaba observar las ciudades desde las torres más altas, Bucci eligió casi siempre casas y estudios situados en posiciones elevadas para dominar el panorama. Esta perspectiva privilegiada influyó profundamente en su producción de paisajes urbanos, transformando tejados y vías de ferrocarril en vistas del alma. En París pintó tejados nevados bañados por la niebla, mientras que en Milán se centró en el fervor constructor de posguerra observado desde su balcón de la Via Jean Jaurès.
Sus vistas urbanas no eran meras descripciones, sino encuadres cargados de significados simbólicos y dramáticos. En L’addio (La despedida), uno de los infrecuentes experimentos futuristas de Bucci, por ejemplo, la figura de una mujer que se despide de un tren que parte hacia el frente se interpenetra con el paisaje urbano en un raro homenaje a las instancias futuristas. En otras obras, como Il lampo (El relámpago), Bucci captó momentos de la vida cotidiana súbitamente perturbados por acontecimientos atmosféricos o sociales, recordando la fragilidad de la tranquilidad burguesa frente a lo que no se puede controlar.
El cierre ideal de la carrera y de la exposición en el Mart es I Maschi(Los machos), un lienzo imponente y cargado de significado que el artista mantuvo oculto durante décadas. Se trata de una obra de inspiración mitológica que representa una violenta batalla entre hombres y amazonas, símbolo del perenne conflicto entre sexos. Iniciado en París hacia 1910 como parte de un ciclo decorativo, el lienzo sufrió continuos cambios, pasando de los tonos brillantes de su juventud a un lenguaje más oscuro y sintético, decididamente Novecento, en su versión final de 1922.
Curiosamente, Bucci excluyó esta obra maestra de su importante monografía de 1945, a pesar de haber trabajado en el proyecto durante más de diez años. Quizá el artista consideró que la obra, con su cruda fascinación por el desnudo masculino y su dramatismo, era demasiado íntima o estaba demasiado alejada de los encargos públicos de la época. Milagrosamente consiguió salvarla de los bombardeos que destruyeron su estudio milanés durante la Segunda Guerra Mundial, y hoy su exposición en Rovereto representa una oportunidad única de admirar una pieza fundamental y secreta de su investigación pictórica.
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