Es uno de los engaños más famosos de la historia y, desde hace más de dos mil años, sigue planteando interrogantes a artistas, estudiosos y, ¿por qué no?, también a los espectadores: el caballo de Troya, símbolo de astucia y traición, se ha convertido en una de las imágenes más poderosas de la cultura occidental. Sus primeras representaciones se remontan ya a la Antigüedad griega, como atestigua el pithos (jarra) decorado que se conserva en el Museo Arqueológico de Mykonos. La popularidad de este episodio continuó también en la época romana, como demuestra el fresco del siglo I d. C. hallado en Pompeya, que representa la llegada del caballo de Troya ante las puertas de la ciudad.
Desde el mundo clásico hasta el Renacimiento, desde el Barroco hasta el Neoclasicismo, la historia de la caída de Troya ha ofrecido a los artistas la oportunidad de abordar un episodio en el que conviven la tensión narrativa, el drama humano y la reflexión sobre el destino. El momento del engaño se interpreta de diversas maneras: desde el Maestro de la Eneida, que en su placa de cobre esmaltado del siglo XVI representa a los guerreros griegos ocultos en la estructura de madera, hasta Giulio Bonasone, que plasma en un grabado la invención de Francesco Primaticcio con los troyanos empeñados en arrastrar el caballo al interior de la ciudad; desde El Greco, que inserta el caballo en el fondo de su dramático «Laocoonte», hasta las monumentales visiones barrocas de Juan de la Corte y las creaciones deGiovanni Domenico Tiepolo, dedicadas a la construcción y la procesión del caballo.
Cierra el recorrido el dibujo neoclásico de Joseph-Désiré Odevaere, quien en 1818 interpreta el episodio según el gusto de la pintura histórica y la monumentalidad antigua. Con motivo del estreno de «Odisea», de Christopher Nolan (aquí la reseña de la película), el mito vuelve hoy al centro del imaginario contemporáneo: siete obras narran la larga trayectoria visual de un episodio que sigue representando la sutil frontera entre la apariencia y la realidad, la victoria y la ruina. Estas son las que hemos seleccionado.
Fechada alrededor de 1530 y atribuida al llamado Maestrode la Eneida, esta placa de cobre esmaltado, realizada en Limoges, forma parte de una serie de once paneles dedicados al poema de Virgilio. La escena representa uno de los momentos clave del engaño ideado por los griegos: los soldados se introducen en el interior del gran caballo de madera, mientras que al fondo se distinguen las tiendas del campamento aqueo y una puerta de las murallas de Troya. Realizada en esmalte policromado con detalles dorados, la obra condensa en un formato de poco más de veinte centímetros un episodio destinado a cambiar el curso de la guerra. La precisión narrativa y la riqueza cromática son características de la producción de los esmaltadores de Limoges del siglo XVI, que contribuyeron a difundir los temas de la Antigüedad a través de refinados objetos destinados al coleccionismo y a la devoción privada.
Realizado en 1545, el grabado de Giulio Bonasone reproduce una composición de Francesco Primaticcio. La obra representa el momento en que los troyanos, engañados por los griegos, introducen el caballo de madera dentro de las murallas de Troya, convencidos de que el regalo les aseguraría la victoria. La escena muestra la monumental máquina de madera arrastrada por los ciudadanos a través de la ciudad, mientras en su interior se ocultan los soldados griegos destinados a provocar la caída de Troya. El grabado se basa en un dibujo preparatorio de Primaticcio que hoy se conserva en la Biblioteca Real, en el castillo de Windsor, y que probablemente fue concebido como primer boceto para el fresco de la derrota de Troya destinado a la Galería de Ulises del castillo de Fontainebleau (1541-1547), uno de los grandes ciclos decorativos del Renacimiento francés.
Pintado entre 1610 y 1614, «Laocoonte» es la única obra de temática mitológica conocida de El Greco ( Domenikos Theotokopoulos). El pintor representa al sacerdote troyano Laocoonte y a sus dos hijos en el momento en que son atacados por dos serpientes marinas enviadas por los dioses. Según el mito, Laocoonte había advertido a los troyanos sobre el caballo de madera dejado por los griegos, pero su advertencia fue ignorada. Al fondo se distingue el caballo de Troya, ya introducido dentro de las murallas de la ciudad, un elemento discreto pero fundamental que vincula la tragedia del sacerdote con la inminente caída de Troya. Sin embargo, El Greco traslada la escena de la ciudad a la Toledo de su época, reconocible al fondo, con el objetivo de plasmar el mito en una reflexión universal sobre el destino y la tragedia. Las figuras alargadas, los cuerpos retorcidos, el espacio irreal y los fuertes contrastes cromáticos acentúan la tensión dramática, en un estilo que prima la expresión emocional frente a la representación naturalista.
Realizada en la primera mitad del siglo XVII por el pintor español Juan de la Corte, *El caballo de Troya* plasma en imágenes uno de los episodios más conocidos dela *Eneida* de Virgilio (Libro II). El enorme caballo de madera domina la parte derecha de la composición, mientras que, a sus pies, los guerreros griegos irrumpen en las calles de Troya dando inicio a la masacre. Al fondo, la ciudad ya está envuelta en llamas que se propagan bajo un cielo oscuro y turbulento, transformando el horizonte en un escenario apocalíptico. A la izquierda, en el interior de un edificio monumental, un grupo de figuras intenta en vano ponerse a salvo: un anciano alza el brazo hacia el cielo, mientras que mujeres y niños buscan protección. El fuerte contraste entre la monumentalidad de la arquitectura, el caos de la batalla y el rojo del incendio confiere a la obra un intenso carácter teatral, típico de la pintura barroca. Conservada en el Museo del Prado de Madrid, la obra representa el interés perdurable de la pintura barroca española por las grandes narrativas de la Antigüedad.
Realizada hacia 1760, La construcción del caballo de Troya, de Giovanni Domenico Tiepolo, representa la fase que precede al famoso engaño destinado a provocar la caída de la ciudad. En el centro de la composición, artesanos y obreros se afanan en montar el enorme caballo de madera, trabajando sin descanso con martillos y cinceles, mientras a su alrededor soldados con armadura se preparan para la batalla. Un detalle insólito lo constituye un hombre sentado sobre una tabla que da los últimos retoques a la superficie del caballo con un pincel, lo que contribuye a conferirle un aspecto sorprendentemente realista. El pelaje brillante, la musculatura imponente y la crin ondulada hacen que el animal parezca casi vivo. El cuadro, pintado con pinceladas libres y rápidas, se considera un boceto preparatorio para el monumental lienzo del mismo tema, que hoy se conserva en el Wadsworth Atheneum de Hartford, en Estados Unidos.
Pintada hacia 1760 por GiovanniDomenico Tiepolo, La procesión del caballo de Troya dentro de Troya representa el momento decisivo en el que los troyanos arrastran el gigantesco caballo de madera al interior de la ciudad, convencidos de que se trata de una ofrenda consagrada a los dioses. La composición está animada por una multitud en continuo movimiento, lo que contribuye a enfatizar el carácter épico de la escena, mientras que el caballo, imponente y musculoso, domina el primer plano. Al fondo aparece Casandra, hija del rey Príamo, detenida tras haber profetizado en vano la ruina de Troya si el caballo era acogido dentro de las murallas. Las poderosas fortificaciones y la perspectiva dirigen la mirada hacia la ciudad, inspirada por Tiepolo en la arquitectura de la antigua Roma. El cuadro formaba parte de una serie dedicada a la caída de Troya y probablemente fue concebido como boceto preparatorio para un lienzo de mayores dimensiones.
Realizada hacia 1818, La entrada del caballo de Troya, de Joseph-Désiré Odevaere, interpreta el episodio de la guerra de Troya según los cánones del neoclasicismo. El gran dibujo representa el momento en que los troyanos arrastran el caballo de madera al interior de las murallas de la ciudad, sin sospechar que en su interior se esconden guerreros griegos. La escena está organizada como una composición histórica monumental: una gran multitud acompaña al cortejo, mientras que la arquitectura clásica sirve de telón de fondo al acontecimiento. La disposición ordenada de las figuras, la atención a la anatomía y el gusto por la monumentalidad reflejan la influencia de Jacques-Louis David, con quien Odevaere se formó en París. La obra, realizada con grafito, pluma, tinta y acuarelas, probablemente estaba destinada a ser grabada, pero el proyecto nunca se llevó a cabo.
El autor de este artículo: Noemi Capoccia
Originaria di Lecce, classe 1995, ha conseguito la laurea presso l'Accademia di Belle Arti di Carrara nel 2021. Le sue passioni sono l'arte antica e l'archeologia. Dal 2024 lavora in Finestre sull'Arte.Advertencia: la traducción al español del artículo original en italiano se ha realizado mediante herramientas automáticas. Nos comprometemos a revisar todos los artículos, pero no garantizamos la ausencia total de imprecisiones en la traducción debidas al programa. Puede encontrar el original haciendo clic en el botón ITA. Si encuentra algún error, por favor contáctenos.
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