Wie groß kann eine Idee sein? Der Geist kann sowohl etwas unendlich Kleines als auch etwas unendlich Großes hervorbringen. Selbst das monumentalste Werk, das je geschaffen wurde, kann in seiner Idee immer unendlich größere Dimensionen annehmen, sodass die Idee selbst noch größer und noch mächtiger ist als ihre tatsächliche Umsetzung. Auch wenn man sie vielleicht gezeichnet oder im kleinen Maßstab wiedergegeben vorfindet, in einem Modell, einem Plastikum oder sogar auf einem Blatt Papier. Genau dies ist die unerwartetste Überraschung der von der Lisson Gallery organisierten Ausstellung von Anish Kapoor, die bis zum 9. August 2026 in den Sälen des Palazzo Manfrin in Venedig, dem Sitz der Stiftung des Künstlers, zu sehen ist – zeitgleich mit der 61. Internationalen Ausstellung derKunst der Biennale von Venedig: Neben einer reichhaltigen Auswahl einiger der berühmtesten monumentalen Werke des britisch-indischen Künstlers (Mumbai, 1954) werden hier etwa hundert Projekte aus den letzten fünfzig Jahren seines Schaffens gezeigt. Das Ergebnis ist nicht nur eine Ausstellung seiner großen Installationen, die den Raum verwandeln und unsere visuelle Wahrnehmung verändern, sondern vor allem eine Ausstellung über die Entstehungsgeschichte der Ideen hinter seinen Werken, in der das Nebeneinander von vollendeten Installationen und Projekten – ob realisiert oder nicht – den spektakulären Kapoor der großen Ausstellungen und den Kapoor „aus dem Atelier“ in einen Dialog treten lässt. Dabei ist jedoch stets zu bedenken, dass im Mittelpunkt alles die Kraft der Idee steht, selbst wenn das Werk letztendlich nicht realisiert wird.
Hinter den spiegelnden Oberflächen, die unser Bild auf den Kopf stellen, hinter den Vertiefungen, die die Wahrnehmung des Raums verändern, hinter der durch Vantablack hervorgerufenen Leere und hinter all jenen Werken, die die Architektur und die Art und Weise, wie wir sie betrachten und mit ihr umgehen, verwandeln, stehen stets Entwürfe, Modelle, Skizzen und einfache Materialien, mit denen der Künstler versucht, einer Intuition Gestalt zu verleihen.
Im Mittelpunkt der Ausstellung in Venedig stehen daher die Modelle, die in mehreren Räumen im ersten Stock des Palastes, um die herum die Besucher eingeladen sind, verweilen, um sie aus allen Perspektiven zu betrachten, da es möglich ist, einen 360-Grad-Überblick zu gewinnen, indem man eine vollständige Runde um die ebenen Flächen (Tische oder Sockel auf dem Boden) dreht, auf denen sie stehen. Man ist vor allem beeindruckt von der außergewöhnlichen Vielfalt der Entwürfe und der regen Fantasie des Künstlers, der in der Lage ist, konkave und konvexe Formen, Formen innerhalb anderer Formen, Auswüchse, Kurven, Einschnitte, glänzende und poröse Formen, schwarze, rote, erdige Formen, aufgestellte und schwebende Formen sowie dreidimensionale Formen zu schaffen, die dazu einladen, in sie hineinzuschauen – und das in den unterschiedlichsten Kontexten. Zu den ausgestellten Modellen gehören die „Meteoriti“, der „Leviathan“,das „Holocaust Memorial“, „No Place“, „In Out“, „Earth Cinema“, der „Sky Garden“, „In The Shadow of the Tree“ und „The Knot of the Earth VIII“ sowie die „Kissing Bridge“. Und an dieser Stelle drängt sich eine Überlegung auf: Die Modelle, mit denen wir es hier zu tun haben, sind keine einfachen Miniaturen eines zukünftigen oder nicht realisierten monumentalen Werks, sondern der reine Ausdruck einer Idee, der reine Ausdruck der Kreativität des Künstlers. Das Werk existiert bereits in seinem Modell. Es existiert, selbst wenn das großformatige Werk niemals realisiert wird.
Mit der Fertigstellung der monumentalen Installationen geht Kapoor einen Schritt weiter: Der Künstler beschränkt sich nicht darauf, die im Atelier ausgearbeiteten Modelle in großem Maßstab zu übertragen, sondern es findet eine Maßstabsänderung der ursprünglichen Idee statt. Der Übergang vom Modell zum monumentalen Werk ist daher kein rein dimensionaler Vorgang: Wenn eine Idee an Maßstab gewinnt, verändert sich die Art und Weise, wie sie mit dem Betrachter, mit der Architektur und mit dem Raum, der sie aufnimmt, in Beziehung tritt, grundlegend. Das Werk erhält eine neue Präsenz, die den Betrachter in eine wahrnehmungsbezogene und körperliche Erfahrung einbezieht. In diesem Sinne lässt sich also feststellen, dass monumentale Installationen im Vergleich zu den im Atelier entworfenen Modellen nicht einfach deren Umsetzung in größeren Dimensionen sind, sondern Ideen, die ihren Maßstab verändert haben und gerade durch diese Transformation neue räumliche, wahrnehmungsbezogene und konzeptuelle Eigenschaften angenommen haben. Bei genauer Betrachtung dieser Modelle wird zudem deutlich, dass die durch einige von ihnen hervorgerufene Desorientierung das Ergebnis einer bewussten und präzisen Gestaltung ist, um die Wahrnehmung zu lenken und die Art und Weise zu beeinflussen, wie wir mit dem umgehen, was wir vor uns haben. Die Leere ist entworfen,die Illusion ist entworfen, und auch das Staunen, das man empfindet, ist entworfen. So ist es beispielsweise unvermeidlich, in der Ausstellung Staunen zu empfinden, wenn man – insbesondere von unten – das monumentale Werk „At the Edge of the World“ aus Glasfaser und schwarzem Pigment betrachtet, das einen Durchmesser von acht Metern hat und an der mit Fresken verzierten Decke des Gebäudes hängt, zu der es in starkem Kontrast steht. Man hat das Gefühl, im Vergleich zu dieser großen Kuppel, die über uns thront, sehr klein zu sein: Dies ist ein klares Beispiel für das, was einige Zeilen weiter oben in Bezug darauf gesagt wurde, wie sich die Art und Weise, wie der Betrachter mit dem Werk in Beziehung tritt, tiefgreifend verändert, wenn man den Maßstab verändert. Und darüber hinaus, wie sich der Raum, der es beherbergt, dadurch verändert.
Kapoor ist zwar dafür bekannt, Räume zu verwandeln und neue zu schaffen, doch verdient auch die Wahl des Materials, mit dem der Künstler seine Werke entwirft und realisiert, Beachtung: Das Material wird nämlich zu einem integralen Bestandteil der Bedeutung des Werks und des Raums, den es erzeugt. Das Pigment scheint den Raum zu durchdringen und zu verschlingen, wie in „Blood in the Sky“, einem neuen roten Werk Kapoors, das hier zu diesem Anlass ausgestellt ist und einen ganzen Saal einnimmt;der polierte, spiegelndeEdelstahl bewirkt hingegen den gegenteiligen Effekt, da er die Umgebung reflektiert, diese jedoch verzerrt und instabil wiedergibt, Bilder und Perspektiven auf den Kopf stellt und den Betrachter direkt einbezieht, wie man es vor den verschiedenen „Untitled“-Werken persönlich erleben kann.
Der Beton verleiht einer fast organischen Materie Gestalt, als handele es sich um lebende Materie in ständiger Verwandlung, und aus diesem Material wurde die Installation geschaffen, die die Besucher am Eingang der Ausstellung empfängt: Ga Gu Ma, nach oben strebende Strukturen, deren Formen sowohl an industrielle Fertigung als auch an biologische Prozesse erinnern – hybride und vieldeutige Formen, die auf eine groteske und skatologische Vorstellungswelt verweisen. Silikon hingegen bietet Kapoor die Möglichkeit, die traditionellen Grenzen der Malerei zu überwinden und sie in eine dreidimensionale, fast fleischliche Umgebung zu verwandeln, wie in „Ocean of Maternal Beginning“ zu sehen ist – einer Art Raum, in dem Wände und Boden eine eigene Körperlichkeit und Fleischlichkeit besitzen, die auch durch die leuchtend rote Farbe hervorgehoben wird. Schließlich stellt Vantablack, das absolute Schwarz, das das Licht fast vollständig absorbieren kann, den äußersten Punkt seiner Erforschung der Leere dar: Tatsächlich scheint man beim Betrachten von „Descent into Limbo“, einem seiner berühmtesten Werke, in den Abgrund zu versinken; ein Werk, das eine echte Schwelle zwischen dem Gefühl, in die Leere und Dunkelheit zu stürzen, und der Sicherheit, sich in einem musealen Kontext zwischen vier Wänden zu befinden, heraufbeschwört. Die Materie wird so zu einem Instrument, mit dem sich die Wahrnehmung des Raums verändern lässt, und die großen Werke und Installationen in der Ausstellung zeugen davon.
Eine der großen Fähigkeiten von Anish Kapoor – wenn nicht sogar die grundlegendste – besteht darin, durch seine Werke neue Welten und neue Räume zu schaffen; hinzu kommt jedoch auch die Fähigkeit, die Wahrnehmung des Betrachters zu verunsichern und das Konzept des Objekts in Frage zu stellen, beispielsweise durch Spiegelspiele, das Gefühl der Leere, Oberflächen, die an das Innere des menschlichen Körpers erinnern, und indem er den Fokus auf das legt, was der Künstler als „Nicht-Objekt“ bezeichnet, also „Objekte, bei denen die Dinge nicht das sind, was sie auf den ersten Blick zu sein scheinen“.
In dieser Ausstellung, anlässlich derer der Palazzo Manfrin, Sitz der Kapoor-Stiftung, zum zweiten Mal für die Öffentlichkeit zugänglich gemacht wurde (man erinnere sich an die große Retrospektive, die dem Künstler 2022 an den beiden Standorten der Gallerie dell’Accademia und des Palazzo Manfrin gewidmet war), sind alle grundlegenden Konzepte von Kapoors künstlerischem Schaffen vertreten: die Leere, die Materie, das Verhältnis zwischen Körper und Architektur, die Transformation von Raum und Wahrnehmung sowie das Nicht-Objekt. Den eigentlichen Mittelpunkt bilden jedoch die Modelle: Ideen, denen der Künstler Gestalt verliehen hat und die bereits eine eigene Autonomie besitzen. Potenziell könnten sie so groß wie die Unendlichkeit sein; es bleibt nur noch, den richtigen Maßstab für sie zu wählen.
Der Autor dieses Artikels: Ilaria Baratta
Giornalista, è co-fondatrice di Finestre sull'Arte con Federico Giannini. È nata a Carrara nel 1987 e si è laureata a Pisa. È responsabile della redazione di Finestre sull'Arte.
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