Le meilleur et le pire de l'art contemporain en 2024 selon Luca Rossi

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Depuis plusieurs années, il n’y a plus guère d’intérêt à faire le classique “best of” de l’art contemporain. En effet, nous traversons une phase néo-maniériste et transitoire depuis au moins quinze à vingt ans. Les listes, avec le meilleur de l’année écoulée, peuvent servir à rafraîchir les institutions et les relations publiques en vue de nouvelles collaborations pour l’année à venir, mais elles ne peuvent pas vraiment servir à nous faire comprendre l’art contemporain et la crise que traverse ce domaine vaste, malmené et glissant.

Depuis une quinzaine d’années, on constate que plus les artistes sont jeunes, plus ils se réfugient dans les langages dérivés du siècle dernier. Le maniérisme a toujours existé mais, en 2024, après le passage en 2001 du postmodernisme à l’altermodernisme, ce maniérisme désamorce complètement l’œuvre, la transformant en une sorte d’accessoire d’ameublement prétentieux, ce que j’appelais en 2009 “IKEA Evolved”. C’est encore plus grave lorsque les jeunes générations sont touchées par le “syndrome du jeune Indiana Jones”, c’est-à-dire qu’elles adoptent des postures rigides et nostalgiques de manière encore plus évidente et marquée, avec des œuvres d’art qui font référence à l’imagerie archéologique, à l’informalisme des années 1950, au remaniement didactique de l’arte povera, aux anciens Romains ou au marché d’antiquités sous la maison. La citation retombe de manière fétichiste sur elle-même sans devenir un pont vers notre présent, c’est-à-dire ce qui est la tâche fondamentale de l’art contemporain. Il s’agit de stratagèmes, plus ou moins inconscients, pour attirer l’attention pendant les quelques secondes accordées dans les foires et les biennales, et pour charger l’œuvre de valeurs apparemment “sûres”, comme c’est le cas aujourd’hui pour tout ce qui est antique et vintage.

Paradoxalement, l’art contemporain italien et international n’est sauvé que par la récupération des maîtres vénérés, c’est-à-dire le moderne, de Van Gogh aux années 1970, qui non seulement nous permet d’apprécier le vieux bijou redécouvert dans le coffre à trésors de grand-mère, mais aussi permet au marché de l’art de survivre. Les contractions du marché contemporain en 2024 ne sont que les conséquences d’un marché spéculatif que nous avons connu ces dernières années, et qui a complètement perdu cette capacité critique essentielle pour stimuler la qualité de l’art que nous appelons “contemporain”, non seulement parce qu’il nous est contemporain, mais parce qu’il est créé et conçu par des artistes qui ont émergé après 2000. Nous sommes dans le paradoxe où les “meilleurs” artistes “contemporains” sont ceux qui ont émergé dans les années 90, comme notre Mautizio Cattelan, mais qui ont aujourd’hui plus de 60 ans. Après 2001, tout est figé, même au niveau international, et la surproduction d’artistes dérivés et homologués ne s’accompagne d’aucun parcours artistique vraiment pertinent. Comme si tout était figé et suspendu.

La valeur de l’œuvre réside dans les attitudes à partir desquelles elle se précipite, elle réside dans le “comment” et pas tellement dans le “quoi”. Ainsi, si un jeune utilise une attitude d’il y a soixante-dix ans, c’est comme si nous voulions guérir la pneumonie avec des techniques d’il y a soixante-dix ans. Cela fonctionne dans une certaine mesure : si nous traitons Kounellis et la Transavanguardia, nous aimons un peu cela, parce que nous les avons déjà dans les yeux. Mais nous passons à côté d’énormes opportunités. Les œuvres sont vendues à des millionnaires et à des extra-millionnaires, mais les questions éthiques et morales sont alors rattachées à la hâte aux œuvres sans qu’elles n’abordent réellement ces questions. Exemple : pour traiter du féminisme, il ne suffit pas de dessiner un défilé féministe.

Avec les expositions chaotiques et les biennales où rien n’émerge, nous avons une foire chaque semaine. Les foires caractérisent le système de l’art et deviennent dangereusement le lieu où l’on “sème” et où l’on “récolte”. Cette situation contraint les artistes contemporains à une loupe qui détériore encore plus la qualité, surtout dans des situations super chaotiques où nous voyons des milliers d’œuvres dans un court laps de temps. Dans ce chaos compétitif, les valeurs sont nivelées, tout tend vers la médiocrité, et les artistes contemporains, déjà homologués et faibles, deviennent faibles et interchangeables. Paradoxalement, la figure de l’artiste et l’œuvre perdent de leur importance et de leur centralité, ce qui condamne encore plus le système tout entier.

Ces dernières années, j’ai eu affaire à un certain nombre de galeries et de collectionneurs. Pour exposer dans certaines galeries, en tant que jeune artiste ou artiste en milieu de carrière, vous devez en quelque sorte traiter des langages dérivés, vous devez vous homologuer. Il s’agit là d’un message évident visant à faire croire au galeriste que l’on peut vendre quelque chose. Et même si l’on parvient à “vendre quelque chose”, ces artistes maniéristes sont condamnés à se fondre dans la masse et à se perdre complètement. Le résultat final est donc une défaite pour tout le monde : l’artiste qui vend trois œuvres et qui est ensuite perdant, le collectionneur qui a acheté et qui perd ensuite complètement de vue l’artiste, le galeriste qui ne pourra plus du tout faire vivre sa galerie à l’avenir. En d’autres termes, il faut baisser la qualité pour essayer de vendre quelque chose dans un système qui devient un cercle vicieux.

Depuis de nombreuses années, il est clair que le problème est “éducatif”, en ce qui concerne les artistes et les conservateurs, mais aussi “populaire”, c’est-à-dire la capacité de créer un espace d’opportunité pour que le public et les collectionneurs se passionnent. L’art contemporain pourrait aujourd’hui jouer un rôle politique et social fondamental en tant que gymnase et laboratoire pour former et expérimenter un “nouveau regard”, c’est-à-dire changer notre vision du monde et donc nos choix. À condition toutefois qu’il ne devienne pas, comme c’est le cas aujourd’hui, un motif de mobilier intérieur ou urbain, ou quelque chose de totalement décoratif et inoffensif, utile uniquement pour justifier les salaires de certains conservateurs et tromper des collectionneurs désorientés, souvent éclairés uniquement par leur téléphone portable.

L'auteur de cet article: Luca Rossi

“Luca Rossi" è un nome di fantasia in cui idealmente convergono tutti i ruoli del sistema dell'arte: artista, critico, curatore, blogger e osservatore indipendente. È stato definito da Fabio Cavallucci “la personalità artistica più interessante d'Italia”. Dal 2009, “Luca Rossi”, collettivo aperto e figura controversa nel sistema artistico, cerca di stimolare quotidianamente un dibattito più critico nell'ambito dell'arte contemporanea, intesa come materia capace di rivestire un ruolo fondamentale nel nostro presente. Dalle sue riflessioni critiche, ampiamente diffuse, sue le definizioni di “Ikea evoluta”, “Sindrome del Giovane Indiana Jones” e “Nonni Genitori Foundation”, è nato un progetto artistico non convenzionale, che comprende anche attività di divulgazione e formazione, culminate nel 2016 con la creazione della Luca Rossi Art Academy & Coaching (documenta.live). Nel febbraio 2026, un Hidden Work di Luca Rossi è entrato nel nuovo percorso espositivo di Osteria Francescana di Massimo Bottura, segnando un ulteriore sviluppo del progetto e della ricerca intorno agli Hidden Works. Nel 2014 Giacinto Di Pietrantonio, in un’intervista, definì Luca Rossi la promessa futura dell'arte contemporanea, paragonandolo a ciò che Vanessa Beecroft avrebbe potuto essere negli anni Novanta. Alcuni “nodi critici” sviluppati nel corso degli anni da Luca Rossi sono entrati a far parte del linguaggio dell'arte italiana e hanno contribuito a cambiare la prospettiva e la visione di molte persone, dentro e fuori il settore. Nel 2014, la celebre critica d'arte Angela Vettese dichiarò che, dopo aver letto i testi di Luca Rossi, aveva deciso di non dedicarsi più alla pratica artistica, ma esclusivamente alla teoria.

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