Del 20 de junio al 28 de septiembre de 2025, las salas de la segunda planta de la Galleria Internazionale d’Arte Moderna di Ca’ Pesaro de Venecia acogerán la exposición personal de Antonello Viola, artista romano nacido en 1966, uno de los intérpretes más líricos de la pintura italiana contemporánea. Comisariada por Elisabetta Barisoni, directora del museo, la exposición reúne una selección de obras creadas en los últimos cuatro años, muchas de las cuales se presentan al público por primera vez.
El proyecto está concebido como un diálogo silencioso y profundo con Venecia, ciudad líquida por excelencia, en la que cada superficie se refleja y cada frontera es fluida. Y es precisamente esta cualidad la que anima toda la poética de Viola, pintor de transparencias y disoluciones, que en la materia busca el más allá: el tiempo, la luz, la memoria.
En el universo pictórico de Antonello Viola, el color nunca es un mero elemento decorativo: es pura energía, una presencia viva que se modula en relación con el espacio, el tiempo y la luz. Sus superficies -ya sean de cristal o de papel japonés- nunca se ofrecen como imágenes estáticas, sino que se transforman continuamente, cambian con la iluminación, resuenan con el movimiento de la mirada.
El color es materia palpitante y, al mismo tiempo, inmaterial. Una piel líquida que revela la superposición de gestos, la acumulación de signos, la lenta deposición de la pintura. Sobre esta superficie vibrante, el pan de oro actúa como un elemento espiritual y luminoso, sugiriendo sacralidad sin retórica, una tensión silenciosa hacia lo absoluto. Cada obra es así un acontecimiento atmosférico, una revelación visual que se revela en el momento de la observación.
Antonello Viola trabaja en el signo de la no objetividad: sus obras no representan, sino que evocan. No hay narración, sino evocación de estados, presencias, sensaciones. En esto, el artista se sitúa en continuidad con el legado del suprematismo ruso y la lección de Kazimir Malevič, que inspiró el concepto de “transfiguración en el cero de la forma”.
Sus obras no abstraen de la realidad, sino que disuelven el objeto hasta evaporarlo, para permitir que emerjan atmósferas que rozan lo metafísico. El resultado son imágenes que parecen islas utópicas, evocadoras incluso en sus títulos: Poveglia, Giudecca, Le Camere, Isla de Elba, Murano, Santo Spirito. Cada nombre es un lugar de aterrizaje mental, un mapa imaginario que reúne lugares reales y visiones interiores, espacios geográficos y estados del alma.
El corazón de la exposición está formado por dos núcleos de obras: las pinturas sobre vidrio y las realizadas sobre papel japonés. En las primeras, la pintura adquiere una dimensión tridimensional, gracias a láminas dispuestas en varios niveles y pintadas por ambas caras. Estas obras se desarrollan horizontalmente, evocando paisajes diáfanos y estratificados, que el visitante casi puede atravesar con la mirada. Son paisajes de transparencias, donde la luz entra, se filtra, se refracta y devuelve visiones siempre cambiantes.
En contrapunto, las obras sobre papel son verticales y más icónicas, como pancartas silenciosas. Aquí, la presencia del pan de oro adquiere protagonismo, realzando el efecto luminoso y espiritual del conjunto. El gesto pictórico se vuelve más esencial, pero no menos profundo: cada signo es una declaración calibrada, un equilibrio entre vacío y presencia.
Esta exposición se inscribe también en un diálogo explícito con Venecia, ciudad que por excelencia vive en la reflexión, en la movilidad de la frontera entre el cielo y el agua. La obra de Antonello Viola absorbe y transfigura esta condición, devolviendo una imagen de la ciudad que no es descriptiva sino ritual, construida sobre la luz y el flujo. Al igual que los cimientos de Venecia se redefinen con cada marea, la pintura de Viola es también un acto en construcción, que acepta el cambio y lo acoge como parte de su verdad.
El proyecto expositivo también incluye un diálogo dentro de la colección del museo, con especial referencia a la obra de Giulio Aristide Sartorio. En una exposición reciente en la Galleria Nazionale d’Arte Moderna de Roma, Viola ya había colocado sus propios papeles junto a las obras de Sartorio. En Ca’ Pesaro, esta relación se renueva e intensifica: el Poema de la vida humana de Sartorio, instalado en las salas adyacentes a la exposición de Viola, se convierte en una presencia silenciosa pero poderosa, que sugiere una línea de continuidad entre dos artistas romanos que comparten una idea de la pintura como visión total, como experiencia emocional e intelectual.
Para más información, visite el sitio web oficial de Ca’ Pesaro.
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| Antonello Viola en Ca' Pesaro: luz, oro y silencio en el arte de fluir |
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