Dos exposiciones en la Villa dei Cedri de Bellinzona: hogar y naturaleza en el centro de la temporada de exposiciones

El Museo Villa dei Cedri de Bellinzona (Cantón del Tesino, Suiza) inaugura su temporada de exposiciones primavera-verano 2026 con dos muestras dedicadas a figuras del panorama artístico suizo contemporáneo. Del 14 de marzo al 2 de agosto, la institución presenta los proyectos expositivos Zilla Leutenegger. Mi casa y Alex Hanimann. Naturaleza humana, dos recorridos paralelos que abordan la relación entre el individuo y el entorno, centrándose en la experiencia humana y en el modo en que los espacios habitados u observados contribuyen a la construcción de la memoria, la identidad y la imaginación.

Las dos exposiciones desarrollan una reflexión sobre ámbitos que pertenecen a la tradición investigadora del museo de Bellinzona: el espacio doméstico y el paisaje natural. En las salas de la villa, estas dimensiones se convierten en lugares de proyección y transformación, contextos en los que se invita a los visitantes a confrontar su propia experiencia y a reconsiderar la relación entre memoria privada y experiencia colectiva.

El proyectoCasa mia de Zilla Leutenegger (Zúrich, 1968) encaja directamente en las estancias de la residencia histórica que ahora alberga el museo. A lo largo del tiempo, la Villa dei Cedri ha sufrido varias transformaciones vinculadas a las necesidades vitales de sus sucesivos propietarios. Cada intervención ha reflejado las necesidades representativas de su época, registrando los cambios sociales y culturales. El artista construye su intervención site-specific precisamente a partir de esta estratificación, reconectando con la función original de la villa como espacio doméstico.

Mediante una combinación de dibujos murales, proyecciones de vídeo y mobiliario modernista, Leutenegger redefine las estancias del museo como si siguieran siendo estancias de la vida cotidiana. El recorrido expositivo devuelve la estructura de una casa, con espacios que remiten a funciones precisas: cuarto de baño, dormitorio, estudio, salón y cocina. La intervención rememora el imaginario y los modelos sociales de la posguerra, periodo que constituye una de las referencias centrales de la exposición.

La entrada a las salas conduce al público a un universo predominantemente femenino que abarca un lapso de tiempo que va desde la década de 1950 hasta la época contemporánea. En este contexto, surge la figura de la casera, una presencia que contrasta con la de Arrigo Stoffel, el cabeza de familia ligado a los valores y normas sociales de finales del siglo XIX. El diálogo entre estas dos figuras simbólicas contribuye a delinear una confrontación entre épocas y modelos culturales diferentes. Desde la vivienda del cabeza de familia Stoffel hasta la reinterpretación propuesta por Leutenegger, el edificio del museo se convierte así en un espejo de las transformaciones sociales, los cambios en las relaciones familiares y las nuevas aspiraciones que han atravesado la sociedad a lo largo del tiempo.

El proyecto también nos invita a observar las múltiples posibilidades del dibujo, técnica que constituye el hilo conductor de toda la exposición. El signo gráfico aparece en las obras de diferentes formas: trazado directamente sobre las paredes, animado a través de proyecciones o transformado en un objeto tridimensional. La decisión de utilizar el dibujo como elemento central no responde únicamente a una preferencia formal. De hecho, el dibujo permite delinear contornos esenciales y deja espacios de interpretación abiertos a la mirada del visitante, que participa así en la construcción del significado de las imágenes.

El enfoque site-specific representa uno de los elementos característicos de la práctica de Leutenegger. Sus instalaciones construyen entornos suspendidos, escenarios casi silenciosos en los que las obras aparecen como imágenes cristalizadas en el tiempo. En estos contextos, cada visitante es invitado a elaborar su propia lectura e imaginar una posible narrativa. A lo largo de los años, la obra del artista también ha encontrado diversos momentos de confrontación con el público italiano. Algunas de las experiencias más relevantes son su participación en la exposición de 2006 Visiones del paraíso en elIstituto Svizzero de Roma, la exposición individual Ariel y sus gatos presentada en 2021 en la Galleria Monica De Cardenas de Milán, y su participación en la sexta edición del proyecto expositivo 1+1+1 en 2022 en los espacios de Assab One, donde presentó la instalación The Dncr.

Junto a este proyecto, la exposición Human Nature de Alex Hanimann (Mörschwil, 1955) propone una reflexión sobre la representación del paisaje y la relación entre naturaleza, memoria e imagen. El artista pertenece a una generación que ha atravesado una fase de profundas transformaciones, en un contexto social marcado por el cambio y la complejidad crecientes. En este escenario, los lenguajes artísticos y las tecnologías visuales se han entrelazado progresivamente, dando lugar a formas expresivas que combinan diferentes medios y cuestionan los límites tradicionales entre técnica y significado.

El proyecto expositivo se centra en la fotografía en blanco y negro y parte de imágenes de entornos naturales a menudo marginales o inhóspitos. Ramas enmarañadas, maleza, árboles y vegetación salvaje constituyen los temas principales de las obras. A partir de estos elementos, Hanimann construye paisajes que evocan la idea de una naturaleza virgen, casi mítica. Sin embargo, en las imágenes quedan visibles huellas de la intervención humana, signos que sugieren la presencia del hombre incluso en los contextos aparentemente más salvajes.

La disposición y estructura de los espacios naturales fotografiados adquieren una función simbólica que estimula al visitante a establecer conexiones personales con las imágenes. La exposición invita al visitante a relacionar las fotografías con su propio bagaje de recuerdos y experiencias, abriendo la posibilidad de diferentes interpretaciones. De este modo, la obra de Hanimann adopta la forma de una reflexión sobre el funcionamiento de la memoria y los mecanismos a través de los cuales se registra y reprocesa la experiencia. Las imágenes observadas a lo largo de la vida se seleccionan, organizan y recomponen mediante procesos de interpretación y reelaboración que modifican continuamente el patrimonio visual personal. Las fotografías presentadas en la exposición reflejan precisamente este proceso de transformación.

Muchas imágenes tienen su origen en los viajes del artista y están tomadas sobre la marcha, desde diferentes medios de transporte como el coche, el tren, el autobús o la bicicleta. Esta condición introduce un elemento de aleatoriedad en las fotografías que complementa la intención compositiva. Posteriormente, las imágenes se someten a un proceso de reelaboración que implica recortes, sustracciones y recomposiciones. Mediante estas operaciones, el artista construye paisajes caracterizados por una fuerte ambivalencia, elemento que constituye una de las claves interpretativas de todo el proyecto.

Las obras expuestas están creadas con diferentes herramientas. Algunas fotografías tienen su origen en el uso del smartphone, un dispositivo a través del cual la mirada del fotógrafo entra en relación con las elecciones operativas de los algoritmos. Esta dinámica es particularmente evidente en la serie "Conducir". Junto a estas imágenes aparecen tomas realizadas con una cámara profesional de alta precisión, utilizada para el díptico perteneciente a la serie Wilderness, obra que cierra la exposición.

Dos exposiciones en la Villa dei Cedri de Bellinzona: hogar y naturaleza en el centro de la temporada de exposiciones

Advertencia: la traducción al español del artículo original en italiano se ha realizado mediante herramientas automáticas. Nos comprometemos a revisar todos los artículos, pero no garantizamos la ausencia total de imprecisiones en la traducción debidas al programa. Puede encontrar el original haciendo clic en el botón ITA. Si encuentra algún error, por favor contáctenos.