La Pinacoteca di Brera expone la Cena de Emaús y el David de Caravaggio junto a

En Milán, la Pinacoteca di Brera reanuda sus “Diálogos”, las tradicionales comparaciones entre grandes obras de su colección y pinturas invitadas, iniciadas por el director James Bradburne en 2016. La cita llega en el no-diálogo con una exposición centrada en uno de los mayores protagonistas de la historia del arte de todos los tiempos: Caravaggio. Del 21 de junio al 25 de septiembre de 2022, el museo presentará, en efecto, Caravaggio, no veno diálogo, que yuxtapondrá dos obras maestras del genio lombardo como La cena de Emaús, de la Pinacoteca di Brera, y David con la cabeza de Goliat, de la Galleria Borghese de Roma.

El Noveno Diálogo es la tercera cita que acoge obras de Caravaggio en la Pinacoteca: una exposición en 2009, Caravaggio acoge a Caravaggio, comisariada por Mina Gregori y Amalia Pacia, había comparado por primera vez la Cena de Emaús de Brera con la Cena de Emaús de la National Gallery de Londres, fechada en 1602, y en el catálogo se habían incluido importantes contribuciones sobre las dos obras y sus vicisitudes críticas. Más recientemente, en 2017, En torno a Caravaggio. A Question of Attribution, comisariada por Nicola Spinosa y James Bradburne, había permitido observar algunas copias del siglo XVII de Louis Finson expuestas y razonar sobre un complejo asunto atributivo, el de la Judith de Tolosa. La nueva exposición sobre Caravaggio, comisariada por Letizia Lodi, brindará al público la oportunidad de asistir a un acontecimiento que pone en escena una comparación inédita: los dos cuadros, ambos pertenecientes a la producción tardía del artista, ejecutados entre Roma y Nápoles, se expondrán de hecho uno junto al otro por primera vez, con el público y los estudiosos llamados a razonar y discutir la cuestión de la datación de David con la cabeza de Goliat, aún muy debatida por la crítica, gracias también a los recientes estudios de Maria Cristina Terzaghi, Francesca Cappelletti, Rossella Vodret, Alessandro Zuccari, Antonio Iommelli y Gianni Papi.

“Los debates sobre los cuadros no sólo versan sobre la atribución -es decir, la identidad del artista-, e incluso cuando ésta no parece estar en discusión, como en el caso del Caravaggio de la Galleria Borghese, sino que otro elemento fundamental de la historia de un cuadro es el momento en que se realizó”, afirma James Bradburne, director de la Pinacoteca di Brera y de la Biblioteca Braidense. “Saber exactamente cuándo se terminó una obra es esencial para comprender su contexto, su iconografía y, sobre todo, para situarla exactamente en la trayectoria evolutiva del artista”.

Así pues, el diálogo actual tiene como protagonista una obra maestra en cierto modo enigmática de Caravaggio, el David con cabeza de Goliat de la Galería Borghese, cedido a la Pinacoteca a cambio del préstamo del cuadro de Guido Reni, San Pablo reprende a Pedro el penitente, para la exposición Guido Reni en Roma, comisariada por Francesca Cappelletti, que se clausuró hace unas semanas con el cuadro de Reni devuelto a la misma sala 28 donde se expone la Cena de Emaús y se monta la exposición de Caravaggio. La oportunidad de admirar las dos obras gracias a una estrecha comparación permitirá al público captar los detalles, incluso sangrientos y extremadamente realistas, del cuadro del Borghese: como la cabeza cortada del Goliat, probable autorretrato del artista, los peculiares trazos de color de Caravaggio, el brillo de la espada, con el lema agustiniano “H-AS-OS” (“Humilitas occidit superbiam”) inscrito en la coraza, los pequeños pliegues de la camisa blanca de David. Siempre en el centro de un intenso debate crítico, debido también a los diferentes matices de su significado, el David con la cabeza de Goliat expresa innegablemente el drama humano vivido por el artista lombardo, que, huyendo de Roma en 1606, acusado del asesinato de Ranuccio Tomassoni, encontró hospitalidad primero en las fincas de los Colonna en Paliano y después en Nápoles, gracias también a la protección de la poderosa familia Colonna. La elección del tema, la victoria de David sobre el gigante Goliat, se debe muy probablemente al propio artista. La versión del cuadro de los Borghese se aparta de la representación tradicional del David triunfante, ejemplo de virtud victoriosa: el joven héroe sostiene en su mano derecha la espada con la que acaba de asestar el golpe mortal a Goliat, mientras dirige una mirada compasiva y melancólica a la cabeza cortada del gigante derrotado. “El autorretrato del rostro de Goliat chorreando sangre es particularmente dramático, con ese bulto de arrugas en la frente que preludia la vacuidad de sus ojos, fijos en una mirada asimétrica y el grito fijado por la muerte” (Cappelletti, 2010). La complejidad de los aspectos narrativos subyacentes y la carga trágica de la obra se ven amplificados por la presenciadel autorretrato del pintor en la cabeza del gigante derrotado, que ya se menciona en fuentes del siglo XVII, también en relación con el primer propietario del cuadro, el cardenal Scipione Borghese.

En cuanto a la datación exacta de la obra, como explica James Bradburne en el ensayo que abre el catálogo de la exposición, existen varias hipótesis sobre la fecha en que Caravaggio pintó David y Goliat. Algunos sostienen que fue ejecutado en Roma, poco antes del asesinato de Ranuccio Tomassoni y su posterior huida a Nápoles, a través de las posesiones de su protector Colonna. Algunos estudiosos sitúan la ejecución después de su llegada a Nápoles; otros creen que la obra es contemporánea del cuadro de Brera, por lo que se incluye entre las tres ejecutadas en la finca de Colonna durante el verano de 1606. Aunque la mayoría de los críticos creen hoy que el lienzo fue ejecutado durante la segunda estancia de Caravaggio en Nápoles, es decir, hacia finales de 1609, como lo demuestran el uso del color, el tratamiento de la luz y el colorido.Esta tesis no sólo no excluiría la referencia al perdón, sugerida por la cabeza cortada del gigante -la sentencia de muerte pronunciada en 1606 era conocida por el artista-, sino que también explicaría mejor la similitud estilística con la obra maestra de Brera, que el visitante puede ahora apreciar directamente con este diálogo.

La exposición va acompañada de un catálogo editado por Marsilio que, además de la contribución de James Bradburne, incluye ensayos de Francesca Cappelletti, Antonio Iommelli, Letizia Lodi y Maria Cristina Terzaghi, en los que se exploran diversos temas, como la presencia del David en las colecciones de Scipione Borghese y su paso al Museo, la producción de Caravaggio entre Roma y Nápoles y, por supuesto, la datación, las descripciones de las dos obras maestras, la Cena de Emaús en la Pinacoteca de Brera, desde lacompra en 1939, a la exposición de 1940, a las exposiciones recientes, algunas correspondencias entre protagonistas como Ettore Modigliani, Guglielmo Pacchioni, Fernanda Wittgens y Giulio Carlo Argan, y una galería fotográfica de detalles de los dos cuadros.

Las dos obras

La Cena de Emaús en Milán es una segunda versión, muy diferente de la primera (hoy en la National Gallery de Londres) que Caravaggio pintó del mismo tema, a saber, el momento de la revelación de la identidad de Jesús resucitado a los dos discípulos que regresaban de Emaús y que habían confundido a Cristo con un viajero. El cuadro data de un momento particular y dramático de la vida del artista: su huida de Roma, herido, tras el asesinato de Ranuccio Tomassoni el 28 de mayo de 1606. Merisi, escondido en los feudos de la familia Colonna en Palestrina, Paliano y luego Zagarolo, a la espera de una sentencia, según las fuentes (Mancini 1620; Baglione 1642; Bellori 1672; Baldinucci 1681-1728) pintó una Cena en Emaús y una Magdalena en éxtasis, presumiblemente para vender las obras y reunir lo suficiente para su posterior huida a Nápoles. La Cena, registrada desde 1624 en la colección de la familia Patrizi, no volvió a venderse hasta 1939, cuando la Associazione Amici di Brera, con la contribución de dos mecenas milaneses, la compró para la Pinacoteca. En comparación con la versión londinense, el cuadro presenta una paleta de colores más parca y una aplicación de la pintura más inmediata y rápida, que a veces deja entrever la preparación subyacente. La escena está inmersa en una oscuridad que ocupa una parte sustancial del lienzo e inaugura la fase de madurez de la obra de Merisi. La composición semicircular delimitada por los gestos y los mantos de los discípulos centra la atención en el rostro de Cristo, medio iluminado por una luz procedente de la izquierda, que se convierte en el símbolo y el medio del desvelamiento: el momento descrito es el de la despedida de los discípulos, con la bendición del pan partido, en conmemoración de la Última Cena.

El David con la cabeza de Goliat fue ejecutado muy probablemente en Nápoles, donde Caravaggio, que había huido de Roma en 1606, se encontraba exiliado acusado de asesinato. La elección del tema, con la victoria del héroe de Israel sobre el gigante filisteo Goliat, se debe probablemente al propio pintor. David no muestra una actitud orgullosa de triunfo mientras sostiene y observa la cabeza cortada de Goliat; su expresión es más bien de piedad hacia este “pecador”, en cuyo rostro Caravaggio representaría su propio autorretrato. La descripción del rostro de Goliat, tan vivamente expresivo en la frente arrugada, la boca abierta para su último aliento, la mirada sufriente, la tez sin vida, representa el resultado del drama humano vivido por el artista. La inscripción de la espada “H.AS O S” ha sido disuelta por la crítica con el lema agustiniano Humilitas occidit superbiam. El episodio bíblico se convierte así en un impresionante testimonio de los últimos meses de la vida de Caravaggio, haciendo verosímil la hipótesis de que el pintor enviara el lienzo al cardenal Scipione Borghese, como regalo que debía entregar al Papa Pablo V para obtener su indulto y regresar a su patria. El indulto le fue concedido, pero Caravaggio, casi al final del viaje a Roma, murió en la playa de Porto Ercole en circunstancias aún misteriosas.

La Pinacoteca di Brera expone la Cena de Emaús y el David de Caravaggio junto a

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