Hoy en día, si lo pensamos bien, no es raro cruzarse con mujeres marchantes de arte: reciben a los visitantes en sus galerías, tanto en Italia como en el extranjero, del mismo modo que sus compañeros galeristas, e incluso en las numerosas ferias de arte que se celebran a lo largo del año en diversas ciudades italianas y de todo el mundo, no son infrecuentes. Afortunadamente, el mundo laboral ha evolucionado en este sentido y una profesión que, no hace mucho, en el siglo pasado, se consideraba una prerrogativa principalmente masculina, se ha universalizado. El ejemplo más famoso de galerista y coleccionista, que sigue considerándose una excepción para la época en la que le tocó vivir, el siglo XX, es seguramente la estadounidense Peggy Guggenheim, que abrió su primera galería de arte en Londres con sólo treinta y nueve años, después de cuatro la amplió a Nueva York, y finalmente se enamoró perdidamente de Venecia hasta el punto de trasladar aquí toda su colección desde 1949 hasta su muerte en 1979. Y durante todos estos años, desde el comienzo de su carrera hasta su muerte, fue una auténtica mecenas, rodeándose constantemente de arte y de artistas famosos y desconocidos hasta entonces, contribuyendo ella misma, a través de susexposiciones temporales y adquisiciones, a dar a conocer a muchos de estos últimos; por poner algunos ejemplos, Mark Rothko, Robert Motherwell y Jackson Pollock, el caso más llamativo, pero también Hans Arp, Constantin Brâncuși y Emilio Vedova. Sin embargo, antes de la mundialmente famosa Peggy Guggenheim, el siglo XX conoció a otra marchante, coleccionista y mecenas que se rodeó de arte y artistas durante toda su vida, contribuyendo durante casi cuarenta años al descubrimiento y éxito de pintores y escultores que pasaron a formar parte del Olimpo de la historia del arte: Berthe Weill (París, 1865 - 1951).
Sin embargo, a pesar de su papel fundamental en la difusión del arte moderno y de su gran influencia en el arte de la época, su historia ha sido injustamente casi olvidada o sigue siendo poco conocida a día de hoy. Por ello, para que el gran público redescubra la figura de esta importante marchante de arte que se adelantó a su tiempo, en una época dominada por los hombres, el Museo de la Orangerie de París recorre su historia en una completa exposición de un centenar de obras, titulada Berthe Weill. Galeriste d’avant-garde (“Berthe Weill. Galleriste d’avant-garde”, comisariada por Sophie Eloy, Anne Grace, Lynn Gumpert y Marianne Le Morvan) y abierta hasta el 26 de enero de 2026, su actividad y su carrera, revelando claramente tanto su personalidad como su crucial contribución. “Es una exposición que pretende devolverle el lugar que le corresponde”, en palabras de la directora del Musée de l’Orangerie Claire Bernardi, y la intención, en opinión de la escritora, es acertada. Pero recorramos su historia siguiendo el hilo de la exposición y de las obras expuestas.
Nacida en París el 20 de noviembre de 1865 en el seno de una modesta familia judía de ascendencia alsaciana, Berthe Weill comenzó su carrera artística muy joven, aprendiendo el oficio de su primo, el marchante de estampas y cuadros Salvator Mayer, gracias al cual tuvo la oportunidad de conocer tanto a los protagonistas de la escena artística parisina como a los coleccionistas. Tras la muerte de Mayer en 1896, Berthe abrió su primera tienda de antigüedades en el animado barrio de Pigalle, a los pies de Montmartre, donde muchos artistas de vanguardia vivían y trabajaban en condiciones precarias. Desde el principio dio muestras de audacia no sólo artística, sino también política: en 1898, en pleno Affaire Dreyfus, se posicionó exponiendo en su escaparate el gran cuadro de Henry de Groux Zola aux outrages, gesto que le valió amenazas e insultos, revelando así de inmediato su carácter combativo. Los primeros años fueron económicamente difíciles: tuvo que hacer variar las actividades de su taller, vendiendo libros y exponiendo grabados junto a las obras de ilustradores y caricaturistas para obtener más ingresos.
En 1901, a la edad de treinta y seis años, con la ayuda del comerciante catalán Pere Mañach, promotor de la joven generación española, transforma su taller en la Galerie B. Weill, ocultando su nombre de pila, probablemente para disimular que era una mujer quien dirigía el negocio. La inauguró el 1 de diciembre. Su aguda sensibilidad se puso de manifiesto de inmediato: Mañach le había presentado a Pablo Picasso , que acababa de llegar de Barcelona, y Weill no sólo compró sus obras, sino que vendió una quincena de ellas antes incluso de que el artista celebrara su exposición individual en la galería de Ambroise Vollard. De hecho, fue su primera marchante. Se exponen algunos cuadros de Picasso que ella compró, entre ellos La Mère, Nature Morte y La Chambre bleu, esta última obra perteneciente al “periodo azul”.
En abril de 1902 vendió por primera vez un cuadro de Henri Matisse en su galería (aquí se exponen Première nature morte orange y Le lit de Matisse) y se hizo amiga de Raoul Dufy ( aquí se exponen Paysage de Provence y La Rue pavoisée). Su determinación era “inquebrantable”, como la describe en sus memorias publicadas en 1933 bajo el título Pan! dans l’oeil.... Ou trente ans dans les coulisses de la peinture contemporaine 1900-1930, de las que se extraen las frases más significativas que escribió y que sirven de título a las diferentes secciones de la exposición de París.
La Galerie B. Weill también desempeñó un papel importante en el reconocimiento del fauvismo. Ya desde 1902, antes de su consagración-escándalo en el Salón de Otoño de 1905 debido a sus colores demasiado vivos y a la simplificación de las formas, el marchante acogió regularmente exposiciones de Maurice de Vlaminck, André Derain, Albert Marquet y de un grupo de alumnos de Gustave Moreau reunidos en torno a Henri Matisse. Se exponen cuadros de Raoul de Mathan, Pierre Girieud y Kees Van Dongen. Posteriormente, descubre en el Salón de los Independientes de 1905 el talento y la independencia de la pintora Émilie Charmy, que expone en la Galerie B. Weill treinta veces, con la que entabló una amistad de por vida (aquí se exponen un autorretrato y un retrato con las manos en los bolsillos y reloj de pulsera que el artista hizo de su mecenas y amiga Berthe).
Su apoyo a las vanguardias no se detuvo ahí: también dio cabida al cubismo, a pesar de las dificultades en una época en la que la disputa estética a menudo enmascaraba consideraciones nacionalistas. En efecto, desde el principio Weill apoyó a muchos artistas cuya obra incluía un periodo cubista, exponiendo a casi todos los principales exponentes del cubismo antes de la Guerra Mundial, y organizando exposiciones individuales en 1914 para Jean Metzinger y Diego Rivera (aquí se muestra su Torre Eiffel), cuyas obras pueden verse en la exposición junto a las de André Lhote, Louis Marcoussis y Alice Halicka, a quienes Georges Braque calificó de “cubistas”.
En las primeras décadas del siglo XX, París se consolidó como imán internacional para artistas procedentes de Europa, de los territorios del antiguo Imperio Austrohúngaro y de Estados Unidos. La actividad de Berthe Weill se inscribe en este contexto dinámico, contribuyendo decisivamente a la emergencia de personalidades artísticas a menudo marginadas, marcadas por condiciones de precariedad económica y formas de exclusión social. Animada por una curiosidad independiente y una mirada personal, Weill elegía a los artistas sin atenerse a programas teóricos, sino basándose en su propia sensibilidad y en la calidad de las obras. En una exposición tras otra, también se opuso a una visión conservadora del arte francés, a menudo impregnada de cerrazones nacionalistas, xenófobas y antisemitas.
Pero, sobre todo, su atención a los jóvenes artistas se mantuvo firme a lo largo del tiempo, traduciéndose en un compromiso permanente de promoción de los mismos a través de exposiciones dedicadas. Así, vemos en esta sección un bello desnudo de Suzanne Valadon (como mujer, Weill tenía una especial preocupación por las artistas femeninas), la Vie en rose de Raoul Dufy, que el artista realizó en 1931 para celebrar el 30 aniversario de la Galerie B. Weill, y cuadros del pintor búlgaro Jules Pascin, que expuso en su galería veintitrés veces tras su encuentro en 1910.
En 1917, el galerista se endeudó para trasladarse a un espacio más grande. Fue en esta nueva ubicación, en el número 50 de la rue Taitbout, donde tuvo lugar uno de los acontecimientos más sensacionales de su carrera: a instancias del poeta de origen polaco Léopold Zborowski, organizó la única exposición individual dedicada a Amedeo Modigliani cuando el pintor de Leghorn aún vivía. La exposición, que presentaba treinta y dos obras, entre ellas cuatro desnudos que más tarde se harían famosos, se vio interrumpida por un escándalo debido al vello púbico visible en los cuadros. El comisario de policía local intervino, ordenando “enlever toutes ces ordures!” (“retirar toda esa suciedad”) por “ultraje al pudor”. A pesar de las protestas, la exposición fue un fracaso comercial, pero Weill, admirando la pintura de Modigliani, compró cinco obras para apoyarle. En la exposición hay dos cuadros de Modigliani, entre ellos un atrevido desnudo de una mujer tumbada en una cama con un collar de coral al cuello, pero no se sabe con exactitud si éste se encontraba realmente entre los cuatro desnudos presentados en la citada exposición, debido a la falta de precisión del catálogo de la misma. También se expone La Chambre Bleu de Suzanne Valadon, otro cuadro que iba en contra de las convenciones de la época por su modernidad y que Weill expuso en su galería en 1927. También apreciaba la pintura de Odette des Garets, Georges Émile Capon y Georges Kars, como demuestran sus obras aquí expuestas.
En 1924 organizó su primera exposición colectiva, que a partir de entonces se celebraría cada fin de año sobre un tema específico. Celebró su 25 aniversario dos años más tarde con una gran fiesta de máscaras, documentada aquí por una fotografía gigante que muestra a la galerista, reconocible por el monóculo que lleva, en medio de sus artistas y de los numerosos invitados, pero el crack de Wall Street de 1929 la obligó a poner en venta su colección personal. A finales de la década de 1930, decidió exponer a artistas que aún no había promocionado, como Otto Freundlich (aquí su Composición de 1939, año en que el pintor fue internado y cuatro años más tarde asesinado en un campo de exterminio), y cambió su enfoque hacia la abstracción.
Su carrera de 40 años se vio dramáticamente interrumpida por la historia: para eludir las leyes contra los judíos, que les prohibían dirigir negocios, puso a un amigo al frente de la galería, antes de su cierre definitivo en 1940. Weill, tras fracturarse el fémur en 1941, vivió escondido y en gran pobreza, probablemente en el estudio de su amiga Émilie Charmy. No fue hasta 1946 cuando se organizó una gran subasta benéfica, con más de ochenta obras donadas por amigos, artistas e incluso galeristas de la competencia, para sacarla de la pobreza. En 1948 fue nombrada Caballero de la Legión de Honor. Falleció el 17 de abril de 1951, en su domicilio, a la edad de ochenta y cinco años. En cuarenta años, Berthe Weill apoyó a más de trescientos artistas y organizó cientos de exposiciones para contribuir a su causa. A pesar de ello, su historia ha caído hoy casi por completo en el olvido. Fue una marchante de arte de vanguardia que dedicó cuarenta años de su vida a apoyar a los artistas de su tiempo con un entusiasmo y una perseverancia sin parangón, teniendo siempre presente su propósito: “Place aux jeunes”, decía.
Dedicarle una exposición como la del museo de la Orangerie es, por tanto, rendir el justo homenaje a una pionera que luchó en primera línea a favor del arte y de los artistas, en una época exclusivamente masculina, con la esperanza de que su redescubrimiento no se vea aún ensombrecido.
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