Se ha hablado en más de una ocasión en estas páginas de la creciente presencia en exposiciones, bienales y ferias de arte de instalaciones espectaculares, de obras que llaman inmediatamente la atención por su fuerza visual pero que a menudo son frágiles o superficiales desde el punto de vista conceptual. O la difusión en los últimos años de exposiciones instagrammables, perfectas para compartir en las redes sociales, pero carentes de profundidad.
Sin embargo, el hecho de que una obra o una instalación sea especialmente fotogénica no implica automáticamente que carezca de significado, ni que su valor se agote en la plasmación estética de la imagen. Una obra visualmente poderosa puede ser al mismo tiempo portadora de temas complejos, de reflexiones que van más allá del impacto inmediato, por lo que reducir la cuestión a una especie de ecuación matemática, bella de fotografiar es igual a obra vacía, sería demasiado simplista y a veces injusto. Este es el caso de la gran exposición monográfica Chiharu Shiota: The Soul Trembles, que puede verse hasta el 28 de junio de 2026 en el MAO Museo d’Arte Orientale de Turín, comisariada por Mami Kataoka, directora del Mori Art Museum, institución museística con sede en Tokio que ha colaborado con el museo turinés en la organización de la muestra, y por Davide Quadrio, director del MAO, junto con Anna Musini y Francesca Filisetti. Es imposible no admitir que El alma tiembla es una exposición muy escénica (y no tiene nada de malo, ya que la artista japonesa es también escenógrafa; también se dedica una sección a este aspecto) y que son precisamente las instalaciones monumentales y espectaculares las obras más fotografiadas de toda la muestra: Las instalaciones más famosas de Chiharu Shiota ocupan salas enteras del Museo de Arte Oriental, envolviendo los espacios en los que se ubican y envolviendo a su vez a los propios visitantes, que pueden literalmente caminar a través de ellas; son por tanto extremadamente fotogénicas, Instagrammables y aptas para compartir en redes sociales, pero también portadoras de significados profundos, íntimos y al mismo tiempo universales. Hablan esencialmente de vínculos: con los demás, con el propio cuerpo, con el entorno, con los objetos, con el cosmos. Hilos de lana tejidos y enmarañados en rojo intenso o negro cuervo rediseñan por completo los ambientes, creando lugares inmersivos de extraordinario poder. Pero su poder visual nunca es un fin en sí mismo. A través de estos tejidos, se invita al visitante a reflexionar sobre las conexiones que atraviesan nuestra existencia: sobre las relaciones que nos unen, sobre los sutiles hilos que enlazan la vida con la memoria, sobre la presencia en la ausencia, sobre lo visible y lo invisible. Es una invitación a reconocer que cada espacio y cada cuerpo están atravesados por una red silenciosa de relaciones, un tejido que nos mantiene unidos y que, al igual que los hilos de lana, puede tensarse, aflojarse, enredarse o abrirse a nuevas formas de significado. “Los hilos se tejen, se enredan, se rompen, se anudan, se estiran. A veces, los hilos que manipulan el corazón pueden incluso convertirse en una expresión de las relaciones entre las personas”, explica Chiharu Shiota, que subraya cómo la obra puede considerarse completa cuando uno ya no es capaz de seguir los hilos individuales que la componen: “Es en ese momento cuando siento que puedo vislumbrar lo que hay más allá y tocar la verdad”, afirma.
La gran instalación Viaje incierto en la que uno se sumerge nada más entrar en los espacios de exposiciones temporales del museo de Turín es un ejemplo sorprendente de estas instalaciones ambientales en las que los hilos de lana roja transforman el espacio expositivo de forma extraordinaria: En la sala se disponen armazones desnudos de barcos, espaciados unos de otros, mientras hilos de un rojo intenso recorren las partes de los barcos destinadas a los pasajeros y luego se elevan hasta el techo, donde se convierten en grandes cúmulos de color, tan densos que resultan impenetrables a la vista. Toda la sala, impregnada de esta densa red de hilos rojos, parece sugerir la idea de los numerosos encuentros, reales o posibles, que aguardan al final de este viaje incierto, amplificando la sensación de suspensión e incertidumbre. Inmediatamente después se encuentra Out of My Body, redes de hilos rojos suspendidos acompañados de partes del cuerpo esparcidas por el suelo: una obra que surge de una profunda percepción de la artista, a saber, que su alma quedó de algún modo atrás, abandonada, mientras su cuerpo se sometía al tratamiento de lucha contra el cáncer que la había atacado por segunda vez. Para Shiota, el acto de utilizar su cuerpo como obra de arte es una forma de dar forma a esa ausencia, de imaginar lo que no se ve y, sin embargo, sigue existiendo en el vacío que deja tras de sí. “Dispongo mi cuerpo en trozos dispersos y empiezo a hablar con él en mi mente”, dice la artista. “De alguna manera me doy cuenta de que éste es el significado del acto de conectar mi cuerpo a los hilos rojos”. Y los dibujos y esculturas de la misma sala expresan este mismo concepto.
Le sigue En silencio, otra instalación de gran fuerza visual en la que esta vez hilos de lana negra se entrelazan y transforman espacios. Se trata de una instalación que parte de un recuerdo personal de la artista: “Cuando tenía nueve años”, se lee en un panel de la exposición, “se produjo un incendio en la casa vecina a la nuestra. Al día siguiente, había un piano delante de la casa. Quemado hasta quedar negro como el carbón, me pareció un símbolo aún más bello que antes. Un silencio indescriptible se apoderó de mí, y durante los días siguientes, cada vez que el viento traía aquel olor a quemado a la casa, podía oír cómo se me nublaba la voz. Hay cosas que se hunden en los recovecos de la mente y otras que, por mucho que lo intenten, no encuentran forma, ni física ni verbal. Sin embargo, existen, como almas sin forma tangible. Cuanto más se piensa en ellas, más se desvanece su sonido de la mente y más se concreta su existencia”. E In Silence evoca precisamente este recuerdo, a través de un piano quemado y unas sillas igualmente quemadas colocadas en este tejido de hilo negro de Alcántara, que a pesar de simbolizar el silencio es como si el conjunto reprodujera una música visual.
En cambio, engarzados en una maraña de hilos negros aparecen vestidos blancos en la obra Reflejo del espacio y del tiempo , situada en las salas de exposición de la colección permanente. Una peculiaridad de esta exposición es, de hecho, la colocación de las obras a lo largo de todo el museo, tanto en los espacios de exposición temporal como en los de la colección permanente; se trata, por tanto, de un proyecto expositivo que implica a todo el MAO de Turín, creando una gran inmersión en el arte de Chiharu Shiota. Volviendo a la obra que acabamos de mencionar, la ropa, al igual que la piel que recubre el cuerpo, simboliza la frontera entre la interioridad del individuo y el mundo exterior. La idea que evocan las ropas vacías, no usadas, es la del sentimiento de presencia en la ausencia, por tanto de la ausencia como huella del ser. Y justo antes, de nuevo en la planta de la colección permanente, se encuentra Accumulation: Searching for the Destination, una instalación monumental con cientos de maletas suspendidas del techo por cables rojos. Las maletas evocan el concepto de memoria (la obra se inspiró en el hallazgo de periódicos antiguos dentro de una maleta encontrada en Berlín, donde vive la artista), pero también la condición de emigrantes de aquellas personas que abandonan su tierra natal en busca de otro destino. “Cuando miro una pila de maletas, sólo veo un número correspondiente de vidas humanas”, declara el artista. “¿Por qué se embarcaron estas personas en este viaje? Pienso en los sentimientos que tuvieron la mañana de su partida”. Una instalación, por tanto, que sugiere el viaje del refugiado en busca de una morada fija y que lleva consigo todo su equipaje de recuerdos, desde la tierra que deja hasta la que espera que le acoja. Es por ello que en la misma habitación se colocan en el suelo y se abren otras tres maletas: Dónde ir, qué existir - Cemento y Dónde ir, qué existir - Fotografías y Dónde ir, qué existir - Tubo y Periódico. La primera llena de cemento, la segunda de fotografías, la tercera de cemento, recortes de periódico y un tubo de vinilo; todos ellos objetos que sugieren un pasado perdido que se transporta en las maletas hacia un futuro en el que nada es seguro.
Además de las instalaciones a gran escala mencionadas anteriormente, la exposición recorre cronológicamente la producción de Chiharu Shiota a través de pinturas, fotografías y vídeos desde sus inicios, con el fin de enfatizar y familiarizar a los visitantes con los temas y conceptos que la artista ha expresado a través de los diferentes medios de la pintura, la performance y la instalación. La exposición comienza desde el principio, con un cuadro de una mariposa sobre un girasol que pintó cuando sólo tenía cinco años. en su primer año en la Universidad Seika de Kioto, donde estudió pintura de 1992 a 1996, y por el que se sintió frustrada al dar prioridad al color y la técnica sin expresar ningún contenido. Fue durante el periodo de estudios universitarios en Australia, en la Escuela de Arte de la Universidad Nacional Australiana de Canberra, cuando una noche Shiota se convirtió ella misma en un cuadro: colgó un lienzo en la pared, después se empapó completamente de pintura al óleo roja, incluido el rostro, y finalmente se envolvió el cuerpo con otro lienzo. Las fotos de este “acto de liberación” de 1994, como ella lo llamó, cuentan la historia de aquella actuación. “Fue el primer trabajo que no era una obra de arte comisariada y acabada, sino más bien un acto de expresión corporal en el que había puesto todo mi ser”, explica, convirtiéndose así en parte de la obra de arte.
También hay fotografías que documentan la primera obra en la que la artista utilizó por primera vez hilos de lana, que más tarde se convirtieron en un rasgo distintivo de sus instalaciones: la performance-instalación De ADN a ADN, también de 1994, en la que Shiota se tumbó desnuda en el suelo y se envolvió en hilos rojos que la conectaban a un gran tejido de los mismos hilos que partía del techo de una habitación interior. ¿Hasta qué punto la transmisión del ADN afecta a lo que pasa por la mente de la persona que crea la obra? Esta fue la reflexión que generó la obra. Hubo, sin embargo, un periodo en el que intentó utilizar materiales distintos a los hilos de lana, como demuestran las instalaciones Flujo de energía o Semejanza con cañas de bambú, Acumulación con bellotas, Una línea con vainas de judías, comenzando también a reflexionar sobre laafinidad que existe entre el orden presente en la naturaleza y el del cuerpo humano. Un tema que retomó en la década de 2000, el del vínculo con la tierra y la naturaleza (símbolos tanto post mortem como del origen de la vida), con varias performances más, como la presentada en Islandia durante la cual envolvió su cuerpo con hilos rojos, creando una situación de fusión entre ella y el paisaje. Unos años antes, en 1997, un taller de la pionera del arte de la performance Marina Abramović celebrado en un castillo del norte de Francia también la llevó a tumbarse, completamente desnuda, en un hueco excavado en un terreno inclinado, del que tuvo que intentar salir con no poca dificultad: el sentido de la performance era evocar el sentimiento de pertenencia a un país muy alejado de aquel en el que vivía y laimposibilidad de regresar a su país de origen. Un vídeo de 2010, Wall, que puede verse en la exposición, vuelve a mostrarla desnuda atravesada por “vasos sanguíneos” entrelazados con su cuerpo para reflexionar sobre “la existencia de seres humanos incapaces de superar las barreras” de la etnia, la nación, la religión, pero también la familia, donde estas barreras/límites son comparables a muros.
Existen por tanto, como sigue poniendo de relieve esta exposición, vínculos con los propios recuerdos, entre el alma y el cuerpo, con la naturaleza, con el país de origen, pero también con los objetos que encontramos en la vida cotidiana, como subraya la instalación Connecting Small Memories (Conectando pequeños recuerdos ), donde los hilos rojos lo conectan realmente todo, pero sobre todo con otros individuos (el hilo rojo del destino que en la creencia de Asia oriental une a las personas) y con el universo entero: Con motivo de la exposición, la artista creó una serie de nuevos dibujos en los que Shiota expresa la conexión entre los seres humanos y el cosmos, así como una reflexión sobre lo pequeños que son los primeros frente a la inmensidad del universo y, por tanto, sobre el sentido de la existencia humana. Una profunda reflexión que también surgió en ella ante la reaparición del cáncer durante la preparación del proyecto expositivo The Soul Trembles en 2019.
Finalmente, la última sección está dedicada a los proyectos de escenografía teatral: desde 2003 hasta la fecha, Shiota ha diseñado los decorados de nueve óperas y producciones teatrales; se considera, por tanto, un capítulo importante en la producción de la artista. Entre sus escenografías, también se aprecian en las fotografías expuestas texturas de marcos de ventanas, que remiten a la instalación Inside - Outside, un reflejo entre la esfera íntima y el mundo exterior, visible en la exposición en el pasillo que conduce al inicio del recorrido expositivo.
Tras este largo recorrido por la producción de la artista japonesa contemporánea que representó a Japón en la 56ª Bienal de Venecia en 2015, queda claro entonces que The Soul Trembles no es simplemente una exposición espectacular, ni un triunfo de imágenes diseñadas para circular por las redes sociales. Se trata más bien de una experiencia que invita al visitante a interrogarse en profundidad sobre lo que nos mantiene unidos: una reflexión sobre el hilo invisible que une a cada individuo con su propia historia, con los demás y con el mundo que habita. Llegado a Italia tras una larga gira internacional de Tokio a París, el proyecto expositivo del MAO de Turín, por primera vez celebrado en un museo de arte asiático, demuestra que lo que fascina en estas obras e instalaciones no es sólo el material que las compone, sino lo que consiguen evocar y recordarnos que, como los hilos que recorren y transforman los espacios del museo, también nosotros estamos entrelazados con relaciones y vínculos. Ahora sólo nos queda esperar a la exposición monográfica El sentido de la nieve que se exhibirá en el MUDEC de Milán para sumergirnos de nuevo en la creación artística de Chiharu Shiota.
Advertencia: la traducción al español del artículo original en italiano se ha realizado mediante herramientas automáticas. Nos comprometemos a revisar todos los artículos, pero no garantizamos la ausencia total de imprecisiones en la traducción debidas al programa. Puede encontrar el original haciendo clic en el botón ITA. Si encuentra algún error, por favor contáctenos.
