Senatore, Cenci y Arena: el estado de crisis profunda del arte italiano

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Si comparamos tres obras recientes de tres artistas italianos, comprenderemos lo que un sistema totalmente acrítico ha producido en los últimos veinte años: las habituales luces del Luna Park que Marinella Senatore presentó en Art Basel Unlimited, los columpios de Francesco Arena con frases escritas en ellos que podíamos encontrar en Baci Perugina y, por último, los esqueletos con cabezas de perro de Giulia Cenci en la sala de proyectos del Palazzo Strozzi. Tenemos, respectivamente, las luces, el juego del columpio y una especie de “museo de cera/casa de brujas” de Giulia Cenci. En esencia, un Luna Park.

La incapacidad de estos artistas para desarrollar lenguajes que puedan competir y dialogar con nuestro presente les lleva a torpes intentos de llamar la atención. Pero, ¿dónde reside el valor de una obra de arte contemporáneo? No tanto en la obra en sí, sino en los modos, actitudes, visiones y actitudes (la nube del MAVA) de la que estas obras se desprenden como testigos de esos modos, actitudes, visiones y actitudes. El valor en la nube del MAVA reside en su capacidad de enfrentarse y resistir a nuestro presente, en relación con la historia del arte, con lo que ha sido, con la cita que está bien pero que debe, precisamente, convertirse en un puente para enfrentarse al presente, y no en un fetiche que contemplar pasivamente. Y los fetiches suelen ofrecer, a unos pocos operadores del sistema del arte (el comisario, el coleccionista, el director del museo), los objetos sobre los que crear un sistema especulativo en el que las obras se inflan arbitrariamente de valor, y por tanto de precio, sin que existan razones ni motivaciones reales.

Volviendo a Senatore, Arena y Cenci: más allá de que estén completamente inmersos en lenguajes derivativos y neomanieristas, sus obras se precipitan a partir de modos, actitudes, visiones y posturas totalmente incapaces de abordar nuestro presente si no es de forma anacrónica. ¿Qué valor tiene para mi vida una luminaria, que bien podría ver en un festival en Salento, a la que se ha puesto el título “Yo contengo multitudes”, un verso robado al poeta estadounidense Walt Whitman, que vivió a finales del siglo XIX? ¿Qué significa “I contain multitudes” descontextualizado de la obra de Whitman? Esto no es más que el efecto de la escritura aleatoria que encontramos en el interior de Baci Perugina. Marinella Senatore también podría haber utilizado otras frases, como “resplandezco de inmensidad” o “ama a tu prójimo como a ti mismo”. La sensación de vacío y la retórica de sentirse bien habrían sido las mismas.

¿Y qué decir de las mismas frases, más crípticas, que Francesco Arena graba en los asientos de sus columpios de Maremma casi como recordando las frases de Giovanni Anselmo en soportes similares? Uno de los columpios está congelado en el aire y lleva la frase “TODO ES FALSO”. Pero, ¿qué significa? No es necesariamente cierto que todo sea falso. ¿Cómo pueden pasar estas simplificaciones y trivializaciones de Baci Perugina en lo que consideramos el mejor sistema artístico italiano?

Con Giulia Cenci, la situación parece mejorar un poco porque al menos la artista abandona las frases a lo Baci Perugina y se concentra en un modo escultórico que, sin embargo, está totalmente encallado en el siglo XX, y en el que se encuentran claras referencias al informalismo italiano de los años 50 (Germano Sartelli), soluciones idénticas a Bruce Nauman (1989) e intentos escultóricos à la Brancusi que sólo denotan un serio academicismo francamente intolerable para una artista que acaba de entrar en la Galería Massimo De Carlo, una de las más poderosas de Italia.

La situación que ya señalé en 2009 ha degenerado aún más. Nadie tiene el valor de admitir públicamente que “el rey está desnudo”. Pero estos artistas sólo representan la punta del iceberg de un movimiento que lleva muchos años en profunda crisis y en el que lo que podríamos llamar “dopaje de las relaciones públicas” cuenta mucho más que cualquier intento sincero de buscar la calidad. Las mejores energías artísticas han muerto a lo largo de los años aplastadas por esta dinámica. Los que se atreven a decirlo son condenados al ostracismo, ignorados y marginados.

El autor de este artículo: Luca Rossi

“Luca Rossi" è un nome di fantasia in cui idealmente convergono tutti i ruoli del sistema dell'arte: artista, critico, curatore, blogger e osservatore indipendente. È stato definito da Fabio Cavallucci “la personalità artistica più interessante d'Italia”. Dal 2009, “Luca Rossi”, collettivo aperto e figura controversa nel sistema artistico, cerca di stimolare quotidianamente un dibattito più critico nell'ambito dell'arte contemporanea, intesa come materia capace di rivestire un ruolo fondamentale nel nostro presente. Dalle sue riflessioni critiche, ampiamente diffuse, sue le definizioni di “Ikea evoluta”, “Sindrome del Giovane Indiana Jones” e “Nonni Genitori Foundation”, è nato un progetto artistico non convenzionale, che comprende anche attività di divulgazione e formazione, culminate nel 2016 con la creazione della Luca Rossi Art Academy & Coaching (documenta.live). Nel febbraio 2026, un Hidden Work di Luca Rossi è entrato nel nuovo percorso espositivo di Osteria Francescana di Massimo Bottura, segnando un ulteriore sviluppo del progetto e della ricerca intorno agli Hidden Works. Nel 2014 Giacinto Di Pietrantonio, in un’intervista, definì Luca Rossi la promessa futura dell'arte contemporanea, paragonandolo a ciò che Vanessa Beecroft avrebbe potuto essere negli anni Novanta. Alcuni “nodi critici” sviluppati nel corso degli anni da Luca Rossi sono entrati a far parte del linguaggio dell'arte italiana e hanno contribuito a cambiare la prospettiva e la visione di molte persone, dentro e fuori il settore. Nel 2014, la celebre critica d'arte Angela Vettese dichiarò che, dopo aver letto i testi di Luca Rossi, aveva deciso di non dedicarsi più alla pratica artistica, ma esclusivamente alla teoria.

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