Jusqu’au 26 août, à l’occasion de la sixième édition d’Art Together Now, un événement qui se déroule parallèlement aux célébrations de la fête patronale de Saint-Alexandre, quatre lieux de la Ville Haute de Bergame accueillent des installations et des mises en scène de l’artiste Maurizio Donzelli. À l’ancien Athénée des sciences, des lettres et des arts, au Palais épiscopal (Musée Bernareggi), sous l’ancienne cathédrale (qui abrite également le musée Bernareggi) et à l’ancienne église de San Michele all’Arco, prend vie l’« Atlante » de l’artiste originaire de Brescia, sous le commissariat de Giovanni Berera et Anna Bertulini Frigè. L’artiste Gabriele Landi et le commissaire Gabriele Salvaterra parcourent les espaces de cette exposition itinérante, en habitent les axes, réfléchissant sur le sens de l’œuvre de Maurizio Donzelli, dans sa remise en question permanente du regard subjectif et de la perception multisensorielle.
GL. Jusqu’à présent, j’ai toujours vu l’œuvre de Maurizio Donzelli dans des contextes aseptisés ou peu connotés. Je dois t’avouer que, cette fois-ci, l’une des choses qui m’a le plus surpris est justement sa capacité à dialoguer avec les lieux. Une capacité qui me semble agir simultanément à plusieurs niveaux : la lumière, la stratification culturelle.… pour ne citer que quelques-uns des nombreux éléments présents dans les espaces qui accueillent cette exposition, et avec lesquels le travail de Donzelli me semble en parfaite harmonie.
GS. Retenti pendant un long moment et « heureusement bloqué » dans l’ancienne église de San Michele all’Arco en raison de l’ intéressante conférence qui s’y déroulait, j’ai pu observer les tapisseries et l’installation de Maurizio pendant un laps de temps prolongé, informel et non fonctionnel par rapport aux modalités muséales habituelles. Je tiens à préciser le contexte : l’église est un miracle mêlant triomphe et abandon, splendeur et délabrement, avec des épiphanies baroques, mièvres et presque rococo, ainsi que des accumulations, des effondrements, des fioritures, des insertions de charpentes métalliques contemporaines et des structures fonctionnelles assurément disgracieuses. Ce que j’ai pensé de l’intervention de Donzelli a trait à l’émerveillement. Cela m’a ramené aux premiers visiteurs de l’église et à l’étonnement que les images peintes devaient susciter chez une population généralement analphabète, peu habituée à notre exposition aux images médiatiques, interactives et animées. Ainsi, même les œuvres dans le contexte de Donzelli agissaient comme des amplificateurs de cette expérience, des pièges perceptifs qui s’inséraient sur les couches iconographiques du passé pour relancer cette idée imaginative, productive et merveilleuse. Est-ce que j’exagère ?
GL. Non , pas du tout, au contraire, il me semble que tu as parfaitement cerné la manière dont Donzelli a abordé ces lieux à cette occasion. C’est comme si son œuvre avait toujours été là. Parfois, il s’agit simplement d’une mise en valeur discrète, comme c’est le cas au sein du Musée diocésain avec les deux œuvres en or placées derrière la statue de la Vierge de l’Annonciation. D’autres fois, en revanche, comme dans le cas de l’installation avec les tapisseries palindromes en forme de puits dans le petit temple, disposées sur une surface réfléchissante, l’artiste va jusqu’à renverser l’espace, non seulement d’un point de vue ludique et illusionniste, mais surtout historique et symbolique, étant donné que le petit temple a été construit précisément au-dessus d’un puits, ce qui crée un court-circuit dans lequel il est toutefois impossible d’en saisir l’intégralité. Il y a toujours quelque chose d’insaisissable qui s’échappe, se rendant ainsi ineffable.
GS. « Arazzi palindromi » est sans conteste une très belle image. Oui, peut-être, puisque tu évoques les interventions au Musée diocésain, il serait intéressant de souligner que les œuvres de Donzelli, dans ce cas précis, d’une manière plus unique que rare dans les installations contemporaines, ont choisi de servir de toile de fond aux sculptures médiévales. La Vierge de l’Annonciation et un autre saint dont je ne me souviens plus le nom. Les œuvres de la série « O » et les dessins de diverses provenances se juxtaposaient et se superposaient, simplement pour donner une chorégraphie à cette situation qui valait vraiment le détour. Je pense qu’il y a là un propos sur les marges et la décoration, sur les périphéries des langages, que je trouve très important. Ce n’est pas un hasard si, dans le petit temple roman de Santa Croce, je me suis perdu à observer les décorations en faux marbre et les textures aniconiques qui ornaient les murs. Des langages intemporels (et latéraux) qui remettent en question les scissions progressives de l’historiographie et qui, je crois, ont de nombreux points communs avec le travail de Donzelli. Quelle partie t’a semblé la plus réussie ? Ou y a-t-il quelque chose qui ne t’a pas convaincu ?
GL. Dans l’ensemble, j’ai beaucoup apprécié l’exposition et la variété des éléments qu’elle parvient à mettre en jeu. J’ai trouvé que l’artiste s’était mis à l’œuvre avec une grande générosité, offrant aux visiteurs de multiples clés de lecture qui trouvent leur point de départ commun dans le dessin. Ce langage occupe une place importante dans l’exposition : tant dans les petites œuvres conservées dans les deux vitrines de l’ancienne église San Michele all’Arco, qui méritent une observation attentive, que dans les grandes œuvres sur papier présentées à l’Université des sciences, des lettres et des arts. Ici, à la demande du commissaire Giovanni Berera, les œuvres sont exposées comme si nous nous trouvions dans l’atelier de l’artiste, fixées aux supports à l’aide de pinces, une méthode différente de celle habituellement adoptée par Maurizio. Dans la perspective des variables que cette exposition met en œuvre, j’ai trouvé la deuxième installation au sein du Musée diocésain, celle où les dessins sont fixés par des aimants autour d’une statue de saint, moins réussie, à mon avis, que celle réalisée avec les deux tableaux de la série « O » près de la statue de la Vierge, qui m’a semblé plus percutante. Et toi, quelle est selon toi la partie la plus réussie ou celle qui t’a le moins convaincu ?
GS. Dans l’ensemble, tout contribuait à une réflexion perceptive vaste, stratifiée et variée. D’un point de vue transversal, je dirais que c’est précisément l’idée même du dessin qui a fait la différence. Un moyen pauvre et, à bien des égards, immédiat, capable de traduire une urgence constructive très simple, fondamentale, humaine, à travers laquelle il est toutefois possible de développer une recherche sophistiquée et riche. Je crois que cette conception du dessin, à la fois langage primaire et extrêmement complexe, parvient également à se transposer dans les réalisations qui présentent objectivement un degré de processus constructif plus élevé (tapisseries, peintures, « Lux drawing », par exemple). Pour être sincère, l’installation « en puits » du petit temple m’a moins émue, mais peut-être parce qu’il s’agissait d’une approche pour moi inédite dans le parcours de Donzelli. Cela dit, je tiens à souligner mon attachement à ces recherches apparemment sans thème et à la noblesse de ces formes de décoration. Pensez-vous qu’il y ait encore de la place pour un art qui ne se limite pas à être une légende du réel ?
GL. « Les libertés d’expression appartiennent à ceux qui les prennent. Quand l’espace manque, on peut en inventer un autre. La méthode pour l’inventer est déjà presque le nouvel espace. » Je pense que cette affirmation de Giulio Turcato répond parfaitement à ta question ; de plus, elle me semble très pertinente par rapport à l’exposition de Maurizio et, en particulier, à la dernière installation dans la zone archéologique située sous la cathédrale de Bergame. Il s’agit d’une variation de l’œuvre présentée il y a quelques années par Massimo Minini, « Immaginale ». L’œuvre se présente comme une iconostase et met clairement l’accent sur la dimension du sacré, ajoutant ainsi une nouvelle carte, ou un parcours possible, au riche Atlas dessiné par l’artiste.
Les « Mirrors » sont totalement absents de l’exposition, alors qu’il s’agit peut-être de l’œuvre qui caractérise le mieux la recherche de Donzelli. Je pense que ce choix profite à l’exposition, en ouvrant, par soustraction, à un autre regard ou, pour reprendre les termes de Turcato, à de nouvelles inventions ou réinventions d’espaces.
GS. Les « Mirrors », qui, de par leur nature même, sont des dispositifs ouvrant des espaces, des regards et des images, et où la réalité ne peut se présenter que comme multiple, non univoque. Il est paradoxal que cette même réflexion puisse être obtenue avec d’autres supports apparemment plus statiques. Je pense aussi que, souvent, l’expression la plus emblématique d’un artiste – comme le sont les « Mirrors » pour Donzelli – risque également de devenir une barrière ou une étiquette face aux attentes du public. Je suis donc heureux qu’il y ait eu cette occasion de pouvoir exprimer des potentialités poétiques apparemment alternatives, avec encore de grandes marges de visibilité et de développement.
L'auteur de cet article: Gabriele Landi
Gabriele Landi (Schaerbeek, Belgio, 1971), è un artista che lavora da tempo su una raffinata ricerca che indaga le forme dell'astrazione geometrica, sempre però con richiami alla realtà che lo circonda. Si occupa inoltre di didattica dell'arte moderna e contemporanea. Ha creato un format, Parola d'Artista, attraverso il quale approfondisce, con interviste e focus, il lavoro di suoi colleghi artisti e di critici. Diplomato all'Accademia di Belle Arti di Milano, vive e lavora in provincia di La Spezia.Avertissement : la traduction en français de l'article original italien a été réalisée à l'aide d'outils automatiques. Nous nous engageons à réviser tous les articles, mais nous ne garantissons pas l'absence totale d'inexactitudes dans la traduction dues au programme. Vous pouvez trouver l'original en cliquant sur le bouton ITA. Si vous trouvez une erreur,veuillez nous contacter.
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