Du 29 avril au 6 septembre 2026, le MAXXI L’Aquila accueillera AI WEIWEI : Aftershock, une exposition entièrement dédiée à Ai Weiwei (Pékin, 1957), artiste, architecte et activiste chinois, l’une des figures les plus connues de la scène contemporaine internationale. Le projet est organisé par Tim Marlow, directeur et administrateur délégué du Design Museum de Londres, et est réalisé avec le soutien de la ville de L’Aquila. L’exposition fait partie du programme de l’année où L’Aquila est la capitale italienne de la culture et rend hommage à la ville et à son histoire récente, en particulier sa relation avec le tremblement de terre de 2009 et le long processus de reconstruction qui s’en est suivi. L’exposition se tiendra au Palazzo Ardinghelli, un bâtiment baroque qui abrite le MAXXI L’Aquila et représente l’une des plus importantes interventions architecturales de reconstruction après le tremblement de terre de L’Aquila. Le dialogue entre les œuvres et les espaces du bâtiment constitue l’un des axes centraux de l’ensemble du projet d’exposition.
Aftershock se présente en effet comme une confrontation entre la recherche artistique d’Ai Weiwei et l’histoire matérielle et symbolique du bâtiment. L’exposition se concentre sur une série d’œuvres créées après le tremblement de terre du Sichuan en 2008, dédiées à la mémoire de la perte et aux conséquences des catastrophes naturelles, mais aussi aux conflits causés par l’homme, à la corruption et aux formes de la tragédie contemporaine. Parallèlement, une réflexion sur la résilience et la capacité de l’effort créatif à transformer le traumatisme en témoignage émerge également.
L’exposition rassemble environ soixante-dix œuvres, dont certaines inédites, et couvre l’ensemble de la carrière de l’artiste. Installations, vidéos, photographies, sculptures et œuvres conçues comme des peintures alternent avec des réinterprétations d’images célèbres de l’histoire de l’art occidental, d’Edvard Munch à Vincent van Gogh en passant par Ed Ruscha, retravaillées à l’aide de toy bricks, un matériau qu’Ai Weiwei utilise depuis des années pour sa capacité à évoquer à la fois la logique du pixel et de la reproduction numérique et celle de la mosaïque et de la construction modulaire.
Le dialogue avec le Palazzo Ardinghelli commence dans la cour intérieure, où est installé un voile de la série Camouflage Nets de 2025. L’œuvre retravaille des motifs mimétiques dans une tonalité qui introduit des éléments inattendus : des figures de chats émergent parmi les trames, présences fragiles et innocentes qui rappellent les victimes civiles des conflits. Dans le même espace, l’œuvre LED Кому війна , кому мати рідна, datant également de 2025, reprend un proverbe ukrainien que l’on peut traduire par “Pour certains, la guerre est la guerre, pour d’autres, la guerre est une mère chérie”, ouvrant une réflexion sur les inégalités produites par les conflits et les bénéfices que certains tirent des guerres.
Au rez-de-chaussée, dans les trois premières salles d’exposition, se trouvent des installations consacrées à Straight, l’une des œuvres centrales de l’ensemble du travail d’Ai Weiwei et l’un des mémoriaux les plus importants de l’art contemporain récent. L’œuvre a été créée en réponse au tremblement de terre du Sichuan du 12 mai 2008, un séisme d’une magnitude de 8 sur l’échelle de Richter qui a fait plus de 90 000 victimes, dont 5 197 étudiants décédés dans l’effondrement de bâtiments scolaires.
Réalisée entre 2009 et 2012 avec 150 tonnes de tiges d’acier récupérées clandestinement dans les écoles effondrées, Straight est présentée à L’Aquila pour la première fois dans trois salles distinctes. L’œuvre est accompagnée d’une liste des noms des élèves décédés, résultat d’une enquête civile promue également par l’artiste lui-même, qui a dénoncé publiquement l’inadéquation sismique des écoles et les responsabilités liées à la corruption et à la mauvaise gestion des bâtiments, subissant pour cela d’importantes conséquences personnelles. Les sculptures commémoratives de 2014, Rebar et Case, font également référence au même événement et insistent sur la relation entre le témoignage, le deuil et la responsabilité publique.
Une autre salle aborde le thème de la destruction du patrimoine et de la reconstruction de la mémoire. Au sol se trouvent des fragments d’anciennes sculptures en porcelaine détruites en 2018 par l’État chinois à l’intérieur d’un des studios de l’artiste. L’œuvre, Left Right Studio Material, transforme cet épisode répressif en un acte d’enregistrement et de permanence. L’œuvre est liée à la reprise photographique de Dropping a Han Dynasty Urn de 1995, l’une des œuvres les plus connues d’Ai Weiwei, et à FUCK ’EM ALL de 2024, qui cite Ed Ruscha et renverse son imagerie dans un geste d’opposition ouverte. Les deux œuvres sont réalisées avec des briques de jouets et font partie d’une sélection de sculptures murales le long du parcours.
Vient ensuite une série de vitrines rappelant les musées ou les boutiques de luxe, qui abritent des objets apparemment ordinaires ou délibérément dérangeants. Marble Toilet Paper, un rouleau de papier toilette sculpté dans le marbre, devient un anti-monument ironique à l’urgence Covid-19. Des jouets sexuels et des menottes en jade, un matériau traditionnellement associé à la pureté dans la culture chinoise, vident sa valeur symbolique d’origine. Une béquille reconstruite en verre, bois et acier inoxydable, quant à elle, fait référence à la détention secrète subie par l’artiste en 2011 et se transforme en symbole de contrôle et d’oppression.
Dans le couloir sont exposées des photographies prises entre 1983 et 1993 pendant les années passées à New York, ville où Ai Weiwei a vécu pendant une douzaine d’années. Il s’agit d’images spontanées, rarement construites, représentant des personnes, des détails urbains et des fragments de la vie quotidienne. La section suivante présente trois œuvres filmiques : Floating de 2016, consacrée à la crise migratoire et au sort des réfugiés ; Laziz de 2017, qui raconte l’histoire d’un tigre dans le zoo de Gaza, lu comme une victime indirecte du conflit ; Dumbass de 2013, une œuvre au fort impact visuel qui prend la forme d’une parodie de vidéo musicale heavy metal et reconstitue de manière satirique l’expérience de détention secrète de l’artiste. Plus loin, deux œuvres vidéo de 2005, Beijing : The Second Ring et Beijing : The Third Ring, documentent la transformation urbaine de Pékin au début des années 2000, à une époque d’expansion et de redéfinition accélérées de la ville.
Une salle dédiée au thème de la guerre et de l’engagement militaire rassemble Last U.S. Soldier Leaving Afghanistan de 2022, une reconstruction avec des briques d’une photographie représentant le dernier soldat américain quittant l’aéroport de Kaboul, et Combat Vases de 2023, un casque militaire en porcelaine blanche interprétant la réponse occidentale à la guerre en Ukraine, considérée par l’artiste comme insuffisante et inefficace. En face, U. S. Flag in Black réinterprète le drapeau américain à travers des milliers de boutons noirs et blancs et établit une référence directe à Jasper Johns, figure importante de l’éducation visuelle d’Ai Weiwei.
Dans les salles suivantes, la comparaison avec l’histoire de l’art occidental devient plus explicite. Scream retravaille Le Cri d’Edvard Munch, tandis que Untitled (After Van Gogh) combine Le Semeur au coucher du soleil de 1888 de Vincent van Gogh avec une photographie d’une invasion de criquets au Pakistan en 2020, accentuant ainsi une dimension de crise et d’instabilité. À côté de ces œuvres se trouve Small black chandelier, un lustre en verre noir décoré de figures inquiétantes qui, au lieu de refléter la lumière, semble l’absorber. On y trouve également une reproduction d’Atlanta et Hippomène de Guido Reni, une image qu’Ai Weiwei a connue grâce aux livres d’art européens qui appartenaient à son père.
Une section suivante présente un répertoire de créatures symboliques et mythologiques. Le Yu-Niao, une souris volante mentionnée dans d’anciens textes chinois, est transformé en une structure tridimensionnelle réalisée selon la technique traditionnelle du cerf-volant. Au sol, les fragments en verre bleu de Murano de Twitter Bird datant de 2017 évoquent le déclin de l’icône du réseau social qui avait permis à l’artiste de communiquer après son exclusion des plateformes chinoises. Au mur, Saint-Georges et le dragon de 2022 réinterprète l’œuvre de Vittore Carpaccio avec des briques, tandis qu’un dragon à six griffes appliqué à la réplique quasi parfaite d’un vase Ming ouvre une réflexion sur le concept d’authenticité et de copie.
After the Death of Marat aborde le thème de la crise des réfugiés à travers une référence directe à la photographie du corps d’Alan Kurdi, l’enfant syrien retrouvé mort sur la plage de Lesbos en 2015 alors qu’il fuyait son pays. Ai Weiwei remplace la figure de l’enfant par sa propre image, en conservant la même pose et en transformant la référence en un acte d’identification et de responsabilité. Le discours se poursuit avec Lotus de 2016, réalisée à partir de gilets de sauvetage récupérés à Lesbos et utilisés par les réfugiés lors de la traversée en mer.
Le thème de la peinture comme miroir ou portail traverse une autre installation construite à partir de Thérèse Dreaming de Balthus. L’œuvre, faite de briques-jouets, comprend des citations d’œuvres antérieures d’Ai Weiwei lui-même, telles que Han Dynasty Urn with Coca Cola Logo de 1994 et Stool de 1997, dans laquelle deux tabourets sont fondus, ce qui modifie leur fonction d’origine. Les deux sculptures sont également placées dans la même pièce, ce qui modifie encore la perception.
Après sa visite sur le front ukrainien, Ai Weiwei a créé de nouvelles œuvres qui explorent la relation entre la mémoire, l’histoire et le conflit, dont certaines sont présentées ici pour la première fois. Il s’agit notamment de Whitewashed Remnants of History of the State of Emerging Future Works from 2025, qui utilise des chaises de la dynastie Qing ainsi qu’un vase néolithique, un gilet de sauvetage et un uniforme militaire de camouflage, tous recouverts de blanc. L’opération défait l’utilisation originale des objets et construit un nouveau système de significations lié à la guerre et à la stratification historique. La même logique revient dans deux œuvres murales composées de vestes de camouflage disposées en cercle, l’une blanchie à la chaux et l’autre recouverte de boutons. La dernière salle est dominée par F.U.C.K. de 2024, la première œuvre de l’artiste réalisée avec des boutons. Quatre civières militaires datant de la Seconde Guerre mondiale soutiennent une composition cousue à la main, essentielle et délibérément provocante. L’œuvre rappelle l’exposition Fuck Off de 2000 à Shanghai et propose une réflexion sur la polarisation radicale qui traverse le présent, tant dans le discours politique que dans la dynamique sociale.
"L’exposition AI WEIWEI : Aftershock marque un moment fondamental dans l’histoire du musée, à la veille du cinquième anniversaire de son ouverture", déclare Maria Emanuela Bruni, présidente de la Fondazione MAXXI. “Comme le souligne le titre de l’exposition, les œuvres d’Ai Weiwei suscitent une réflexion sur la réalité contemporaine : à une époque où ce sont les êtres humains qui sont à l’origine des conflits, de la corruption et des catastrophes naturelles, les œuvres de l’artiste sont des ”répliques“ qui secouent nos consciences en soulevant des questions toujours d’actualité”.
"Accueillir Aftershock d’Ai Weiwei l’année où nous sommes Capitale italienne de la culture revêt une signification particulièrement profonde : son œuvre, marquée par l’expérience du tremblement de terre du Sichuan, dialogue authentiquement avec l’histoire récente de notre ville, transformant la douleur en mémoire et en responsabilité", a déclaré Pierluigi Biondi, maire de L’Aquila. L’œuvre d’Ai Weiwei, capable de traverser les langues et les disciplines, nous rappelle avec force le rôle de l’art comme instrument de vérité, de mémoire et d’engagement civil, dans la défense des droits de l’homme et de la liberté d’expression“, ajoute Pierluigi Biondi, maire de L’Aquila. L’Aquila a choisi de repartir de la culture après le tremblement de terre de 2009. Des expositions comme celle-ci renforcent notre vocation au dialogue international et laissent un message important, en particulier pour les jeunes : des blessures peuvent naître une nouvelle conscience et un avenir plus juste et plus partagé. Je tiens à remercier le MAXXI pour le travail inestimable qui a rendu cette exposition possible, offrant à L’Aquila un événement culturel d’envergure internationale”.
“Toutes les œuvres d’Ai Weiwei nous invitent à regarder le monde de différentes manières, à travers différents objets et matériaux”, poursuit TimMarlow, commissaire de l’exposition. “Bien qu’enracinée dans l’expérience personnelle de l’artiste, elle a une résonance universelle : la lutte incessante d’Ai Weiwei pour le droit des individus à s’exprimer librement et à ne pas être soumis aux diktats illégaux des régimes autoritaires découle des difficultés qu’il a lui-même rencontrées, ainsi que de son souci constant pour ceux qui sont impuissants à résister.”
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| Au MAXXI L'Aquila, l'exposition consacrée à Ai Weiwei raconte les catastrophes et la mémoire |
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