Amina Saoudi à la Biennale : l'histoire d'une artiste sous-estimée qui légitime l'exposition de Koyo Kouoh

Dans la liste des dix artistes arabes participant à la 61e Biennale d’art de Venise, parmi lesquels figurent des artistes aussi connus que Kader Attia et Walid Raad, seuls trois artistes appartiennent à une génération antérieure, née entre les années 1940 et 1950 : la Palestinienne Vera Tamari, la Libanaise Hala Schoukair et la Marocaine Amina Saoudi. L’histoire d’Amina Saoudi, mariée depuis 1983 à un célèbre professeur et critique d’art tunisien, Naceur Ben Cheikh, est la plus romantique et la plus singulière : un couple d’artistes exceptionnels qui, dans les années 1980, a établi son atelier loin des projecteurs dans un petit village près de Sousse, Akouda, qui avait tant enchanté Paul Klee et ses amis artistes lors de leur Grand Tour méditerranéen en 1914 et qui a marqué un tournant pour l’abstractionnisme occidental.

Amina se définit comme une artiste artisanale, élevant l’humilité et l’authenticité au rang de recherche artistique valable, et ses œuvres, d’exquises tapisseries et des soies peintes, toutes exécutées en personne, témoignent du fait que moins la reconnaissance est évidente et prévisible, plus l’historicisation est rapide et garantie. Un petit cercle vertueux entre l’activisme culturel infatigable d’Amina et de Naceur et celui, depuis 2021, des fondations et des galeries tunisiennes a facilité l’identification d’une artiste comme Amina (pour utiliser le lexique du marché de l’art : “sous-estimée”) par le commissaire de la 61e Biennale d’art de Venise, Koyo Kouoh, et son équipe, une identification qui aurait été presque impossible autrement. L’histoire de la reconnaissance d’Amina Saoudi certifie que la méthode de Koyo fait loi dans le secteur de l’art et devrait être appliquée et perfectionnée en tant que procédure curatoriale dans tous les concours internationaux. Sinon, le cas d’Amina est miraculeux, sa reconnaissance n’est qu’une canonisation et le système artistique actuel est religieux.

REF. Comme beaucoup d’artistes de votre génération, vous avez été découverte tardivement et, en très peu de temps, votre carrière a fait un bond en avant surprenant. Cette année, vous exposez pour la première fois à la Biennale de Venise. Comment avez-vous appris que vous aviez été sélectionné pour la 61e Biennale de Venise ?

AS. J’ai toujours voulu voir Venise et c’est une joie de savoir que, grâce à mon travail, je pourrai enfin faire l’expérience de cette ville. La galeriste Selma Feriani m’a contactée il y a un an pour me le dire. C’est la commissaire elle-même, Koyo Kouoh, qui m’a choisie. Elle cherchait des artistes émergents et son assistante, Rasha Salti, m’a contacté pour savoir si j’avais d’autres tapisseries que celles que Selma lui avait montrées.

Combien d’œuvres exposez-vous à la Biennale et lesquelles ont été sélectionnées ?

Trois tapisseries et six peintures sur soie. Mes peintures sur soie ne peuvent pas être datées car elles n’ont pas toutes été réalisées en une année : j’ai revisité l’œuvre plusieurs fois. Je les vois comme un palimpseste.

Quand avez-vous commencé à peindre sur soie ?

J’ai commencé en 1994. Je vivais déjà en Tunisie depuis dix ans, après mon mariage avec Naceur, période pendant laquelle je me suis surtout occupée de mes deux jeunes enfants. Pourtant, lorsque j’ai rencontré mon mari au Maroc, j’enseignais la physique et la chimie dans un collège de Casablanca. 1994 est aussi l’année de la mort de mon père, qui m’a profondément affectée. J’avais besoin de sortir de mon rôle de femme au foyer et je me suis inscrite à un cours de peinture sur soie à Tunis. Mais je n’ai pu assister qu’à un seul cours.

Qu’est-ce qui vous a empêchée de continuer ?

Comme premier exercice, le professeur m’a demandé de copier et de colorier le dessin d’un plumage d’oiseau, en commençant par tracer les formes avec de la gutta-percha. La gutta-percha est une sorte d’encre visqueuse (à l’origine une substance naturelle laiteuse obtenue à partir d’arbres tropicaux d’Asie du Sud-Est, aujourd’hui produite à partir du pétrole) qui empêche la couleur de s’étaler. Comme je ne pouvais pas tracer les contours d’un dessin que je n’avais pas créé, ma main tremblait. Remarquant mon malaise, le chef d’atelier m’a réprimandée, me conseillant de rentrer chez moi et de m’occuper de mes enfants, de mon mari et de ma cuisine ! Je n’y suis jamais retournée. De retour à la maison, Naceur m’a encouragée et j’ai commencé à apprendre la peinture sur soie par moi-même. Je suis tombée amoureuse de la gutta-percha. Surtout, j’ai décidé de suivre mon intuition et de laisser libre cours à mes émotions. Aujourd’hui encore, je laisse libre cours à mes émotions dans mon travail. Sans référence à une performance préprogrammée, j’ai tracé mes lignes en écoutant les musiques iraniennes, indiennes ou chinoises que Naceur m’avait fait découvrir. Le fait de ne pas comprendre les langues de ces chansons m’a fait entrer dans une sorte de transe.

Est-ce que ce sont ces œuvres que vous avez reprises des années plus tard et dont certaines seront exposées à la Biennale de Venise ?

Je suis revenue à mes peintures sur soie lorsque nous avons déménagé en 2004 à Akouda, un village pittoresque près de Sousse, où mon mari est né. Nous avons construit notre maison sur un terrain de 2000 mètres carrés dans l’oliveraie familiale, en dessinant nous-mêmes les plans. C’est une grande maison, avec 300 mètres carrés d’espace couvert, un grand patio extérieur, deux jardins d’hiver et un studio commun de 50 mètres carrés. Le tout est entouré de 16 magnifiques oliviers anciens aux troncs noueux. Plus tard, le patio a été transformé en galerie couverte de voûtes en berceau et en croisée d’ogives. J’ai ainsi pu retravailler plus facilement mes peintures sur soie, renforçant ma pratique d’un graphisme improvisé, presque dansant.

Vos peintures sur soie sont incroyablement riches en motifs, comme un patchwork, et des formes émergent de cette profusion graphique.

Je peins des souvenirs du Maroc, de l’héritage marocain, en m’inspirant, par exemple, de mes souvenirs de caftans anciens et de bijoux berbères collectionnés par ma sœur aînée Naima, qui était costumière pour le cinéma. Sa maison à Rabat était un véritable musée : elle était mariée au grand réalisateur marocain Ahmed Bounani. Enfant, j’étais immergée dans leur univers. Leur maison était pleine de malles, de chapeaux, de bobines de films, d’affiches d’Omar Sharif, de revues satiriques comme Charlie Hebdo et de bandes dessinées comme Tintin.

Le tissage vous relie également à votre enfance au Maroc. Vous avez commencé à tisser dès l’enfance avec votre mère à la maison.

Nous étions dix enfants. Pour nous faire taire pendant qu’elle travaillait, ma mère nous racontait des histoires tirées de la tradition orale arabe, comme Les Mille et une nuits. Elle perdait souvent le fil des histoires et, comme elle était intelligente, elle en inventait une autre ou transformait l’originale. Elle ne finissait jamais ses histoires. Elle tissait des tapis de chevet, des petits tapis et des trousseaux de mariage qu’elle vendait à ses amis et connaissances. À la maison, elle avait un métier à tisser en bois ; les voisins venaient l’aider à préparer la chaîne. Tout le monde donnait un coup de main et chacun avait une tâche domestique spécifique. Je n’aimais pas trop sortir, et mon frère Nourredine et moi rivalisions pour terminer le tissage, les uns la nuit, les autres à l’aube... cette rivalité convenait parfaitement à ma mère !

Votre frère Nourredine est devenu plus tard un militant du mouvement Ilal Aman et a été arrêté sous le règne de Hassan II pendant les Années de plomb.

C’était en 1974. Des policiers en civil sont venus chercher Nourredine au milieu de la nuit et nous l’avons perdu de vue jusqu’en 1976. Ce fut une tragédie et un choc terrible pour toute la famille. Ma mère a arrêté de tisser, mon frère a été gracié dix ans plus tard, suite à une grève de la faim, et a publié deux livres. Je suis parti étudier la biologie et la géologie à Besançon, puis je suis rentré au Maroc et j’ai enseigné la physique et la chimie dans un lycée.

C’est à cette époque que j’ai rencontré votre futur mari, Naceur Ben Cheikh, à Casablanca. À l’époque, il était déjà journaliste et chroniqueur au journal du premier président tunisien, Habib Bourguiba, L’Action.

Dans les années 1970, Naceur voyage dans tout le Maghreb. Il a été professeur à l’Académie des Beaux-Arts de Tunis, conseiller au cabinet de Chedli Klibi et journaliste. Naceur connaît parfaitement le Maghreb. Il était très proche des intellectuels et des artistes marocains et algériens des années 1970. Il écrivait pour des journaux et des magazines marocains. Mon beau-frère, Ahmed Bouanani, était l’un de ses amis et c’est chez lui que nous nous sommes rencontrés.

Votre mari, Naceur Ben Cheikh, est également peintre et critique d’art. Il y a treize ans de différence entre vous, et il appartient au groupe des artistes tunisiens comme Sehili, Lotfi Larnaout, Nejib Belkhouja et Lamine Sassi. Ne savait-il pas à l’époque que vous étiez artiste ? Vous a-t-il influencé ?

Naceur a toujours défendu la création authentique et sincère et est très critique à l’égard de l’art commercial. Lors de sa première exposition personnelle à la Galerie de l’Information, à côté de la cathédrale Saint-Vincent-de-Paul à Tunis, il a refusé de vendre ses œuvres, même à la commission nationale pour l’achat d’œuvres d’art. Beaucoup d’artistes le détestaient pour ses convictions, et moi aussi, lorsque j’ai commencé à peindre et à tisser, je craignais ses idées. Je travaillais en silence et n’accrochais mes œuvres au mur que lorsque je les avais terminées. Il faisait comme si de rien n’était et respectait mon temps. Mais même lorsque je rejetais ses conseils, il reconnaissait mon audace.

D’une certaine manière, tu as été son élève le plus rebelle, et maintenant il est devenu, comme tu le dis, ton manager. Il écrit vos catalogues depuis votre exposition à la galerie Selma Feriani, et son dernier livre, qui retrace tout votre parcours artistique, est actuellement en cours d’impression.

Le livre, qui est en cours d’impression, est en partie écrit et tapé par lui, mais il lui a donné une dimension collective en y incluant des témoignages de professeurs d’université de son entourage, tous amis de la famille. Le livre contiendra donc plusieurs textes analytiques, des essais critiques et même des poèmes. En 2014, il conçoit l’idée d’une exposition privée en hommage à Paul Klee, en marge d’un programme artistique et culturel organisé par le Goethe-Institut de Tunis pour le centenaire du voyage de Paul Klee, Macke et Moillet en Tunisie. Pour l’occasion, leurs œuvres ont été reproduites en tapisseries et commandées à des lissiers. C’est à la gare de Kalaa-Akouda, dernière étape avant son arrivée à Kairouan, que Paul Klee a été frappé par le panorama du quartier ouest d’Akouda, qu’il a décrit dans son journal en écrivant : “Akouda, ville fabuleuse, nous nous rencontrons à la fin des temps”. Lors de cette exposition privée, toutes mes tapisseries ont été accrochées dans le jardin et le patio, et de belles photos ont été postées sur les réseaux sociaux, montrant mes tapisseries parmi les coquelicots et les fleurs sauvages de notre jardin. Il s’agissait d’une provocation qui a fait sensation.

Qu’est-ce qui vous a poussé à exposer votre travail en public pour la première fois ?

Je n’ai jamais été particulièrement enthousiaste à l’idée d’exposer mes œuvres : mes tapisseries restaient à la maison. Mais des amis artistes (professeurs, étudiants en art) me rendaient visite et appréciaient souvent mon travail. L’un d’eux m’a suggéré d’exposer au salon de l’artisanat du Kram. En 2008, j’ai exposé avec d’autres artisanes au Kram et j’ai remporté le deuxième prix de l’innovation artisanale. Pour moi, cependant, il n’y a pas de différence entre l’artisan et l’artiste ; les artisanes devraient également signer leurs tapisseries de leur nom. J’avais besoin de reconnaissance, mais pendant des années, je n’ai été acceptée ni en tant qu’artiste ni en tant qu’artisane.

La reconnaissance est venue par hasard, grâce à Lina Lazaar, qui dirige la fondation de son père, l’entrepreneur Kamel Lazaar, et qui est venue interviewer votre mari à propos de Nejib Belkhouja.

Avant de rencontrer Lina Lazaar, j’avais participé à des expositions collectives à la galerie Aïn au Kram, puis à la Maison des Arts du Belvédère et au Palais Kheireddine dans la Médina de Tunis, au Palais Abdellya à La Marsa et au Musée du Bardo. Deux de mes tapisseries ont été achetées par une grande banque maghrébine et une autre par la commission d’achat du ministère de la culture. Ma rencontre avec Lina a eu lieu entre 2022 et 2023. Après mon entretien avec Naceur, Lina a demandé à voir les tapisseries que j’avais accrochées au fond de notre atelier pour les aérer. Plus tard, elle a envoyé quelqu’un pour les photographier et a exposé douze de mes tapisseries dans son espace à Bhar Lazreg. Lina en a acheté quatre, tandis que le collectionneur et professeur émirati Sultan Saud Al-Qassemi en a acheté cinq. Il a visité notre atelier à Akouda en 2023 et a beaucoup apprécié mon travail.

Quel était le prix de départ de vos œuvres et quelle est leur valeur actuelle ?

Entre 2014 et 2016, j’ai vendu mes premières tapisseries pour 7 000 dinars chacune [environ 2 000 euros, ndlr] à l’Attijari Bank puis à l’État tunisien. Aujourd’hui, mes œuvres sont cotées sur le marché international. Elles sont exposées au Metropolitan Museum of Art de New York et au Guggenheim Museum, ainsi que dans plusieurs collections privées dans les pays du Golfe.

Il est important de souligner que vos tapisseries sont votre propre œuvre, puisque vous refusez de collaborer avec d’autres artisans et que vous n’en avez produit jusqu’à présent qu’une ou deux par an.

Chacune de mes tapisseries est unique et irremplaçable. Mon travail doit rester humain, avec ses imperfections et ses contingences. Il vibre, il est viscéral.

Dans le tissage à la main, on n’a pas la même marge d’erreur que dans la peinture ; à la fin, le résultat est une surprise, même pour soi.

Oui, dans le tissage, il y a beaucoup de tension jusqu’à la fin, je l’accepte, je travaille avec le doute. C’est le doute qui rend humble. Et je reste humble.

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