Forlì, promenades artistiques, de Canova à Palmezzano en passant par les grands du XXe siècle

Forlì, ville tracée le long de la Via Emilia et enserrée entre les vallées des fleuves Montone etRonco, a su se présenter et se faire apprécier du public amateur d’art depuis 2005, avec l’inoubliable exposition Marco Palmezzano e il Rinascimento nelle Romagne, avec des projets d’exposition de qualité, nés grâce à la collaboration entre l’administration municipale et la Fondazione Cassa dei Risparmi di Forlì. En attendant la prochaine exposition célébrant Dante Alighieri sept cents ans après sa mort(Dante. La visione dell’arte, Forlì, Musei civici San Domenico, 12 mars - 4 juillet 2021), dans le tissu urbain de Forlì d’autres réalités savent enthousiasmer le visiteur. Le point de départ de cette agréable promenade culturelle et le centre de la vie de la ville est la Piazza Maggiore, aujourd’hui nommée en l’honneur de l’illustre Forlaisien Aurelio Saffi, sur laquelle donnent scénographiquement certains des principaux édifices historiques de la ville, en particulier la Basilique de San Mercuriale, le Palazzo delle Poste du XXe siècle et le grand ensemble architectural du Palazzo Comunale. De la place partent les grandes avenues de la ville et des ruelles étroites, derniers témoins du tracé urbain médiéval, que l’on peut parcourir pour accéder aux différentes collections d’art permanentes.

Forlì, Piazza Aurelio Saffi. Photo Luca Massari

Palais Romagnoli. Collections du XXe siècle.

En remontant le Corso Garibaldi, en passant par la Piazza del Duomo, au centre de laquelle se dresse une colonne avec une statue du XVIIe siècle de la Madonna del Fuoco, la patronne de la ville de Forlì, on arrive à la Via Albicini, au numéro 12 de laquelle s’ouvre le beau portail monumental du Palazzo Romagnoli.

L’édifice, un palais noble dont la configuration actuelle remonte au XVIIIe siècle, est devenu, après une longue restauration, le siège des Collections du XXe siècle depuis 2013. Au rez-de-chaussée, la visite commence par la collection Verzocchi, véritable unicum dans le panorama culturel national et international, tant pour la haute valeur artistique des œuvres présentes que pour l’idée qui a animé et conduit à la création de cette riche galerie de peintures. La collection naît de la volonté de l’entrepreneur Giuseppe Verzocchi, né à Forlì, de réunir autour du thème commun de l’œuvre des maîtres italiens représentant les principaux courants artistiques de son époque. L’entrepreneur a personnellement sélectionné et contacté environ soixante-dix artistes, demandant l’exécution d’une peinture de 90 x 70 cm consacrée à la raison essentielle de sa vie, le travail, et imposant l’insertion discrète dans la peinture d’une petite brique réfractaire portant la marque “V&D”, un produit distinctif de son entreprise et une sorte de véritable blason personnel. Après une présentation publique à la Biennale d’art de Venise en 1950, Giuseppe Verzocchi a fait don de sa galerie de peintures à la ville de Forlì, ainsi que de sa correspondance avec les artistes et des dessins contenant leurs autoportraits. Le parcours s’ouvre sur les couleurs vives, dans les tons verts et rouges, du tableau Tour et Métier à tisser de Fortunato Depero. L’œuvre présente deux symboles opposés du travail, d’une part un symbole que Depero lui-même qualifiait de “presque magique”, une “femme attentive au métier à tisser, sous une lumière d’émeraude”, d’autre part un homme au tour de potier, qui est “lourd, dans des lumières ardentes, au milieu d’appareils et de perspectives métalliques”. On peut ensuite admirer, dans une séquence rythmée de salle en salle, Interno di fabbrica d’Emilio Vedova, Il vasaio de Corrado Cagli, I simboli del lavoro de Gino Severini, Bracciante siciliano de Renato Guttuso, Gli scaricatori di carbone de Mario Mafai, Il campo plato d’Aligi Sassu, L’architrave de Massimo Campigli, Il lav oro de Mario Sironi, Costruttori de Carlo Carrà, Il piccolo fabbro de Filippo de Pisis, Lo scultore d’Achille Funi, Forgia di Vulcano de Giorgio De Chirico, Lavoro de Giuseppe Capogrossi et de nombreuses autres peintures pour un total de soixante-dix œuvres.

Un large escalier en marbre mixte mène ensuite à l’étage supérieur où sont exposées les peintures de Giorgio Morandi et les œuvres graphiques de la collection Ada et Arturo Righini. Trois petites huiles sur toile ayant en commun le thème des fleurs(Coquelicot, Chrysanthèmes, Roses) et six gravures reprenant les lieux chers à Morandi que sont la cour de la Via Fondazza et la butte de Grizzana. Dans une salle adjacente, entièrement peinte à fresque avec des décors architecturaux et des cupidons, sont exposées sept sculptures d’Adolfo Wildt provenant de la donation Raniero Paulucci di Calboli, collectionneur et mécène du sculpteur milanais. Raniero Paulucci di Calboli, de noble et ancienne lignée de Forlì, après une longue carrière diplomatique qui s’est terminée par le poste d’ambassadeur à Tokyo, a été sénateur du Royaume et, pour couronner son fort engagement social en faveur des classes les plus fragiles, il a obtenu en 1926 la présidence de l’“Union internationale pour la protection de l’enfance”. Sa collection permet de reconstituer le parcours artistique de Wildt, de ses premières productions jusqu’en 1920, avec des œuvres qui se distinguent par le raffinement du travail de la pierre et la préciosité des surfaces, enrichies de couleurs métalliques dorées. En observant ces sculptures, on ne peut s’empêcher d’être enveloppé par le sourire énigmatique et intemporel du portrait de Fulcieri, dont l’archétype se retrouve dans le visage d’une statue étrusque. Fulcieri, fils unique de Raniero, médaillé d’or pour la valeur militaire lors de la Première Guerre mondiale et promoteur du “Comité d’action auprès des mutilés, invalides et blessés de guerre”, mourut en 1919 des suites de lésions de la moelle épinière subies deux ans plus tôt dans le Karst, et ses amis milanais commandèrent au sculpteur ce buste emblématique aux yeux d’or, qui fut ensuite acheté par leur père, en souvenir de lui. La donation de l’ensemble de la collection de sculptures a été voulue par Raniero comme un legs testamentaire, comme un dernier lien impérissable avec sa ville natale et comme un hommage extrême et poignant à son fils. “Père de Fulcieri” sont les seuls mots que cet homme, grand protagoniste de la scène politique et diplomatique internationale du début du XXe siècle, a voulu voir gravés sur sa tombe, en plus de son nom et de son année de naissance et de décès.

Enfin, les dernières salles du bâtiment présentent des peintures et des sculptures qui donnent un premier aperçu de la production artistique multiforme en Romagne et en Émilie au début et à la fin du XXe siècle, et permettent de souligner l’expérience brève mais intense du Cenacolo Artistico Forlivese, créé en 1920 à l’initiative du peintre Giovanni Marchini. Le scénario, loin d’être local, sur lequel ont évolué les artistes présentés ici (Carlo Stanghellini, Giannetto Malmerendi, Maceo Casadei, etc.)) sont le tableau de Giacomo BallaSiamoin quattro, donné par “Balla futurista al Cenacolo Artistico Forlivese”, et le bel autoportrait de Giovanni Marchini lui-même, dans lequel les précieuses décorations de la robe et l’écran à l’arrière-plan rappellent le long sillage de l’influence de l’art japonais sur la peinture occidentale.

Fortunato Depero, Tour et métier à tisser (1949 ; Forlì, Palazzo Romagnoli, Collections du XXe siècle). Archives photographiques Musei Civici Forlì

Giorgio Morandi, Roses (1962 ; Forlì, Palazzo Romagnoli, Collections du XXe siècle). Archives photographiques des musées civiques de Forlì

Adolfo Wildt, Fulcieri Paulucci de’ Calboli (1919 ; Forlì, Palazzo Romagnoli, Collections du XXe siècle) Archives photographiques Musei Civici Forlì

Giuseppe Capogrossi, Travail (1950 ; Forlì, Palazzo Romagnoli, Collections du XXe siècle). Archives photographiques Musei Civici Forlì

Musées San Domenico. Galerie d’art civique

En quittant le Palais Romagnoli, il ne reste que quelques pas à faire pour arriver dans la zone du grand complexe conventuel dominicain, fondé, selon la tradition, par saint Dominique lui-même sur son chemin de retour de Rome, où il s’était rendu pour obtenir l’approbation définitive de son Ordre par Honorius III. Le complexe a été construit à partir de 1229 dans une zone encore peu développée de la ville et s’est progressivement développé jusqu’à sa configuration actuelle, caractérisée par des bâtiments disposés sur deux cloîtres et flanqués d’une grande église d’une seule pièce dédiée à Saint-Jacques. Au cours du XIXe siècle, le complexe monumental a ensuite été utilisé comme hôpital militaire, gendarmerie, entrepôt de nourriture et caserne pour les troupes de passage ; abandonné pendant des décennies, il a fait l’objet d’importants travaux de restauration qui ont permis, en 2004, de le rendre à la communauté et d’en faire le nouveau centre de la vie culturelle de Forlì.

Le visiteur est accueilli dans la grande salle qui servait autrefois de réfectoire et, après avoir parcouru les couloirs donnant sur les cellules réservées aux hôtes du couvent, il accède au premier étage, où est exposé un noyau cohérent d’œuvres provenant des collections d’art de Forlì, correspondant à la section ancienne de la Galerie d’art civique.

Dans cette exposition, après quelques peintures et sculptures des XIIIe et XIVe siècles, dont certains exemples remarquables comme le petit panneau avec la Vierge et l’Enfant de Vitale da Bologna, le protagoniste est la culture artistique du XVe siècle, qui s’ouvre avec les deux panneaux raffinés de l’Oraison au jardin et de la Nativité de Beato Angelico. Le personnage le plus représenté dans la collection est le peintre Marco Palmezzano, “cher élève” de Melozzo et maître de la vision en perspective. Parmi les quatorze œuvres exposées, l’observateur est séduit par le retable monumental de l’Annonciation avec sa peinture à l’huile glacée et compacte, le paysage pittoresque d’une ville à tourelles s’ouvrant au pied de montagnes escarpées et l’architecture complexe d’une nef voûtée sur colonnes de brèche dans laquelle a lieu la rencontre entre l’archange Gabriel et la Vierge. L’ange vient d’achever son vol et ses lèvres s’entrouvrent pour faire son annonce ; la Vierge est une jeune fille blonde rendue monumentale par le tombé de sa draperie. Mais, comme l’écrit Stefano Tumidei, dans cette œuvre “aux contemporains de Forlì, l’effet du lutrin aux portes grandes ouvertes devait sembler miraculeux [...]. En tralice sur le plan et avec une axonométrie à peine tournée, le bréviaire exhibe ses pages ouvertes, qui tendent à se déplier à cause de la dureté de la reliure ou de l’épaisseur du parchemin, certainement pas à cause d’un coup de vent soudain, inimaginable dans cet après-midi immobile et dans ces atmosphères suspendues d’une fixité presque irréelle”.

Dans les salles du musée, nous voyons ensuite se déployer les peintures maniéristes du XVIe siècle de Livio Agresti, Francesco et Pier Paolo Menzocchi, Livio et Gian Francesco Modigliani, tandis que l’œuvre prééminente des salles consacrées au XVIIe siècle est la Fiasca fiorita, l’une des natures mortes les plus emblématiques et les plus discutées de l’histoire de l’art italien. La visite se termine dans une petite salle destinée à accueillir la sculpture de Canova représentant Hébé, la déesse “aux belles chevilles”. La statue de Forlì est la quatrième et dernière version de l’iconographie heureuse, entièrement inventée par Canova, de la jeune échanson des dieux de l’Olympe. Personnification du motif, déjà pleinement romantique, de la jeunesse qui s’échappe et prototype des statues du “genre aérien”, avec la dynamique de la figure en vol et l’équilibre compositionnel de la pose des bras, elle est en mesure de surprendre le regard de n’importe quel point de vue. La jeune femme est figée comme à l’atterrissage, avec sa robe complètement gonflée par l’air, et ici Canova, comme l’a observé Pindemonte, a réussi à sculpter “les pas”. La version de Forlì de cette figure du mythe antique, habilement remise au goût du jour par le sculpteur, frappe par la belle patine de la surface en pierre respectée par les restaurations passées et par les détails dorés réussis du collier et du ruban qui retient les cheveux, détails précieux qui s’ajoutent à la coupe et à l’amphore en métal doré. Canova, célèbre pour la qualité picturale de sa sculpture, a également adopté la pratique de la coloration de ses sculptures, créant ainsi une sorte de patine sur la surface qui transforme le marbre dur en une chair douce. Le jeu des contrastes équilibrés, la coloration claire des parties épidermiques contre la blancheur lumineuse du drapé, l’opposition entre les parties nues et les parties complètement enveloppées par la robe fluide sont également fascinants dans l’Hébé de Forlì. Cicognara écrit: “Cette déesse, qui descend du ciel avec un incessus divin et gracieux, en mélangeant en même temps une coupe d’ambroisie au père des dieux, et qui se balance en avant en fendant l’air avec une certaine vitesse, produit l’effet le plus naturel que la draperie repoussée vers l’arrière puisse dessiner le sujet nu sans aucune sorte d’affectation. L’élévation d’un bras pour verser la liqueur du vase déploie avec tant d’amour tout le contour de la figure que, bien que l’œil la trouve drapée avec une extrême pudeur, l’avidité du regard discerne néanmoins chaque ligne, sans rien d’autre que la première fraîcheur des formes”.

Marco Palmezzano, Annonciation (vers 1495-1497 ; Forlì, musées San Domenico, galerie d’art municipale). Archives photographiques Musées civiques de Forlì

Maestro della Fiasca di Forlì, Flacon avec des fleurs (1625-1649 environ ; Forlì, Musei San Domenico, Pinacoteca civica). Archives photographiques Musées civiques de Forlì

Antonio Canova, Hébé (1816-1817 ; Forlì, Musei San Domenico, Pinacoteca civica). Photo de Giorgio Liverani

Antonio Canova, Hébé, détail. Photo de Gianluca Naphtalina Camporesi

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