On a parlé plus d’une fois dans ces pages de la présence croissante dans les expositions, biennales et foires d’art d’installations spectaculaires, d’œuvres qui frappent d’emblée par leur force visuelle mais qui sont souvent fragiles ou superficielles d’un point de vue conceptuel. Ou encore la diffusion ces dernières années d’expositions Instagrammables, parfaites pour être partagées sur les réseaux sociaux, mais manquant de profondeur.
Cependant, le fait qu’une œuvre ou une installation soit particulièrement photogénique n’implique pas automatiquement qu’elle soit dépourvue de sens, ni que sa valeur s’épuise dans le rendu esthétique de l’image. Une œuvre visuellement puissante peut en même temps être porteuse de thèmes complexes, de réflexions qui dépassent son impact immédiat, de sorte que réduire la question à une sorte d’équation mathématique - belle à photographier égale œuvre vide- serait trop simpliste et parfois injuste. C’est le cas de la grande exposition monographique Chiharu Shiota : The Soul Trembles, actuellement présentée jusqu’au 28 juin 2026 au MAO Museo d’Arte Orientale de Turin, sous la direction de Mami Kataoka, directrice du Mori Art Museum, une institution muséale basée à Tokyo qui a collaboré avec le musée turinois pour organiser l’exposition, et de Davide Quadrio, directeur du MAO, en collaboration avec Anna Musini et Francesca Filisetti. Force est de constater que The Soul Trembles est une exposition très scénique (et il n’y a pas de mal à cela, puisque l’artiste japonaise est aussi scénographe, une section est d’ailleurs consacrée à cet aspect) et que ce sont précisément les installations monumentales et spectaculaires qui sont les œuvres les plus photographiées de l’ensemble de l’ exposition : Les installations les plus célèbres de Chiharu Shiota occupent des salles entières du Musée d’art oriental, enveloppant les espaces dans lesquels elles sont placées et enveloppant à leur tour les visiteurs eux-mêmes, qui peuvent littéralement marcher à travers elles ; elles sont donc extrêmement photogéniques, Instagrammables et adaptées au partage sur les réseaux sociaux, mais elles sont également porteuses de significations profondes, intimes et en même temps universelles. Ils parlent essentiellement de liens: avec les autres, avec son propre corps, avec l’environnement, avec les objets, avec le cosmos. Les fils de laine tissés et enchevêtrés, d’un rouge profond ou d’un noir corbeau , redessinent complètement les environnements, créant des lieux immersifs d’une puissance extraordinaire. Mais leur puissance visuelle n’est jamais une fin en soi. À travers ces tissages, le visiteur est invité à réfléchir aux liens qui traversent notre existence: aux relations qui nous unissent, aux fils subtils qui relient la vie à la mémoire, à la présence dans l’absence, au visible et à l’invisible. C’est une invitation à reconnaître que chaque espace et chaque corps est traversé par un réseau silencieux de relations, une trame qui nous tient ensemble et qui, comme les fils de laine, peut se tendre, se détendre, s’emmêler ou s’ouvrir à de nouvelles formes de signification. “Les fils se tissent, s’emmêlent, se cassent, se nouent, s’étirent. Parfois, les fils qui manipulent le cœur peuvent même devenir l’expression des relations entre les personnes”, explique Chiharu Shiota, qui souligne que l’œuvre peut être considérée comme achevée lorsque l’on n’est plus en mesure de suivre les fils individuels qui la composent : “C’est à ce moment-là que je sens que je peux entrevoir ce qui se trouve au-delà et toucher la vérité”, dit-il.
La grande installation Uncertain Journey dans laquelle on est immergé dès que l’on pénètre dans les espaces d’exposition temporaire du musée de Turin est un exemple frappant de ces installations environnementales où des fils de laine rouge transforment l’espace d’exposition de manière extraordinaire : Des cadres de bateaux nus sont disposés dans la salle, espacés les uns des autres, tandis que des fils d’un rouge profond traversent les parties des bateaux destinées aux passagers et montent ensuite jusqu’au plafond, où ils se transforment en de grandes grappes de couleurs, si denses qu’elles en deviennent impénétrables à l’œil. L’ensemble de la pièce, imprégnée de ce réseau dense de fils rouges, semble alors suggérer l’idée des nombreuses rencontres, réelles ou possibles, qui attendent à la fin de ce voyage incertain, amplifiant ainsi le sentiment de suspension et d’incertitude. Immédiatement après, on rencontre Out of My Body, des filets de fils rouges suspendus accompagnés de morceaux de corps éparpillés sur le sol : une œuvre qui découle d’une perception profonde de l’artiste, à savoir que son âme a été en quelque sorte laissée derrière, abandonnée, tandis que son corps subissait un traitement pour lutter contre le cancer qui l’avait frappée une seconde fois. Pour Shiota, l’utilisation de son corps comme œuvre d’art est une manière de donner forme à cette absence, d’imaginer ce qui n’est pas vu et qui continue pourtant d’exister dans le vide qu’il laisse derrière lui. “Je dispose mon corps en morceaux épars et je commence à lui parler dans mon esprit”, explique l’artiste. "D’une certaine manière, je réalise que c’est le sens de l’acte de relier mon corps aux fils rouges. Les dessins et les sculptures exposés dans la même salle expriment ce même concept.
Elle est suivie par In Silence, une autre installation visuellement puissante dans laquelle, cette fois, des fils de laine noire s’entrelacent et transforment les espaces. Cette installation est née d’un souvenir personnel de l’artiste : “Lorsque j’avais neuf ans”, peut-on lire sur un panneau de l’exposition, “un incendie s’est déclaré dans la maison voisine de la nôtre. Le lendemain, il y avait un piano devant la maison. Brûlé jusqu’à devenir noir comme du charbon, il m’est apparu comme un symbole encore plus beau qu’auparavant. Un silence indescriptible s’est abattu sur moi et, les jours suivants, chaque fois que le vent faisait entrer cette odeur de brûlé dans la maison, j’entendais ma voix s’embrouiller. Il y a des choses qui s’enfoncent dans les recoins de l’esprit et d’autres qui, malgré leurs efforts, ne trouvent aucune forme, ni physique ni verbale. Pourtant, elles existent, comme des âmes sans forme tangible. Plus on y pense, plus leur son s’estompe de l’esprit, et plus leur existence devient concrète”. Et c’est précisément ce souvenir qu’évoque In Silence, à travers un piano brûlé et des chaises également brûlées, placés dans ce tissage de fils d’Alcantara noirs qui, bien que symbolisant le silence, donne l’impression que l’ensemble reproduit une musique visuelle.
Au contraire, dans un enchevêtrement de fils noirs, on trouve des robes blanches dans l’œuvre Reflet de l’espace et du temps située dans les galeries d’exposition de la collection permanente. La particularité de cette exposition réside en effet dans la disposition des œuvres dans l’ensemble du musée, aussi bien dans les espaces d’exposition temporaire que dans ceux de la collection permanente ; il s’agit d’un projet d’exposition qui implique donc l’ensemble du MAO de Turin, créant ainsi une grande immersion dans l’art de Chiharu Shiota. Pour en revenir à l’œuvre que nous venons d’évoquer, les vêtements, comme la peau qui recouvre le corps, symbolisent la frontière entre l’intériorité de l’individu et le monde extérieur. L’idée évoquée par les vêtements vides, non portés, est celle du sentiment de présence dans l’absence, donc de l’absence comme trace de l’être. Juste avant, toujours à l’étage de la collection permanente, on rencontre Accumulation : Searching for the Destination, une installation monumentale avec des centaines de valises suspendues au plafond par des fils rouges. Les valises évoquent le concept de mémoire (l’œuvre a été inspirée par la découverte de vieux journaux à l’intérieur d’une valise trouvée à Berlin, où vit l’artiste), mais aussi la condition de migration des personnes qui quittent leur patrie à la recherche d’une autre destination. “Quand je regarde une pile de valises, je ne vois qu’un nombre correspondant de vies humaines”, déclare l’artiste. “Pourquoi ces personnes ont-elles entrepris ce voyage ? Je repense aux sentiments qu’ils ont éprouvés le matin de leur départ”. Une installation qui suggère donc le voyage du réfugié à la recherche d’une résidence fixe et qui emporte avec lui tout son bagage de souvenirs, de la terre qu’il quitte à celle qu’il espère voir l’accueillir. C’est pour cette raison que, dans la même pièce, trois autres valises sont posées sur le sol et ouvertes : Where to go, what to exist - Cement et Where to go, what to exist - Photographs et Where to go, what to exist - Tube and Newspaper. La première est remplie de ciment, la deuxième de photographies, la troisième de ciment, de coupures de journaux et d’un tube en vinyle ; autant d’objets qui suggèrent un passé perdu, transporté dans les valises vers un avenir où rien n’est certain.
Outre les installations à grande échelle mentionnées ci-dessus, l’exposition retrace chronologiquement la production de Chiharu Shiota à travers des peintures, des photographies et des vidéos depuis le tout début, afin de souligner et de familiariser les visiteurs avec les thèmes et les concepts que l’artiste a exprimés à travers les différents médiums que sont la peinture, la performance et l’installation. L’exposition commence dès le début, avec la peinture d’un papillon sur un tournesol qu’elle a réalisée alors qu’elle n’avait que cinq ans. Cette peinture a été réalisée lors de sa première année à l’université Seika de Kyoto, où elle a étudié la peinture de 1992 à 1996, et pour laquelle elle s’est sentie frustrée d’avoir donné la priorité à la couleur et à la technique sans exprimer de contenu. C’est au cours de son séjour d’études en Australie, à l’école d’art de l’université nationale australienne de Canberra, qu’un soir Shiota est devenue elle-même une peinture: elle a accroché une toile au mur, puis s’est entièrement aspergée de peinture à l’huile rouge, y compris le visage, et a finalement enroulé une autre toile autour de son corps. Les photos de cet “acte de libération” de 1994, comme elle l’a appelé, racontent l’histoire de cette performance. “C’était la première œuvre qui n’était pas une œuvre d’art conçue et achevée, mais plutôt un acte d’expression corporelle dans lequel j’avais mis tout mon être”, explique-t-elle, devenant ainsi partie intégrante de l’œuvre d’art.
Des photographies documentent également la première œuvre dans laquelle l’artiste a utilisé pour la première fois des fils de laine, qui sont devenus par la suite une caractéristique distinctive de ses installations : la performance-installation From DNA to DNA, également de 1994, dans laquelle Shiota s’est allongée nue sur le sol et s’est enveloppée de fils rouges qui la reliaient à un grand tissage de ces mêmes fils qui partait du plafond d’une pièce intérieure. Dans quelle mesure la transmission de l’ADN affecte-t-elle ce qui se passe dans l’esprit de la personne qui crée l’œuvre d’art ? C’est cette réflexion qui est à l’origine de l’œuvre. Il y a cependant eu une période où il a essayé d’utiliser d’ autres matériaux que les fils de laine, comme le montrent les installations Flow of Energy ou Similarity avec des cannes de bambou, Accumulation avec des glands, One Line avec des gousses de haricots, en commençant également à réfléchir à l’affinité qui existe entre l’ordre présent dans la nature et celui qui existe dans le corps humain. Un thème sur lequel elle revient dans les années 2000, celui du lien avec la terre et la nature (symboles post-mortem et de l’origine de la vie), avec diverses autres performances, comme celle présentée en Islande au cours de laquelle elle s’enroule des fils rouges autour du corps, créant une situation de fusion entre elle-même et le paysage. Quelques années plus tôt, en 1997, un atelier de la pionnière de la performance Marina Abramović organisé dans un château du nord de la France l’avait également amenée à s’allonger, entièrement nue, dans un creux creusé dans un terrain en pente, d’où elle devait tenter de s’extraire sans grande difficulté : l’intérêt de la performance était d’évoquer un sentiment d’appartenance à un pays très éloigné de celui dans lequel elle vivait et l’impossibilité de retourner dans son pays d’origine. Une vidéo de 2010, Wall, visible dans l’exposition, la montre à nouveau nue traversée par des “vaisseaux sanguins” entrelacés avec son corps pour réfléchir à “l’existence d’êtres humains incapables de surmonter les barrières” de l’ethnie, de la nation, de la religion, mais aussi de la famille, où ces barrières/frontières sont comparables à des murs.
Il existe donc, comme cette exposition continue de le souligner, des liens avec ses souvenirs, entre son âme et son corps, avec la nature, avec son pays d’origine, mais aussi avec les objets que l’on trouve dans la vie quotidienne, comme le souligne l’installation Connecting Small Memories où des fils rouges relient véritablement tout, mais surtout les autres individus (le fil rouge du destin qui, dans la croyance est-asiatique, unit les gens) et l’ univers tout entier: À l’occasion de l’exposition, l’artiste a créé une série de nouveaux dessins dans lesquels Shiota exprime le lien entre les êtres humains et le cosmos, ainsi qu’une réflexion sur la petitesse des premiers face à l’immensité de l’univers et donc sur le sens de l’existence humaine. Une réflexion profonde qui s’est également imposée à elle face à la réapparition du cancer lors de la préparation du projet d’exposition The Soul Trembles en 2019.
Enfin, la dernière section est consacrée aux projets de décors de théâtre: de 2003 à aujourd’hui, Shiota a conçu les décors de neuf opéras et productions théâtrales ; il s’agit donc d’un chapitre important dans la production de l’artiste. Parmi ses scénographies, on peut également remarquer dans les photographies exposées des textures de cadres de fenêtres, qui renvoient à l’installation Inside - Outside, une réflexion entre la sphère intime et le monde extérieur, visible dans l’exposition dans le couloir menant au début du parcours de l’exposition.
Après ce long parcours dans la production de l’artiste contemporain japonais qui a représenté le Japon à la 56e Biennale de Venise en 2015, il est alors clair que The Soul Trembles n’est pas simplement une exposition spectaculaire, ni un triomphe d’images destinées à circuler sur les médias sociaux. Il s’agit plutôt d’une expérience qui invite les visiteurs à s’interroger en profondeur sur ce qui nous unit : une réflexion sur le fil invisible qui lie chaque individu à sa propre histoire, aux autres et au monde qu’il habite. Arrivé en Italie après une longue tournée internationale de Tokyo à Paris, le projet d’exposition du MAO de Turin, mis en place pour la première fois dans un musée d’art asiatique, démontre que ce qui fascine dans ces œuvres et installations n’est pas seulement le matériau qui les compose, mais ce qu’elles parviennent à évoquer et à nous rappeler que, comme les fils qui traversent et transforment les espaces du musée, nous sommes, nous aussi, entrelacés de relations et de liens. Il ne reste plus qu’à attendre l’exposition monographique The Sense of Snow prévue au MUDEC de Milan pour se replonger dans la création artistique de Chiharu Shiota.
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