La Rose de Franco Maria Ricci. L'existence irremplaçable d'un humaniste contemporain

La dernière image de Franco Maria Ricci était celle d’un octogénaire distingué qui, revenu vivre dans la campagne de Fontanellato, avait abandonné les costumes qu’il avait portés toute sa vie pour choisir une veste en loden vert, portée sur un pantalon kaki et une chemise à rayures ou à carreaux bleus: c’est avec cet “uniforme” qu’il se présentait à ceux qui le rencontraient dans le Labyrinthe du Masone, sa dernière entreprise, le fabuleux labyrinthe (le plus grand du monde, comme il le répète fièrement à chaque présentation) construit sur son ordre, d’après un projet de Pier Carlo Bontempi, et ouvert au public il y a cinq ans. Le seul élément qui n’a jamais quitté la tenue de Ricci est sa rose rouge, qu’il porte à la boutonnière de sa veste depuis des décennies. C’était son idée: dans une interview publiée il y a quelques années dans Repubblica, il avait avoué que l’idée d’épingler une rose en bakélite au revers de ses vestes lui était venue lorsque Ottavio Missoni lui avait offert un pull-over. Franco Maria Ricci, lui, ne portait pas de pull-over et avait dit qu’il prendrait en cadeau la rose rouge qui fermait le paquet.

Mais en réalité, cette rose contenait le sens même de son existence, une existence hors du commun, visionnaire, insouciante de la mode, isolée. L’existence d’un humaniste qui s’est entièrement consacré à l’art et à la culture, d’un amoureux des arts, cultivé et raffiné, qui a été l’un des rares à comprendre le sens de la vraie beauté, celle qui se cache entre le contingent et l’éternel, dans un équilibre difficile et précaire. FMR, les initiales de son nom, ainsi que le nom de la précieuse revue qu’il a fondée dans les années 1980, sonnent comme éphémère. Aujourd’hui, nos existences nous semblent projetées dans un présent perpétuel, nous semblons avoir oublié que tout est destiné à se terminer tôt ou tard: l’art en fait partie, et Franco Maria Ricci en était bien conscient. La rose elle-même est un symbole de vanité et de fugacité, et parfois, en parcourant les salles du musée qui mènent à son Labyrinthe, on rencontre une présence qui rappelle au visiteur cette dimension du monde de Franco Maria Ricci (et du nôtre). Dans une salle, entièrement consacrée au thème de la Vanité, cette présence devient presque obsessionnelle: un mur, où les tableaux sont collés les uns aux autres comme dans une pinacothèque du XVIIe siècle, est entièrement recouvert de natures mortes avec des crânes et des os, parmi lesquelles se détache l’horrible tête putrescente de Jacopo Ligozzi, l’une des pièces les plus significatives de la merveilleuse collection de Franco Maria Ricci. Une collection que le grand humaniste a mise à la disposition de tous.

Il n’est peut-être pas hasardeux de supposer que ses projets sont nés pour prolonger la vie des choses terminées, et c’est peut-être aussi pour cette raison qu’il devient difficile de séparer les différentes âmes de ses activités, puisque Franco Maria Ricci était “éditeur, graphiste, collectionneur et bibliophile”, comme le disent ses collaborateurs qui le commémorent aujourd’hui avec une émouvante épitaphe publiée sur les orgues du Labirinto della Masone. Même sa première entreprise, qui apparaît aujourd’hui comme une déclaration d’intention fantastique, était déjà une synthèse des nombreuses âmes de sa personnalité éclectique. C’était en 1963: Franco Maria Ricci venait de quitter son emploi de géologue auprès d’une compagnie pétrolière, avec laquelle il avait travaillé quelques mois en Turquie. Peu de gens se souviennent peut-être que sa formation s’est déroulée loin de l’art: il a étudié la géologie à l’université de Parme et n’a suivi aucune voie académique en rapport avec les arts. C’était une pure passion, que le séjour en Mésopotanie des Hittites avait augmentée et cimentée en lui, qui voulait être archéologue et avait choisi la géologie comme compromis, pour ne pas risquer d’obtenir un titre que, même à l’époque, certains considéraient comme difficile à obtenir.

L’expérience entre le Tigre et l’Euphrate ainsi mise en mémoire, Franco Maria Ricci retourna à Parme, commença à travailler comme graphiste presque par hasard, après avoir dessiné une affiche pour s’amuser et avoir été remarqué par un studio de graphisme, et c’est à partir de cette expérience qu’il mûrit sa rencontre à distance avec Giambattista Bodoni, le grand directeur de la Stamperia Ducale de Parme à la fin du XVIIIe siècle, et avec son Manuale Tipografico. L’idée de le réimprimer dans une édition anastatique semblait à tous le rêve d’un fou: comment définir autrement un jeune homme de 26 ans qui décide de jouer une bonne partie de ses économies pour rééditer un livre d’amateur, un livre introuvable, mais qui exerce sur lui une fascination si forte qu’elle devient inépuisable, durable, et ensuite un trait distinctif de presque toutes ses publications futures? Ce fou avait cependant mûri l’intuition de transformer le Manuale Tipografico en un produit de luxe, mais d’un luxe accessible: l’idée, comme il l’a déclaré à plusieurs reprises, était de faire en sorte que même ceux qui n’avaient pas les moyens de s’offrir un livre très cher puissent avoir accès à une édition de grande qualité. L’entreprise a été couronnée de succès, notamment parce que la nouvelle maison d’édition a su se créer un marché dans une Italie où les valeurs de la culture et de l’éducation étaient fortes et profondes.

Franco Maria Ricci. Ph. Labyrinthe du Masone

Ce même désir de partage est peut-être un autre des fils rouges qui forment la trame de l’existence irrémédiable de Franco Maria Ricci. Bien sûr, à la base de tant d’aventures, éditoriales ou autres, il y a cette vanité subtile, plus ou moins affichée (pas par lui, qui a toujours mené une vie loin des clameurs médiatiques), propre à tout amoureux de la beauté: mais Ricci était un véritable humaniste de notre temps, et lorsqu’il entreprit de publier la “plus belle revue du monde”, comme Jacqueline Kennedy appelait son FMR, l’idée était aussi de rapprocher le grand public de l’art du passé, non seulement en lui parlant de ses manifestations les plus connues et les plus évidentes, mais aussi en sondant les plis les plus cachés, mais non moins intenses et passionnants, de l’histoire de l’art. C’est ainsi qu’est née une revue cultivée, qui offrait au grand public l’élégance qui caractérisait son fondateur et sa maison d’édition, et qui reposait sur une idée aussi simple que révolutionnaire: donner à chaque sujet un éclairage monographique. FMR se situe donc à mi-chemin entre le livre et le magazine de vulgarisation: Peu d’articles, généralement moins de dix, un riche appareil iconographique avec des images pleine page et des agrandissements de détails, d’autant plus précieux si l’on pense qu’à l’époque l’internet n’existait pas et qu’il était donc difficile d’obtenir une bonne image d’une œuvre d’art, qui pouvait ne pas être en noir et blanc, et des textes écrits par des noms illustres (on pouvait lire des articles d’André Chastel, Francesco Arcangeli, Yves Bonnefoy, Raffaello Causa, Giovanni Testori, Rossana Bossaglia, Sylvia Ferino-Pagden, Alberto Arbasino, Umberto Eco, Jorge Luis Borges et bien d’autres) et des textes de jeunes écrivains en devenir (dès le début, par exemple, Vittorio Sgarbi, âgé de 30 ans et alors inconnu, a collaboré avec FMR). Le tout présenté dans une mise en page très élégante: pour Federico Fellini, FMR était la “perle noire de l’édition mondiale”. La raison première de FMR, avait écrit Sgarbi lui-même dans un essai pour une exposition dans laquelle Franco Maria Ricci s’était évidemment reconnu au point de la citer sur son site, était de “multiplier les désirs et les plaisirs, en pouvant publier de temps en temps tant d’articles sur des sujets différents et pérégrins au lieu d’un seul livre qui prend beaucoup de temps et d’un seul sujet”.

Entre-temps, les éditions s’étaient enrichies de volumes destinés aux bibliophiles, aux amateurs d’art, aux voyageurs cultivés et aux habitués des expositions les plus raffinées. Avec des livres toujours imprimés dans la typographie issue des traités de Bodoni, c’est, selon l’éditeur, une manière de faire revivre le passé dans la modernité. Une sorte de néoclassique du néoclassique. Franco Maria Ricci, quant à lui, ne s’intéressait pas tellement à l’art contemporain, ou du moins aux langages les plus avant-gardistes, bien qu’il ait eu des intuitions extrêmement intéressantes dans ce domaine également, comme celle d’investir dans le tout jeune Luigi Serafini en publiant, en 1981, le désormais célèbre Codex Seraphinianus composé cinq ans plus tôt: cette encyclopédie bizarre qui fusionne presque tous les domaines de la connaissance humaine dans des dessins hallucinés et illisibles inspirés d’anciens codex, et qui a été commentée par Roland Barthes et Italo Calvino.

Le Codex Seraphinianus, autre grand succès éditorial de Franco Maria Ricci, peut désormais être admiré au musée du Labyrinthe du Masone, autre exploit d’un homme qui semblait vivre à une autre époque, mûri par la lecture des livres de son ami Borges. Un véritable labyrinthe, ouvert au public, où il n’est pas rare que ceux qui y pénètrent se perdent parmi les cannes de bambou complexes qui composent ses murs: de temps en temps, un préposé à la billetterie doit aller récupérer les visiteurs égarés. “Le visiteur d’aujourd’hui entre dans les châteaux, admire les expositions thématiques, est attiré par les collections privées rendues attrayantes par de beaux emballages”, avait déclaré Ricci dans une autre interview à Repubblica, en expliquant son idée. “Ici, le parc permettra aux visiteurs de passer un dimanche différent, d’apprécier les œuvres d’art mais aussi de s’amuser. Il y aura des bancs, des pelouses, des glaciers, des accordéonistes, et puis le grand labyrinthe. Je pense qu’en une heure et demie, on peut s’y retrouver, mais quelqu’un peut s’y perdre vraiment”. Un exploit d’une autre époque, mais pas seulement parce que personne ne songerait à construire un labyrinthe aujourd’hui: aussi parce que, dans la frénésie du monde contemporain, obliger le public à réfléchir et à s’engager pendant une heure entière pour trouver son chemin dans le labyrinthe, c’est cultiver un intérêt sérieux pour les autres. La mentalité d’un homme de la Renaissance est cependant bien consciente qu’il vit au 21e siècle. Un homme de la Renaissance qui semblait presque envahi par un sentiment de nostalgie, qui a pourtant été la flamme qui a enflammé ses efforts et lui a permis d’apporter une contribution unique et extrêmement importante à l’art et à la culture. "L’éternel, disait-il dans un entretien avec Gianmarco Aimi pour Linkiesta, est la nourriture que nous désirons, mais nous sommes sensibles aux ruines, aux élégances des temps passés, aux témoignages des fêtes terminées, parce que nous sommes des êtres mortels. Sa rose, cependant, continuera à nous tenir compagnie pendant très longtemps.

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