L’élégance sobre de sa façade, située le long de la Via Tonducci à Faenza, ne laisse pas présager les merveilles qui attendent le visiteur au-delà du seuil du Palazzo Milzetti: c’est pourtant ainsi que l’on pourrait considérer ce joyau au centre de la ville de la céramique. Ou plutôt comme un lieu d’émerveillement, un bâtiment qui, deux cents ans plus tard, parvient à représenter fidèlement la culture d’une famille noble qui a vécu et prospéré à l’époque de l’Italie napoléonienne. Considéré comme l’une des résidences néoclassiques les plus remarquables de toute la péninsule, le Palazzo Milzetti n’est pas seulement un bâtiment historique, mais un palimpseste vivant de la culture aristocratique de l’époque. Depuis 2001, le palais abrite le musée national de l’âge néoclassique en Romagne, une institution qui a su préserver l’intégrité d’une époque où chaque détail, de la disposition des pièces au choix des sujets picturaux, répondait à un idéal de perfection esthétique et de rationalité fonctionnelle. Pénétrer dans ces espaces, c’est se plonger dans un dialogue constant entre les différents arts : ici, l’architecture de Giuseppe Pistocchi et Giovanni Antolini se mêle au génie décoratif de Felice Giani, créant un unicum dans lequel la sculpture sur stuc et les arts appliqués ne sont pas de simples ornements, mais des parties intégrantes d’un projet unifié. Le charme du Palazzo Milzetti réside précisément dans cette préservation : ici, contrairement à de nombreuses autres résidences contemporaines, le temps ne semble pas avoir altéré la physionomie de ses salles, où les scènes mythologiques et les thèmes de l’Antiquité continuent de surprendre le public moderne. Le récit qu’offre le palais est celui d’une famille, les Milzetti, capable d’interpréter les ferments d’un siècle qui regardait le classicisme non pas comme un passé lointain, mais comme un modèle de rigueur civique et de splendeur artistique.
Les racines historiques de cette résidence remontent au XVe siècle, mais son identité néoclassique est le résultat d’un événement traumatisant : le tremblement de terre de 1781. C’est le comte Nicola Milzetti qui a commandé la reconstruction à l’architecte Giuseppe Pistocchi (Faenza, 1744 - 1814) en août 1792, en cherchant à concilier les besoins statiques avec le désir d’une rénovation formelle radicale. Pistocchi conçoit une façade monumentale mais sobre, caractérisée par des pierres de taille en pointe de diamant qui soulignent les volumes sans recourir à des compartiments excessifs, un hommage passionné à l’héritage de Giulio Romano et au maniérisme de Mantoue. La carrière de Pistocchi connaît cependant un revers en 1796, lorsque ses sympathies pro-françaises lui valent d’être emprisonné au fort de San Leo. À son retour, le climat politique a changé et la clientèle, désormais dirigée par Francesco Milzetti après la mort de son père Nicola, préfère l’architecte Giovanni Antonio Antolini (Castel Bolognese, 1753 - Bologne, 1841). Antolini, formé à Rome et lié aux cercles maçonniques de la famille Laderchi, apporte une nouvelle sensibilité en concevant l’achèvement de l’escalier et de la salle octogonale entre 1800 et 1801. C’est dans cette phase que se greffe l’extraordinaire travail de Felice Giani (San Sebastiano Curone, 1758 - Rome, 1823), dont les travaux débutent officiellement le 19 octobre 1802. En l’espace de trois ans, Giani et son atelier soudé (composé entre autres du stucateur Antonio Trentanove et de l’ornemaniste Gaetano Bertolani) ont transformé l’intérieur en ce que l’on pourrait appeler un atelier d’invention picturale. En effet, en 1808, Francesco est contraint de vendre le palais en raison de difficultés financières et de ses engagements à la cour vice-royale de Milan. Après un bref passage dans la famille Papiani et l’utilisation du bâtiment par les autorités autrichiennes, le palais est acheté en 1817 par la famille Rondinini, qui complète l’ameublement et agrandit le jardin dans un sens romantique. La propriété passe ensuite à la famille Magnaguti de Mantoue, puis à l’avocat Bolognesi, jusqu’à ce que l’État italien acquière l’ensemble en 1973 pour en faire un musée : Après avoir été restauré par la Surintendance de Ravenne, le palais historique a été ouvert au public en 1979, puis en 2001, après la publication du premier guide du palais en 2000, il a été reconnu comme Musée national de l’âge néoclassique en Romagne, un nom qui était déjà prévu depuis l’achat du bâtiment par l’État.
La visite du musée se déroule sur trois niveaux, en commençant par les salles souterraines et en montant ensuite jusqu’à la magnificence du piano nobile. Il commence au sous-sol, où se trouve l’ancienne cuisine, une pièce qui conserve le four, le grand évier en pierre et un ingénieux système de communication avec le puits extérieur, témoignant de l’attention portée par le Siècle des Lumières à la fonctionnalité domestique. En montant au rez-de-chaussée, le visiteur est accueilli dans une suite de pièces destinées à la vie quotidienne de Francesco Milzetti avant son mariage. On traverse l’Anticamera, dépourvue de décoration, pour atteindre la Saletta da pranzo, dont le plafond présente la décoration du Banchetto dei Dei (Banquet des Dieux), inspirée des triclinia romains. Vient ensuite la salle de réception, définie en 1808 dans l’acte de vente comme “à l’usage de la Villa d’Hadrien”, entièrement recouverte de peintures imitant le marbre gris et de stucs monochromes de Gaetano Bertolani. L’un des points forts de cet étage est l’Antibagno, appelé “all’uso delle Terme di Tito” également dans l’acte de 1808, où les murs noirs mettent en valeur de minuscules décorations aux couleurs vives, rappelant le style pompéien. La visite se poursuit dans la bibliothèque, un chef-d’œuvre de trompe-l’œil où la peinture simule des étagères en bois et des panneaux pyrogravés. Les salles privées sont complétées par le salon de compagnie des Quatre Saisons, la chambre à coucher avec son voile étoilé, le salon de musique dominé par la muse Euterpe et un autre salon de compagnie enrichi d’un blason Milzetti en faux marbre. L’itinéraire atteint son apogée en grimpant le solennel Scalone, œuvre d’Antolini et de Ballanti Graziani, qui mène au piano nobile.
C’est ici que s’ouvre le Salone Ottagonale ou Temple d’Apollon, point d’appui symbolique de la maison. Véritable chef-d’œuvre architectural de Giovanni Antonio Antolini, le Salone Ottagonale est conçu comme un espace sacré dédié au dieu soleil, imprégné de significations maçonniques complexes. La salle est dominée par une grande fenêtre à serliane qui inonde la pièce de lumière, mettant en valeur le dôme à seize segments, une invention qui rappelle les voûtes en parapluie de Raphaël. Au centre du plafond, Giani a peint le char triomphal d’Apollon entouré des Heures dansantes, plongées dans un ciel doré qui sert de métaphore à un ordre cosmique et civil supérieur. La décoration monochrome du reste de la voûte accentue l’impression de rigueur et de solennité, tandis que les murs accueillent des reliefs en stuc blanc racontant l’histoire de Phaéton, tirée des Métamorphoses d’Ovide. Ces bas-reliefs, attribués à Antonio Trentanove et complétés ensuite par Ballanti Graziani, montrent des épisodes de grand drame, comme la chute de Phaéton électrocuté par Jupiter. La salle, en effet, est conçue pour surprendre le visiteur qui monte l’escalier: la discontinuité avec les pièces plus modestes du rez-de-chaussée vise à souligner le passage à une dimension de vie “sublime”. Ici, l’architecture n’est pas un simple contenant, mais un élément actif du récit mythologique, et les colonnes géantes ainsi que la symétrie des profils contribuent à créer une atmosphère d’élégance monumentale.
De là, on accède à la majestueuse Sala delle Feste, également connue sous le nom de Galleria d’Achille: cette salle représente le cœur mondain du palais, conçu pour accueillir des réceptions et impressionner l’aristocratie jacobéenne de l’époque. Sa forme rectangulaire allongée est surmontée d’une voûte segmentaire, où le génie de Felice Giani a condensé les épisodes saillants de l’Iliade. Au centre de la voûte brillent cinq panneaux aux couleurs vives, encadrés par vingt-quatre pilastres en relief qui rythment les murs. Le thème de l’héroïsme d’Achille n’est pas choisi au hasard : il reflète les ambitions et le statut de la famille Milzetti et s’intègre parfaitement à l’appareil décoratif des frères Ballanti Graziani, auteurs des stucs blancs raffinés qui ornent les lunettes des têtes de lit. Dans cette pièce, le contraste entre la blancheur des reliefs et la rapidité exécutive des peintures à la détrempe de Giani crée une atmosphère de dynamisme vibrant. L’illusion est totale : de nombreux rideaux et éléments architecturaux qui semblent tridimensionnels sont en fait des exercices magistraux de peinture monochrome, conçus pour amplifier l’espace et lui conférer une richesse qui va au-delà de la simple valeur des matériaux utilisés. L’ameublement, dont certains éléments remontent à la propriété Rondinini, comprend des miroirs qui multiplient les points de vue et des canapés en satin dont les accoudoirs zoomorphes en forme de sphinx dialoguent avec les motifs fantastiques peints sur les murs. La Galleria d’Achille reste l’un des plus beaux témoignages de la collaboration entre Giani et Bertolani, un lieu où le récit épique se transforme en pure décoration d’ambiance.
La visite se poursuit dans les salles donnant sur la Via Tonducci : elle commence par la Salle de la Paix et de la Guerre. Destinée à être la “salle des compagnies”, comme elle est officiellement appelée, cette salle doit son nom le plus célèbre aux décorations célébrant le serment d’Hannibal et les vertus militaires romaines. Au centre de la voûte, un épisode des Histoires de Tite-Live montre le jeune Hannibal, poussé par son père Hamilcar, jurant une haine éternelle aux Romains. Cette scène principale est flanquée de deux ovales représentant les allégories de la Paix et de la Guerre : le premier s’identifie à la Pax Augusta et le second à une figure masculine conduisant un char. Il est impossible de ne pas voir dans ces sujets un hommage à la carrière militaire de Francesco Milzetti, capitaine-colonel de la Garde d’honneur de Napoléon, qui établit un parallèle entre les héros de l’Antiquité et les gloires contemporaines. La décoration suit des modèles raphaëlesques inspirés de la Villa Madama, avec un “tapis” coloré au centre qui s’étend vers les coins avec d’élégantes connexions. Dans cet environnement également, la collaboration entre l’architecture d’Antolini et la peinture de Giani atteint des sommets de beauté absolue, où chaque fond chromatique est conçu pour mettre en valeur la fonction représentative de la pièce. La présence de personnages historiques tels que le consul Marcello souligne encore davantage l’appréciation des arts et des sciences en tant que devoir moral du commandant et du gentleman.
Après une pause dans la Chambre avec alcôve, enrichie par un motif de fausse tapisserie, nous revenons sur nos pas jusqu’à la solennelle Chambre Numa Pompilius. Destinée aux fonctions publiques et aux réunions officielles, la salle Numa Pompilio se distingue par un caractère de sévérité officielle qui reflète le rôle de la famille Milzetti dans la vie politique de l’époque. Felice Giani a dédié la décoration de la voûte aux légendes du deuxième roi de Rome, figure emblématique du législateur et fondateur d’institutions religieuses. Dans les rondeaux peints le long du plafond, on remarque la rencontre entre Numa et la nymphe Égérie, décrite non pas comme une idylle amoureuse mais comme un dialogue de haute valeur morale et civique, au cours duquel sont dictées les lois de la cité. La peinture de Giani se charge ici de solennité, les passages narratifs étant insérés dans des compartiments d’ornementation monochrome qui renforcent la gravité des thèmes abordés. Un autre épisode significatif représenté est la création du collège des Vierges Vestales, gardiennes du feu sacré, dont la sévérité est soulignée par la scène dramatique du châtiment d’une prêtresse transgressive, condamnée à être enterrée vivante. Dans cette salle, l’écho de la formation romaine de Giani et l’influence de ses études sur les maîtres d’Europe du Nord sont particulièrement évidents, donnant aux figures une force expressive qui anticipe les sensibilités préromantiques. La salle est ainsi le miroir des vertus civiques que la noblesse du début du XIXe siècle souhaitait promouvoir en rappelant l’histoire antique.
Nous passons ensuite directement à la salle Ulysse, la chambre nuptiale de Francesco et Giacinta Milzetti, dédiée au thème du retour du héros et de la fidélité conjugale, inspirée de l’Odyssée d’Homère. Par rapport aux autres salles du piano nobile, la salle Ulysse se distingue par une utilisation inhabituellement vive et audacieuse de la couleur : des champs de rouge, de vert et de lapis-lazuli créent un fort contraste avec le fond blanc de la voûte. Le récit est divisé en neuf scènes entourant un ovale central, où sont célébrées les retrouvailles finales des jeunes mariés. Giani puise ici dans le vaste répertoire de ses carnets de voyage, peuplant les coins de la pièce d’une richesse inégalée de motifs végétaux, de cupidons et de figures fantastiques qui semblent défier les lois de la gravité. La texture décorative est dense et révèle une liberté inventive qui s’inspire à la fois de la Domus Aurea et de la peinture maniériste tardive, comme les motifs des “pyramides humaines”. Bien que l’usure du temps ait partiellement estompé les soies originales qui recouvrent les murs (autrefois d’un vert olive doré avec des étoiles), la pièce conserve son charme intime et précieux. Au centre de la pièce se trouvait également une table de travail raffinée, aujourd’hui rachetée par le musée, qui complétait l’ameublement unifié conçu pour cette zone de la maison.
Enfin, le raffiné Gabinetto d’Amore, un boudoir qui conclut la séquence des appartements privés, se trouve directement au-dessus de l’avant-bain. Situé directement au-dessus de l’anti-salle de bains du rez-de-chaussée, il est dédié au Triomphe de l’Amour et constitue la pièce la plus intime et la plus réservée de tout l’appartement. La structure octogonale de la pièce est accentuée par des doubles pilastres cannelés rouges et une voûte qui divise l’espace en segments trapézoïdaux. Au centre du plafond, Giani a inséré une scène inspirée du Triumphi de Pétrarque, où l’Amour apparaît comme le véritable protagoniste et la force motrice des saisons et des éléments. Les murs sont décorés de scènes tirées des Métamorphoses d’Ovide, telles que le viol de Proserpine et Apollon et Daphné, présentées sous forme de tableaux encadrés qui semblent être des fenêtres ouvertes sur un monde mythologique. Un détail d’une grande importance historique est la date “MDCCCV” (1805) inscrite sous les armoiries des Milzetti, qui marque la fin officielle du travail de l’atelier de Giani dans le palais. L’effet optique est celui d’un léger vertige, grâce à l’utilisation habile de colonnes raccourcies et de miroirs qui multiplient l’espace. Le Cabinet d’Amour, avec ses minuscules décorations sur fond noir et son atmosphère saturée, est le joyau final de la résidence, un lieu où la célébration de l’affection conjugale se transforme en un jeu intellectuel raffiné inspiré par la redécouverte des antiquités pompéiennes. Avant de conclure, il convient toutefois de mentionner la chapelle du XVIIIe siècle et la séquence de salles de l’aile ouest, aujourd’hui utilisées pour des expositions temporaires.
Enfin, une nouvelle extraordinairement importante est venue récemment enrichir l’histoire du Palais Milzetti : le 10 mars 2026, l’acquisition de la “capanna rustica” (cabane rustique ) dans le patrimoine de l’État a été officialisée. Cette propriété, qui faisait partie du jardin romantique d’origine de la demeure, avait été séparée du complexe il y a environ quatre-vingts ans à la suite d’une vente à des particuliers. Grâce à une synergie vertueuse entre le ministère de la Culture, l’Office des biens de l’État, FS Sistemi Urbani et Ferservizi, cet élément historique et paysager a finalement été réintégré aux installations du musée. “Des interventions comme celle-ci, a déclaré le directeur général des musées, Massimo Osanna, à l’occasion de l’acquisition, contribuent à rendre les complexes monumentaux plus lisibles et à renforcer leur accessibilité culturelle, en permettant au public de mieux comprendre l’histoire et la configuration originale des espaces. Le succès de l’opération démontre que le dialogue entre les organisations et les institutions peut produire des résultats concrets pour la mise en valeur du patrimoine et sa pleine jouissance par les citoyens”.
La cabane rustique, ou hameau, s’inscrit dans une tradition typique des jardins romantiques de la seconde moitié du XVIIIe siècle, inspirée des modèles français comme le parc de Versailles, où de petites constructions excentriques étaient édifiées pour surprendre les visiteurs. Construite en 1851 par la famille Rondinini, la cabane a un extérieur recouvert de troncs d’arbres et un toit d’herbes marécageuses, mais c’est à l’intérieur qu’elle cache son plus précieux secret : une décoration complète en trompe-l’œil signée par Romolo Liverani et son fils Tancredi. Les murs peints simulent un abri de jardinier, avec des vues sur une campagne fantastique, des étagères avec des oiseaux en cage et des outils de jardinage, créant un contraste fascinant avec la solennité néoclassique du bâtiment principal. L’acquisition ne recompose pas seulement l’intégrité originale des espaces, mais ouvre une nouvelle phase de restauration qui sera également soutenue par l’activation d’une prime à l’art, impliquant directement la communauté dans la récupération de ce bien unique. Comme l’a déclaré la directrice Elena Rossoni, la réunion de la cabane et du jardin est un objectif poursuivi depuis 1973, un exploit qui rendra encore plus exceptionnelle l’expérience de la visite de l’un des musées les plus importants d’Italie. "Cette intervention s’ajoute aux nombreux travaux réalisés au cours des deux dernières années, avec la réouverture et le réaménagement d’espaces déjà fermés, l’adaptation des installations et tout ce qui a été fait pour mettre le musée au niveau des normes internationales en termes de qualité artistique, dans le but d’accroître sa visibilité et son rapport avec le public. Avec le retour de la cabane dans son jardin, le musée n’agrandit donc pas seulement ses espaces, mais complète également le récit historique du palais, en offrant aux visiteurs la possibilité de s’immerger pleinement dans le rêve romantique qui a suivi la splendeur de l’ère napoléonienne.
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