TEFAF Maastricht regresa en 2026 a las instalaciones del MECC y se consolida, como de costumbre, como uno de los principales eventos internacionales dedicados al arte, las antigüedades y el diseño. La edición de este año se celebra del 14 al 19 de marzo, con jornadas previas por invitación los días 12 y 13 de marzo, reúne a 277 galerías de todo el mundo y ofrece un itinerario que abarca unos siete mil años de historia del arte. Considerada desde hace tiempo como una de las principales citas del mercado internacional, la feria se distingue por la calidad de las obras presentadas y el riguroso sistema de selección e investigación que acompaña a cada objeto expuesto. Junto a las obras procedentes de instituciones museísticas y grandes colecciones privadas, el certamen sigue ofreciendo un espacio privilegiado a las galerías especializadas, que traen a Maastricht pinturas antiguas, esculturas, artes decorativas, diseño y obras contemporáneas.
En este contexto destaca la presencia de galerías italianas, tradicionalmente entre las más representadas en el sector del arte histórico y las antigüedades. En 2026, hay veintiún expositores procedentes de Italia, es decir, casi el 10% del total. Para hacernos una idea, consideremos que sólo nos superan el Reino Unido (71), Francia (63 galerías), Estados Unidos (32), Países Bajos (27), Bélgica (26) y Alemania (23). Entre las galerías italianas, hemos seleccionado quince que presentan obras particularmente significativas, capaces de transmitir la variedad de la investigación anticuaria y del mercado del arte italiano, abarcando desde la Edad Media hasta nuestros días. Veámoslas todas, por estricto orden alfabético.
Entre las propuestas dedicadas a la pintura entre los siglos XVI y XVII destaca la de Altomani & Sons, que presenta una Conversión de San Pablo de Antonio Tempesta (Florencia, 1555 - Roma, 1630). La obra, pintada sobre alabastro y fechable en la plena madurez del artista, se ofrece al precio de 95.000 euros. Tempesta, nacido en Florencia en 1555 y activo durante mucho tiempo en Roma, fue uno de los protagonistas de la pintura manierista tardía, conocido sobre todo por sus composiciones dinámicas y su atención a los temas narrativos. En el cuadro expuesto en Maastricht, la escena bíblica se desarrolla a través de un movimiento articulado de figuras y caballos, representado con una viva modulación de la luz favorecida por la superficie translúcida del alabastro.
En el ámbito de la pintura figurativa europea, la galería Antonacci Lapiccirella Fine Art expuso un gran lienzo de Theodor Matthias von Holst (Londres, 1810 - 1844), artista de origen alemán activo en el Londres romántico de la primera mitad del siglo XIX. El cuadro, Escena del Fausto de Goethe, creado hacia 1833 y ya expuesto ese mismo año en la British Institution de Londres, mide casi dos metros de ancho y se ofrece con un precio de salida de entre 200.000 y 250.000 euros. La obra refleja el interés romántico por la literatura y lo fantástico, traduciendo ciertos momentos de la imaginación de Goethe en una composición amplia y teatral. La pintura de viajes del siglo XIX está representada por la Galería Berardi, que expone un lienzo de Pharamond Blanchard (Lyon, 1805 - París, 1873), pintor francés formado en la Escuela de Bellas Artes de París y conocido por sus viajes entre Europa, África del Norte y América. El cuadro Los jugadores mexicanos, presentado en el Salón de 1842, representa a un grupo de hombres afanados en jugar a las cartas en un paisaje dominado por el perfil del volcán Popocatépetl. La escena se desarrolla en un ambiente rural y presta gran atención a los detalles de los trajes y objetos, creando un equilibrio entre la observación etnográfica y la composición pictórica. La obra, relativamente grande para este género, se ofrece al precio de 180.000 euros.
Un capítulo importante de la escultura barroca italiana está representado por la propuesta de Brun Fine Art de una pareja de ángeles de terracota dorada atribuidos a Giuseppe Mazzuoli (Volterra, 1644 - Roma, 1725). Las dos esculturas, de unos 51 centímetros de altura cada una y ofrecidas al precio de 350.000 euros, han sido estudiadas por Andrea Bacchi y guardan relación con la famosa pareja de ángeles de mármol creados por el artista para el altar mayor de la iglesia de San Michele Arcangelo de Siena. Las terracotas forman parte de un proceso creativo articulado que atestigua el diálogo con la tradición de Bernini. Mazzuoli, de hecho, había participado en la creación de los ángeles de bronce destinados a la Capilla del Sacramento de San Pedro, diseñada por Gian Lorenzo Bernini en la década de 1770. Las esculturas expuestas en Maastricht parecen pertenecer a una fase intermedia del diseño, posterior a los primeros bocetos pero anterior a los modelos más definitivos destinados al cliente. El fuerte relieve plástico de los drapeados y la vivacidad del modelado confirman la calidad de la ejecución y sugieren una intervención directa del escultor: precisamente por su finura y también por sus variaciones respecto a los mármoles, no pueden considerarse verdaderos bocetos, según Bacchi. En su opinión, “puede haber estudios relativos a aspectos particulares de la composición -que privilegien algunas partes, descuidando otras-, pero también puede haber estudios que transmitan pensamientos compositivos que varíen tanto con respecto a la ”primera idea“ como a la obra terminada, reflejando -como en el caso de los dos Ángeles aquí estudiados- una fase de replanteamiento por parte del escultor, posteriormente abandonada en la versión definitiva”).
En el campo de las artes decorativas contemporáneas se sitúa, por otra parte, la propuesta de la maison Buccellati, que presenta un gran jarrón de plata perteneciente a la colección Doge. La pieza, creada en 2025 por Andrea Buccellati, combina la elaboración en plata con la inclusión de piedras semipreciosas como el jaspe. La colección, introducida en la década de 1970 por Gianmaria Buccellati, incluye centros de mesa, jarrones y otros objetos decorativos en los que la estructura metálica se enriquece con inserciones de piedra y un repujado y cincelado muy refinados. El objeto se presenta con precio a consultar.
Un importante redescubrimiento en el ámbito de la pintura europea del Renacimiento nos propone la Galería Caretto & Occhinegro, que expone una gran tabla atribuida a Jean Cousin el Viejo (1500 - antes de 1593), uno de los protagonistas del Renacimiento francés. La pintura, El Descenso del Espíritu Santo, fechada en 1558 y de dimensiones monumentales, mide aproximadamente dos metros de ancho y representa una importante adición al restringido catálogo del artista, que cuenta con menos de diez obras determinadas. La tabla formaba parte originalmente de un ciclo encargado para la Cartuja de Vauvert en París, que fue destruida durante la Revolución Francesa. La obra ha sido objeto de un estudio monográfico por parte del historiador del arte Frédéric Elsig y actualmente se considera uno de los testimonios más importantes de la madurez artística de Cousin. Además, el cuadro es uno de los redescubrimientos más interesantes del arte francés de las últimas décadas, precisamente por la calidad de la obra y la importancia del artista. El precio es a consultar.
La galería Caterina Tognon, por su parte, se asoma a la escena contemporánea presentando Huevo de oro de Václav Cigler (Vsetín, 1929 - Praga, 2026), artista checo que figura entre los protagonistas de la investigación sobre el vidrio y la luz. La obra, creada en 2023 en cristal óptico fundido y esmerilado con superficie metalizada, es una pieza única firmada por el artista y se ofrece al precio de 60.000 euros más IVA. La forma ovalada y compacta de la escultura dialoga con la luz y el espacio circundante, continuando la investigación que Cigler lleva décadas realizando sobre la relación entre materia y percepción.
Una de las propuestas más relevantes en el ámbito de la pintura italiana del siglo XVII la presenta la galería Fondantico, de Tiziana Sassoli, que expone una pequeña tabla que representa la Huida a Egipto atribuida a Guercino. La obra, que salió a subasta en 2024 y hasta ahora era desconocida para los estudiosos, se ofrece por un precio de 500.000 euros, acompañada de un estudio de Daniele Benati. La escena representa a la Sagrada Familia durante la huida ordenada por José tras el edicto de Herodes. María está sentada en el asno con el Niño en brazos, mientras José guía al animal volviéndose hacia ellos. El paisaje ocupa una parte importante de la composición, con una amplia y luminosa vista que se abre detrás del grupo sagrado. El cuadro sería datable hacia 1615, en los años en que el joven Guercino trabajaba en Cento y desarrollaba un interés particular por la pintura de paisaje, influido tanto por la tradición de Ferrara como por las experiencias boloñesas de los Carracci. “Dada la dificultad que la crítica ha encontrado hasta ahora para seriar los paisajes de Guercino”, explica Benati, “la comparación con la Fuga de Eneas nos proporciona al menos una referencia segura para datar este ejemplar: estamos en 1615 o poco después, es decir, en los años en que el pintor trabajaba en casa de los Pannini”. La atribución a Guercino la formula el estudioso a partir de comparaciones con sus otras obras
El diálogo con el arte contemporáneo continúa con la propuesta de la Galleria Continua, que presenta una obra de Michelangelo Pistoletto (Biella, 1933) perteneciente a la serie Color y Luz. La obra, creada en 2024 y ofrecida al precio de 190.000 euros, combina un espejo negro y plateado con un lienzo de yute coloreado insertado en la superficie reflectante. La serie se creó como evolución de las famosas obras de espejo del artista y reflexiona sobre la relación entre la imagen fija y la imagen reflejada, implicando al espectador en un proceso continuo de transformación visual. “Es una obra”, explica el propio Pistoletto, “compuesta de espejos rotos, pero ejecutados de forma ordenada. Los contornos creados por la rotura del propio espejo se incorporan al espejo, y estos contornos forman un rompecabezas. El gran espejo se rompe y cada fragmento adquiere su propia individualidad. La figura universal del espejo se divide y multiplica con la rotura y el corte, convirtiéndose en un número incontable de figuras individuales. Cada fragmento del espejo puede verse como una persona que forma parte de un espejo mayor, a saber, la sociedad. La sociedad es como un gran espejo”. La Galleria d’Arte Maggiore G.A.M., que expone un cuadro de Giorgio de Chirico perteneciente a la serie de los Baños Misteriosos, pintado hacia 1974, mira en cambio hacia la pintura metafísica italiana del siglo XX. El lienzo, de dimensiones relativamente reducidas (50 por 40 centímetros), retoma uno de los temas más icónicos de la producción del artista, caracterizado por arquitecturas suspendidas y atmósferas enigmáticas. Precio a consultar.
Entre las obras más antiguas presentes entre los expositores italianos figura la pintura sobre tabla propuesta por la galería Matteo Salamon, atribuida a Lippo d’Andrea (Florencia, c. 1370 - 1451). El cuadro, una Virgen entronizada con el Niño y santos, fechable hacia 1425 y ofrecido al precio de 150.000 euros, representa a la Virgen y al Niño entronizados flanqueados por San Francisco, San Antonio Abad, San Julián y un obispo no identificado. La obra conserva su marco original y es testimonio de una fase de actualización estilística de la pintura florentina, en la que la tradición tardogótica se enfrentó a nuevas búsquedas de perspectiva y a la sensibilidad luminosa que caracterizó el primer Renacimiento. El cuadro apareció en el mercado de arte de Milán en 1964 con una referencia al llamado Pseudo-Ambrogio di Baldese, tras lo cual se denominó genéricamente “Maestro toscano del siglo XV”. La atribución a Lippo d’Andrea es ahora convincente, según Matteo Solomon, debido a las numerosas comparaciones posibles con obras reconocidas desde hace tiempo al artista. El cuadro es, además, particularmente ilustrativo del considerable esfuerzo de puesta al día realizado por el artista en la cincuentena, con la adquisición e injerto en el tronco de su inquebrantable cultura “neogiottesca” de elementos y acentos estilísticos derivados de los artistas más eminentes que trabajaban en Florencia durante la tercera década del siglo XV. Por tanto, la ubicación cronológica más plausible parece situarse en torno a mediados de la década de 1520, en un contexto florentino de extraordinaria vivacidad cultural que vio afirmarse la nueva visión renacentista, al tiempo que seguía ofreciendo amplio espacio también a artistas de buena posición como Lippo d’Andrea, que representaban dignamente (y con el amplio favor de) gran parte de los mecenas burgueses y eclesiásticos. la muy sólida matriz cultural tardogótica presente en la ciudad.
En el ámbito del arte de la segunda mitad del siglo XX, la galería Matteo Lampertico presenta en cambio un lienzo de la famosa serie Mao de Andy Warhol (Pittsburgh, 1928 - Nueva York, 1987), realizada en 1973 con serigrafía y pintura polimérica sobre lienzo. La obra, firmada y autentificada, procede de una colección privada de Milán y ha pasado en el pasado por algunas de las principales galerías internacionales, entre ellas Leo Castelli y Gagosian. El precio no se ha hecho público. La investigación artística italiana de los años 60 está representada en cambio por la galería Osart, que expone un Objeto óptico dinámico de Dadamaino (Edoarda Emilia Maino; Milán, 1930 - 2004), creado entre 1962 y 1971. La obra, compuesta de aluminio, nailon y madera, mide 75 por 75 centímetros (105 por 105 en diagonal) y se ofrece al precio de 110.000 euros más IVA. La obra pertenece a la etapa en la que el artista milanés experimentó con formas cinéticas y programadas de arte, basadas en la percepción del movimiento y la relación entre obra y espectador.
Una propuesta expositiva de especial impacto escenográfico es la de la Galería Porcini, que dedica su espacio al Nápoles del siglo XVIII. El stand recrea un recorrido ideal por la ciudad y sus iglesias, con bocetos de artistas como Luca Giordano, Francesco Solimena y Corrado Giaquinto. En el centro de la exposición se encuentra un gran belén napolitano del siglo XVIII de tradición borbónica, compuesto por cientos de elementos entre figuras, animales y atrezzo. El conjunto de la obra, que se ofrece con precio a consultar, representa una de las instalaciones más complejas de este tipo jamás presentadas en TEFAF.
Cierra esta selección la propuesta de la galería Robilant + Voena, que presenta un Sansón y Dalila de Luca Giordano (Nápoles, 1634 - 1705), un gran lienzo pintado hacia la década de 1950. El cuadro, que se ofrece con una puja de entre 300.000 y 350.000 euros aproximadamente, pertenece a una etapa en la que el pintor napolitano se fijó con especial atención en la pintura veneciana, en particular en Tiziano y Tintoretto. La composición dinámica y la pincelada enérgica atestiguan el momento de intensa experimentación estilística que llevaría a Giordano a desarrollar un lenguaje pictórico rico en luz y color. En este cuadro, la pincelada enérgica y la gama tonal dramática reflejan claramente la influencia de Tiziano, mientras que la luminosidad de la escena evoca otras pinturas realizadas por Giordano a mediados y finales de la década de 1750. Por otra parte, en su monografía de 2017, Giuseppe Scavizzi destaca la importante influencia de Rubens, tanto en la composición narrativa del cuadro en cuestión como en el tratamiento de las figuras. Scavizzi observa que Giordano estaba probablemente familiarizado con la representación de Rubens del mismo tema, actualmente en la National Gallery de Londres, a través de un grabado de Jacob Matham: la voluptuosa Dalila y el musculoso Sansón dormido del cuadro de Giordano parecen, en efecto, hacerse eco del espíritu del pintor flamenco en su obra anterior. Esta obra de Giordano perteneció originalmente al rico comerciante flamenco Gaspar Roomer (m. 1674), importante mecenas y coleccionista activo principalmente en Nápoles, que reunió una magnífica colección de artistas romanos, napolitanos y flamencos. Lo sabemos gracias a los escritos de Bernardo de’ Dominici, quien señala en sus Vidas de los pintores que Roomer compró a Giordano un cuadro de siete palmos de Sansón y Dalila. Sin embargo, el cuadro no fue del agrado de Roomer, debido a la clara adopción por parte de Giordano de elementos de la pintura veneciana. De hecho, durante este periodo, el artista pintó varias obras inspiradas en maestros venecianos como Tiziano y Tintoretto, llegando a venderlas como originales a mecenas entre los que se encontraba Roomer. Para apaciguar al mercader flamenco, Giordano accedió a pintar más cuadros para él, iniciando una fructífera relación entre artista y mecenas. A su muerte, en 1674, Roomer había reunido la mayor colección de Nápoles, y sus relaciones con los artistas de la ciudad y el apoyo que les prestó contribuyeron significativamente al desarrollo de la pintura napolitana. Además de las obras de Giordano, su colección incluía obras de Anthony van Dyck, Simon Vouet, Valentin de Boulogne, Jusepe de Ribera, Carlo Saraceni, Giovanni Battista Caraciolo, Massimo Stanzione y Andrea Falcone, y de los artistas flamencos Leonard Bramer, Paul Bril y Cornelis van Poelenburch.
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