TEFAF 2026, ce que les antiquaires italiens apportent : voici leurs meilleures œuvres (avec les prix).

TEFAF Maastricht revient en 2026 dans les locaux du MECC et s’impose, comme à l’accoutumée, comme l’un des principaux événements internationaux dédiés à l’art, aux antiquités et au design. L’édition de cette année aura lieu du 14 au 19 mars, avec des journées d’avant-première sur invitation les 12 et 13 mars, et réunira 277 galeries du monde entier , offrant un itinéraire couvrant quelque sept mille ans d’histoire de l’art. Considérée depuis longtemps comme l’un des principaux événements du marché international, la foire se distingue par la qualité des œuvres présentées et par le système rigoureux de sélection et de contrôle qui accompagne chaque objet exposé. Outre les œuvres provenant d’institutions muséales et de grandes collections privées, l’événement continue d’offrir un espace privilégié aux galeries spécialisées, qui apportent à Maastricht des peintures anciennes, des sculptures, des arts décoratifs, du design et des œuvres contemporaines.

C’est dans ce contexte que s’inscrit la présence de galeries italiennes, traditionnellement parmi les plus représentées dans le secteur de l’art historique et des antiquités. En 2026, on compte vingt-et-un exposants italiens, soit près de 10 % du total. Pour donner une idée, considérons que nous ne sommes dépassés que par le Royaume-Uni (71), la France (63 galeries), les États-Unis (32), les Pays-Bas (27), la Belgique (26) et l’Allemagne (23). Parmi les galeries italiennes, nous en avons sélectionné quinze qui présentent des œuvres particulièrement significatives, capables de transmettre la variété de la recherche antiquaire et du marché de l’art italien, allant du Moyen-Âge à nos jours. Voyons-les toutes, par ordre alphabétique strict.

Parmi les propositions consacrées à la peinture des XVIe et XVIIe siècles, celle d’Altomani & Sons présente une Conversion de saint Paul d’Antonio Tempesta (Florence, 1555 - Rome, 1630). L’œuvre, exécutée sur albâtre et datant de la pleine maturité de l’artiste, est proposée au prix de 95 000 €. Tempesta, né à Florence en 1555 et longtemps actif à Rome, est l’un des protagonistes de la peinture maniériste tardive, connu surtout pour ses compositions dynamiques et son attention aux thèmes narratifs. Dans le tableau exposé à Maastricht, la scène biblique est développée à travers un mouvement articulé de personnages et de chevaux, rendu avec une modulation vivante de la lumière favorisée par la surface translucide de l’albâtre.

Dans le domaine de la peinture figurative européenne, la Antonacci Lapiccirella Fine Art Gallery a exposé une grande toile de Theodor Matthias von Holst (Londres, 1810 - 1844), un artiste d’origine allemande actif dans le Londres romantique de la première moitié du XIXe siècle. Le tableau, Scène du Faust de Goethe, réalisé vers 1833 et déjà exposé la même année à la British Institution de Londres, mesure près de deux mètres de large et est proposé à un prix compris entre 200 000 et 250 000 euros. L’œuvre reflète l’intérêt romantique pour la littérature et le fantastique, traduisant certains moments de l’imagination de Goethe dans une composition large et théâtrale. La peinture de voyage du XIXe siècle est représentée par la galerie Berardi, qui expose une toile de Pharamond Blanchard (Lyon, 1805 - Paris, 1873), peintre français formé à l’École des beaux-arts de Paris et connu pour ses voyages entre l’Europe, l’Afrique du Nord et l’Amérique. Le tableau Les joueurs mexicains, présenté au Salon de 1842, représente un groupe d’hommes jouant aux cartes dans un paysage dominé par le profil du volcan Popocatépetl. La scène se déroule dans un cadre rural et rend les détails des costumes et des objets avec une grande attention, créant un équilibre entre l’observation ethnographique et la composition picturale. L’œuvre, relativement grande pour ce genre, est proposée au prix de 180 000 euros.

Un chapitre important de la sculpture baroque italienne est représenté par la proposition de Brun Fine Art d’une paire d’anges en terre cuite dorée attribuée à Giuseppe Mazzuoli (Volterra, 1644 - Rome, 1725). Les deux sculptures, d’une hauteur d’environ 51 centimètres chacune et proposées au prix de 350 000 euros, ont été étudiées par Andrea Bacchi et sont apparentées à la célèbre paire d’anges en marbre créée par l’artiste pour le maître-autel de l’église San Michele Arcangelo de Sienne. Les terres cuites font partie d’un processus créatif articulé qui témoigne du dialogue avec la tradition du Bernin. Mazzuoli avait en effet participé à la création des anges en bronze destinés à la chapelle du Sacrement de Saint-Pierre, conçue par Gian Lorenzo Bernini dans les années 1770. Les sculptures exposées à Maastricht semblent appartenir à une phase intermédiaire du projet, postérieure aux premières esquisses mais antérieure aux modèles plus définitifs destinés au commanditaire. Le fort relief plastique du drapé et la vivacité du modelé confirment la qualité de l’exécution et suggèrent une intervention directe du sculpteur : justement à cause de leur finesse et aussi de leurs variations par rapport aux marbres, elles ne peuvent pas être considérées comme de véritables esquisses, selon Bacchi. Selon lui, “il peut y avoir des études relatives à des aspects particuliers de la composition - qui privilégient certaines parties et en négligent d’autres - mais il peut aussi y avoir des études qui transmettent des pensées compositionnelles qui varient aussi bien par rapport à la ”première idée“ que par rapport à l’œuvre achevée, reflétant - comme dans le cas des deux anges étudiés ici - une phase de réflexion de la part du sculpteur, abandonnée par la suite dans la version finale”.)

Dans le domaine des arts décoratifs contemporains, en revanche, la proposition de la maison Buccellati présente un grand vase en argent appartenant à la collection des Doges. La pièce, créée en 2025 par Andrea Buccellati, allie le travail de l’argent à l’inclusion de pierres semi-précieuses comme le jaspe. La collection, introduite dans les années 1970 par Gianmaria Buccellati, comprend des centres de table, des vases et d’autres objets décoratifs dont la structure métallique est enrichie par des insertions de pierres et par un gaufrage et un ciselage très raffinés. L’objet est présenté avec un prix sur demande.

Une importante redécouverte dans le domaine de la peinture européenne de la Renaissance est proposée par la Galerie Caretto & Occhinegro, qui expose un grand panneau attribué à Jean Cousin l’Ancien (1500 - avant 1593), l’un des protagonistes de la Renaissance française. Le tableau, La descente du Saint-Esprit, daté de 1558 et de dimensions monumentales, mesure environ deux mètres de large et représente un ajout important au catalogue restreint de l’artiste, qui compte moins de dix œuvres déterminées. Le panneau faisait à l’origine partie d’un cycle commandé pour la Chartreuse de Vauvert à Paris, qui a été détruite pendant la Révolution française. L’œuvre a fait l’objet d’une étude monographique par l’historien de l’art Frédéric Elsig et est aujourd’hui considérée comme l’un des témoignages les plus importants de la maturité artistique de Cousin. En outre, le tableau est l’une des redécouvertes les plus intéressantes de l’art français de ces dernières décennies, précisément en raison de la qualité de l’œuvre et de l’importance de l’artiste. Le prix est sur demande.

La galerie Caterina Tognon, quant à elle, se tourne vers la scène contemporaine en présentant Golden Egg de Václav Cigler (Vsetín, 1929 - Prague, 2026), un artiste tchèque parmi les protagonistes de la recherche sur le verre et la lumière. L’œuvre, créée en 2023 en cristal optique fondu et meulé avec une surface métallisée, est une pièce unique signée par l’artiste et proposée au prix de 60 000 euros HT. La forme ovale et compacte de la sculpture dialogue avec la lumière et l’espace environnant, poursuivant la recherche que Cigler mène depuis des décennies sur la relation entre la matière et la perception.

L’une des propositions les plus pertinentes dans le domaine de la peinture italienne du XVIIe siècle est présentée par la galerie Fondantico de Tiziana Sassoli, qui expose un petit panneau représentant la Fuite en Égypte attribuée à Guercino. L’œuvre, vendue aux enchères en 2024 et jusqu’alors inconnue des spécialistes, est proposée au prix de 500 000 euros, accompagnée d’une étude de Daniele Benati. La scène représente la Sainte Famille pendant la fuite ordonnée par Joseph après l’édit d’Hérode. Marie est assise sur l’âne avec l’Enfant dans les bras, tandis que Joseph conduit l’animal en se tournant vers eux. Le paysage occupe une part importante de la composition, avec une large vue lumineuse qui s’ouvre derrière le groupe sacré. Le tableau peut être daté d’environ 1615, pendant les années où le jeune Guercino travaille à Cento et développe un intérêt particulier pour la peinture de paysage, influencée à la fois par la tradition ferraraise et par les expériences bolonaises des Carrache. “Étant donné la difficulté que les critiques ont rencontrée jusqu’à présent pour sérier les paysages de Guercino”, explique Benati, "la comparaison avec la Fuite d’Énée nous fournit au moins une référence sûre pour la datation de cet exemplaire : nous sommes en 1615 ou peu après, c’est-à-dire dans les années où le peintre travaillait dans la maison des Pannini. L’attribution à Guercino est formulée par l’érudit sur la base de comparaisons avec ses autres œuvres

Le dialogue avec l’art contemporain se poursuit avec la proposition de la Galleria Continua, qui présente une œuvre de Michelangelo Pistoletto (Biella, 1933) appartenant à la série Couleur et Lumière. L’œuvre, créée en 2024 et proposée au prix de 190 000 euros, combine un miroir noir et argenté avec une toile de jute colorée insérée dans la surface réfléchissante. La série a été créée comme une évolution des célèbres œuvres en miroir de l’artiste et réfléchit sur la relation entre l’image fixe et l’image réfléchie, impliquant le spectateur dans un processus continu de transformation visuelle. “Il s’agit d’une œuvre, explique Pistoletto lui-même, composée de miroirs brisés, mais exécutés de manière ordonnée. Les contours créés par le bris du miroir lui-même sont incorporés dans le miroir, et ces contours forment un puzzle. Le grand miroir se brise et chaque fragment acquiert sa propre individualité. La figure universelle du miroir se divise et se multiplie au fil des brisures et des découpes, devenant un nombre incalculable de figures individuelles. Chaque fragment du miroir peut être considéré comme une personne qui fait partie d’un miroir plus grand, à savoir la société. La société est comme un grand miroir”. La Galleria d’Arte Maggiore G.A.M., qui expose un tableau de Giorgio de Chirico appartenant à la série des Bains mystérieux, peint vers 1974, se tourne plutôt vers la peinture métaphysique italienne du XXe siècle. La toile, de dimensions relativement réduites (50 x 40 centimètres), reprend l’un des thèmes les plus emblématiques de la production de l’artiste, caractérisé par des architectures suspendues et des atmosphères énigmatiques. Prix sur demande.

Parmi les œuvres les plus anciennes présentes parmi les exposants italiens, on trouve la peinture sur panneau proposée par la galerie Matteo Salamon, attribuée à Lippo d’Andrea (Florence, vers 1370 - 1451). Le tableau, une Madone trônant avec l’enfant et les saints, daté d’environ 1425 et proposé au prix de 150 000 euros, représente la Vierge et l’enfant trônant entourés de Saint François, Saint Antoine Abbé, Saint Julien et d’un évêque non identifié. L’œuvre conserve son cadre d’origine et témoigne d’une phase d’actualisation stylistique de la peinture florentine, où la tradition gothique tardive est confrontée à de nouvelles recherches sur la perspective et à la sensibilité lumineuse qui caractérise le début de la Renaissance. Apparu sur le marché de l’art milanais en 1964 avec une référence au Pseudo-Ambrogio di Baldese, le tableau a ensuite été désigné comme un “maître toscan du XVe siècle”. Selon Matteo Solomon, l’attribution à Lippo d’Andrea est aujourd’hui convaincante en raison des nombreuses comparaisons possibles avec des œuvres reconnues depuis longtemps comme étant de l’artiste. Le tableau est en outre particulièrement illustratif de l’effort considérable de mise à jour réalisé par l’artiste dans la cinquantaine, avec l’acquisition et la greffe sur le tronc de sa culture “néogiottesque” inébranlable d’éléments et d’accents stylistiques dérivés des artistes les plus éminents travaillant à Florence au cours de la troisième décennie du XVe siècle. La chronologie la plus plausible semble donc se situer vers le milieu des années 1520, dans un contexte florentin d’une extraordinaire vivacité culturelle qui voyait s’affirmer la nouvelle vision de la Renaissance, tout en continuant à offrir un large espace aux artistes de bonne réputation tels que Lippo d’Andrea, qui représentaient dignement (et avec l’ample faveur) une grande partie des mécènes bourgeois et ecclésiastiques. L’art gothique tardif est une matrice culturelle très solide présente dans la ville.

Dans le domaine de l’art de la seconde moitié du XXe siècle, la galerie Matteo Lampertico présente plutôt une toile de la célèbre série Mao d’Andy Warhol (Pittsburgh, 1928 - New York, 1987), réalisée en 1973 en sérigraphie et peinture polymère sur toile. L’œuvre, signée et authentifiée, provient d’une collection privée milanaise et est passée par les plus grandes galeries internationales, dont Leo Castelli et Gagosian. Le prix n’a pas été rendu public. La recherche artistique italienne des années 1960 est plutôt représentée par la galerie Osart, qui expose un objet optique dynamique de Dadamaino (Edoarda Emilia Maino ; Milan, 1930 - 2004), créé entre 1962 et 1971. L’œuvre, composée d’aluminium, de nylon et de bois, mesure 75 centimètres sur 75 (105 sur 105 en diagonale) et est proposée au prix de 110 000 euros HT. L’œuvre appartient à la phase où l’artiste milanais a expérimenté des formes d’art cinétique et programmé, basées sur la perception du mouvement et la relation entre l’œuvre et le spectateur.

La proposition d’exposition de la galerie Porcini, qui consacre son espace à la Naples du XVIIIe siècle, a un impact scénographique particulier. Le stand recrée un parcours idéal à travers la ville et ses églises, avec des croquis d’artistes tels que Luca Giordano, Francesco Solimena et Corrado Giaquinto. Au centre de l’exposition se trouve une grande crèche napolitaine du XVIIIe siècle de la tradition bourbonienne, composée de centaines d’éléments tels que des personnages, des animaux et des accessoires. L’ensemble de l’œuvre, proposée avec un prix sur demande, représente l’une des installations les plus complexes de ce type jamais présentées à la TEFAF.

Pour clore cette sélection, la galerie Robilant + Voena propose un Samson et Dalila de Luca Giordano (Naples, 1634 - 1705), une grande toile peinte dans les années 1950. Le tableau, proposé à une enchère comprise entre 300 000 et 350 000 euros environ, appartient à une phase au cours de laquelle le peintre napolitain a porté une attention particulière à la peinture vénitienne, notamment au Titien et au Tintoret. La composition dynamique et le coup de pinceau énergique témoignent du moment d’intense expérimentation stylistique qui conduira Giordano à développer un langage pictural riche en lumière et en couleurs. Dans ce tableau, le coup de pinceau énergique et la gamme de tons dramatiques reflètent clairement l’influence du Titien, tandis que la luminosité de la scène évoque d’autres tableaux réalisés par Giordano entre le milieu et la fin des années 1750. En outre, dans sa monographie de 2017, Giuseppe Scavizzi souligne l’influence importante de Rubens, tant sur la composition narrative du tableau en question que sur le traitement des figures. Scavizzi observe que Giordano connaissait probablement la représentation du même sujet par Rubens, aujourd’hui conservée à la National Gallery de Londres, grâce à une gravure de Jacob Matham : la voluptueuse Dalila et le musculeux Samson endormi dans le tableau de Giordano semblent en effet faire écho à l’esprit du peintre flamand dans ses œuvres antérieures. Cette œuvre de Giordano appartenait à l’origine au riche marchand flamand Gaspar Roomer (d. 1674), un important mécène et collectionneur actif principalement à Naples, qui constitua une magnifique collection d’artistes romains, napolitains et flamands. Nous le savons grâce aux écrits de Bernardo de’ Dominici, qui note dans ses Vies des peintres que Roomer a acheté à Giordano un tableau de sept palmiers représentant Samson et Dalila. Cependant, le tableau n’est pas du goût de Roomer, car Giordano adopte clairement des éléments de la peinture vénitienne. En effet, au cours de cette période, l’artiste a peint plusieurs œuvres inspirées de maîtres vénitiens tels que le Titien et le Tintoret, les vendant même comme des originaux à des mécènes dont Roomer. Pour apaiser le marchand flamand, Giordano accepte de peindre d’autres tableaux pour lui, initiant ainsi une relation fructueuse entre l’artiste et le mécène. À sa mort en 1674, Roomer avait constitué la plus grande collection de Naples, et ses relations avec les artistes de la ville, ainsi que le soutien qu’il leur apportait, ont contribué de manière significative au développement de la peinture napolitaine. Outre les œuvres de Giordano, sa collection comprenait des pièces d’Anthony van Dyck, Simon Vouet, Valentin de Boulogne, Jusepe de Ribera, Carlo Saraceni, Giovanni Battista Caraciolo, Massimo Stanzione et Andrea Falcone, ainsi que des œuvres des artistes flamands Leonard Bramer, Paul Bril et Cornelis van Poelenburch.

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