El arte, el diseño y la arquitectura son disciplinas autónomas que a menudo se influyen y contaminan mutuamente, manteniendo cada una su propia identidad y finalidad. Las funciones del artista, el diseñador y el arquitecto difieren en su planteamiento y objetivos. El diseñador crea objetos que tienen que satisfacer necesidades específicas, objetos que pueden utilizarse y que a menudo se producen en serie, industrialmente. El arquitecto diseña espacios o edificios, modifica lugares para adaptarlos a las necesidades de quienes van a utilizarlos. Un artista tiene necesidades diferentes. El artista crea obras de arte que pueden tener valor estético, cultural y social.
¿Qué podría resultar de una conexión entre el diseño artístico y la arquitectura? ¿Qué podría conseguir un artista libre de esquemas cuando se ve obligado a seguir normas de funcionalidad y ergonomía, proporciones y medidas? ¿Qué podría ocurrir si los artistas crearan objetos que no fueran meras obras de arte, sino elementos del hogar, objetos que tuvieran una función y pudieran utilizarse a diario? Gracias a la intuición y el empuje de mujeres y hombres visionarios y extraordinariamente previsores, podemos analizar algunos ejemplos en los que arte, arquitectura y diseño se unen en perfecta armonía. No podemos llamarlos simplemente coleccionistas, son personas fuera de lo común que han dedicado su vida al arte y a los artistas, con los que han compartido emociones y proyectos y establecido profundas amistades, conociendo íntimamente su obra y creando auténticos vínculos. La perspicacia de estas figuras impulsó a los artistas a crear algo irrepetible. No es una obra de arte, ni un simple objeto de diseño o arquitectura. Es algo que engloba arte, diseño y arquitectura. Cuando las fronteras son finas, todo se entrelaza y surgen conexiones inesperadas que dan lugar a creaciones únicas.
Marguerite, conocida como Peggy, Guggenheim, representa un punto de encuentro en el arte del siglo XX entre Estados Unidos y Europa. Nacida en Nueva York en 1898, era la heredera de dos importantes familias de la época: por parte de madre, los Seligman, famosos banqueros, y por parte de padre, los Guggenheim, propietarios de numerosas minas de cobre. Hija de Benjamin, que murió trágicamente en el hundimiento del Titanic, y nieta de Solomon, más tarde fundador del Museo Guggenheim de Nueva York. A los veinte años heredó no sólo una gran suma de dinero, sino también la pasión por el arte y el mecenazgo que le transmitió su padre, también coleccionista.
Peggy Guggenheim era muy curiosa y una ávida lectora. Cuando no estaba familiarizada con un tema, profundizaba en él y leía tantos libros como podía sobre ese tema, autor o artista en particular. Estudió a fondo la historia del arte y empezó a coleccionar sus primeras obras muy joven.
En los años veinte se casó con Laurence Vail, pintor, escultor, escritor y poeta francés nacido en Estados Unidos, con quien se trasladó a París, donde vivió mucho tiempo. Con Vail, apodado el “Rey de los Bohemios”, llevó una vida completamente distinta a la de su familia de origen en América: una vida libre y desenfadada de viajes, cócteles, espléndidas fiestas, buenos vinos, champán y chefs franceses. Fue su marido quien la introdujo en los círculos artísticos parisinos, donde tuvo ocasión de conocer a numerosos intelectuales y artistas, con algunos de los cuales forjaría lazos indisolubles. Conoció a Man Ray, un artista estadounidense que en esta época empezó a ser conocido como retratista y fotógrafo de moda, trabajando con algunos de los más grandes diseñadores de moda de principios del siglo XX, así como para varias revistas importantes como Vogue y Vanity Fair. En 1924, hizo un retrato fotográfico de Peggy Guggenheim que, en una fiesta en su casa del Boulevard Saint Germain, lucía un vestido de noche dorado, confeccionado especialmente para ella por el estilista y diseñador de vestuario Paul Poiret, con un peinado especial de Vera Stravinsky, artista y bailarina estadounidense, más conocida por ser la segunda esposa del músico ruso Igor Stravinsky. El retrato es emblemático y representativo: el Guggenheim está totalmente inmerso en el arte, rodeado de artistas, estilistas, músicos y bailarines, un ambiente vibrante donde la complicidad es palpable.
Varios años más tarde, tras el fin de su matrimonio, Peggy Guggenheim se embarcó en una gran aventura amorosa con el crítico literario inglés John Holms, con quien vivió hasta la prematura muerte de éste. Durante este periodo tuvo la oportunidad de conocer a muchas figuras literarias de la época, como James Joyces y Samuel Beckett.
Tras un largo periodo transcurrido entre grandes amores, pasiones desbordadas y aventuras fugaces, se encontró sola y, al principio casi por diversión, decidió abrir una galería de arte en Londres, la “Guggenheim Jeune”, que debía ser un faro para los movimientos vanguardistas de la época, promocionando a artistas locales e internacionales. Peggy Guggenheim sentía que sabía poco sobre arte moderno y, guiada por su amigo artista Marcel Duchamp, que la instruyó en el abstraccionismo y el surrealismo, dedicó su exposición inaugural a una monografía del escritor, poeta, guionista y pintor Jean Cocteau. La galería de Cork Street permanecería activa durante varios meses, de enero de 1938 a junio de 1939, acogiendo más de veinte exposiciones memorables con algunos de los grandes nombres del arte del siglo XX. Inauguró la primera exposición individual de Vasily Kandinsky en Londres, una muestra de escultura con Constantin Brâncuși y Alexander Calder, una exposición de collage y exposiciones individuales y colectivas de muchos otros artistas como Yves Tanguy, Piet Mondrian, Salvador Dalí y Henry Moore.
El Guggenheim sigue invirtiendo cada vez más de sus activos en arte. Para apoyar a los artistas y no defraudarles, en caso de que ninguna obra se vendiera, compraba una obra al final de cada exposición y pronto su lema se convirtió en “comprar un cuadro al día”. Siguiendo este principio, empezó a construir lo que se convertiría en una de las colecciones de arte más importantes del mundo. Compra obras de jóvenes artistas contemporáneos suyos que, también gracias a su apoyo, se convertirían con el paso de los años en figuras de renombre internacional y cuyas obras ocupan hoy un lugar en los museos más prestigiosos del mundo.
Gracias a su personalidad y encanto, consiguió crear un fuerte vínculo con muchos de los artistas con los que colaboró, encargándoles en repetidas ocasiones no sólo obras de arte, sino también objetos de diseño y arquitectura. En 1939, el artista francés Tanguy le hizo dos pendientes con perlas y conchas pintados al óleo, con paisajes surrealistas en tonos rosas. Ella quedó entusiasmada y se los puso inmediatamente, pero uno de ellos se estropeó por la pintura aún fresca, lo que obligó al artista a hacer otro pero en azul, porque quería tener dos diferentes.
Durante la guerra regresó, con Max Ernst, su futuro segundo marido, a Nueva York, donde en 1942 abrió la galería de arte “Art of this Century”, diseñada por Frederick Kiesler, artista polifacético, escultor, arquitecto y diseñador, más conocido por sus proyectos utópicos, a quien ella consideraba un genio no reconocido. La única condición para él es que los cuadros no tengan marco, y para el resto Kiesler tiene “carta blanca”, creando una galería de arte poco convencional con una disposición revolucionaria. Una sala con paredes curvas de madera de caucho, donde los cuadros están retranqueados de las paredes, sostenidos uno a uno por soportes de madera que pueden dar distintos ángulos. Otra sala en la que las paredes están cubiertas por una cortina azul marino y los cuadros están suspendidos de cuerdas tendidas desde el techo hasta el suelo.
La posición de los cuadros separados de las paredes los acerca al espectador, haciéndolos flotar en el aire y convirtiéndose en parte integrante de la arquitectura de la galería. Las luces de las salas se encienden y apagan, iluminando primero una parte de la galería y luego la otra, generando asombro en los visitantes. La disposición crea unidad entre el arte y la arquitectura, entre el arte y el espectador.
Kiesler también diseña los asientos de la galería, que pueden utilizarse con fines muy diversos: mecedora, caballete para cuadros, base para esculturas o incluso banco o mesa. El arquitecto propone también un nuevo método para contemplar las obras de arte: la Máquina de Visión, una mesa giratoria que debía servir tanto para conservar los cuadros como para exponerlos, experimentada por primera vez en la exposición de Marcel Duchamp. Mirando a través de una pequeña abertura en la pared, el espectador hacía girar una gran rueda que permitía contemplar sucesivamente numerosos cuadros.
La galería explora nuevas posibilidades de diseño expositivo y se convierte en una obra maestra arquitectónica y un hito para el arte contemporáneo en Nueva York como plataforma de lanzamiento para jóvenes artistas, que Peggy Guggenheim seguirá promoviendo. En la primera inauguración, el 20 de octubre de 1942, Peggy Guggenheim lució un pendiente de Yves Tanguy y otro de Alexander Calder, para demostrar su imparcialidad entre surrealistas y abstraccionistas.
Durante este periodo pidió a Calder que le hiciera un cabecero para su cama: quería algo diferente al pesado de latón que había heredado de su abuela. El artista creó así una obra en plata que, aunque muy cara, era el único material disponible debido a la guerra, fusionando el mundo del mar con el del jardín, peces, insectos y plantas que transmitían el incesante movimiento de la naturaleza. A Guggenheim le encantaba esta obra porque, cuando abría la ventana de su dormitorio, el cabecero se movía con el viento, creando maravillosos sonidos de cuento de hadas. En su autobiografía escribió: "No sólo soy la única mujer del mundo que duerme en una cama de Calder, sino también la única que lleva sus enormes pendientes móviles".
En 1948, la Bienal de Venecia dedicó un pabellón a la colección de Peggy Guggenheim. Enamorada desde hacía tiempo de esta ciudad, más tarde compró el Palazzo Venier dei Leoni, un edificio del siglo XVIII con vistas al Gran Canal, donde se trasladó y vivió permanentemente con sus perros y sus obras. También en esta ciudad colaboró con varios artistas a los que encargó objetos hechos especialmente para ella. En los años cincuenta, el artista estadounidense Edward Malcarth, cuyas imágenes románticas muestran la influencia de los pintores renacentistas, diseñó para ella las gafas de sol Butterfly, reproducidas posteriormente en los años noventa por la empresa Safilo. A principios de los años sesenta, la artista estadounidense Claire Falkenstein, que desarrolló su expresión artística a partir de la relación entre materia y espacio, creó para el Palazzo Vernier dei Leoni una verja de estructura aérea, una maraña de metal, que contenía piedras de vidrio de colores.
Peggy Guggenheim fue capaz de desafiar las convenciones sociales transformando su vida en una misión cultural y estética. Gracias a su visión valiente e inconformista, dio voz a los artistas, construyendo no sólo una colección, sino una idea de libertad, fruto de una perfecta armonía entre arte y diseño.
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