L’art, le design et l’architecture sont des disciplines autonomes qui s’influencent et se contaminent souvent, tout en conservant leur propre identité et leur propre objectif. Les rôles de l’artiste, du designer et de l’architecte diffèrent dans leur approche et leurs objectifs. Le designer crée des objets qui doivent répondre à des besoins spécifiques, des objets qui peuvent être utilisés et qui sont souvent produits en masse, industriellement. L’architecte conçoit des espaces ou des bâtiments, modifie des lieux pour les adapter aux besoins de ceux qui vont les utiliser. Les besoins de l’artiste sont différents. Il crée des œuvres d’art qui peuvent avoir une valeur esthétique, culturelle et sociale.
Qu’est-ce qui pourrait résulter d’un lien entre le design artistique et l’architecture ? Que pourrait créer un artiste libre de tout schéma lorsqu’il est obligé de suivre des règles de fonctionnalité et d’ergonomie, de proportions et de mesures ? Que se passerait-il si les artistes créaient des objets qui ne seraient pas seulement des œuvres d’art, mais des éléments de la maison, des objets qui auraient une fonction et pourraient être utilisés tous les jours ? Grâce à l’intuition et à la volonté de femmes et d’hommes visionnaires et extraordinairement clairvoyants, nous pouvons analyser quelques exemples où l’art, l’architecture et le design se conjuguent en parfaite harmonie. Il ne s’agit pas simplement de collectionneurs, mais de personnes hors du commun qui ont consacré leur vie à l’art et aux artistes, avec lesquels ils ont partagé des émotions et des projets et noué des amitiés profondes, connaissant intimement leurs œuvres et créant des liens authentiques. La perspicacité de ces personnages a poussé les artistes à créer quelque chose d’unique. Il ne s’agit pas d’une œuvre d’art, ni d’un simple objet de design ou d’architecture. C’est quelque chose qui englobe l’art, le design et l’architecture. Lorsque les frontières sont minces, tout s’entremêle et des liens inattendus apparaissent, donnant lieu à des créations uniques.
Marguerite, connue sous le nom de Peggy Guggenheim, représente un point focal dans l’art du 20e siècle entre les États-Unis et l’Europe. Née à New York en 1898, elle est l’héritière de deux grandes familles de l’époque : du côté maternel, les Seligman, célèbres banquiers, et du côté paternel, les Guggenheim, propriétaires de nombreuses mines de cuivre. Fille de Benjamin, mort tragiquement dans le naufrage du Titanic, et petite-fille de Solomon, futur fondateur du musée Guggenheim de New York. À l’âge de vingt ans, elle hérite non seulement d’une importante somme d’argent, mais aussi d’une passion pour l’art et le mécénat, que lui a transmise son père, également collectionneur.
Peggy Guggenheim était très curieuse et lisait beaucoup. Lorsqu’un sujet ne lui était pas familier, elle approfondissait ses connaissances et lisait autant de livres que possible sur le sujet, l’auteur ou l’artiste en question. Elle a étudié l’histoire de l’art en profondeur et a commencé à collectionner ses premières œuvres dès son plus jeune âge.
Dans les années 1920, elle épouse Laurence Vail, peintre, sculpteur, écrivain et poète français d’origine américaine, avec qui elle s’installe à Paris, où elle vivra longtemps. Avec Vail, surnommé le “roi des bohémiens”, elle mène une vie totalement différente de celle de sa famille d’origine en Amérique : une vie libre et décontractée faite de voyages, de cocktails, de fêtes splendides, de vins fins, de champagne et de chefs français. C’est son mari qui l’introduit dans les milieux artistiques parisiens, où elle a l’occasion de rencontrer de nombreux intellectuels et artistes, avec certains desquels elle tissera des liens indissolubles. Elle rencontre Man Ray, artiste américain, qui commence à cette époque à être connu comme portraitiste et photographe de mode, travaillant avec les plus grands couturiers du début du XXe siècle, ainsi que pour de grands magazines tels que Vogue et Vanity Fair. En 1924, il réalise un portrait de Peggy Guggenheim qui, lors d’une soirée à son domicile du boulevard Saint-Germain, porte une robe de soirée dorée, créée spécialement pour elle par le styliste et costumier Paul Poiret, avec une coiffure spéciale de Vera Stravinsky, une artiste et danseuse américaine, plus connue comme seconde épouse du musicien russe Igor Stravinsky. Le portrait est emblématique et représentatif : le Guggenheim est totalement immergé dans l’art, entouré d’artistes, de stylistes, de musiciens et de danseurs, une atmosphère vibrante où la complicité est palpable.
Quelques années plus tard, après la fin de son mariage, Peggy Guggenheim entame une grande histoire d’amour avec le critique littéraire anglais John Holms, avec qui elle vivra jusqu’à sa mort prématurée. Durant cette période, elle a l’occasion de rencontrer de nombreuses figures littéraires de l’époque, telles que James Joyces et Samuel Beckett.
Après une longue période passée entre grands amours, passions débordantes et aventures éphémères, elle se retrouve seule et décide, d’abord presque pour le plaisir, d’ouvrir une galerie d’art à Londres, le “Guggenheim Jeune”, qui se veut un phare pour les mouvements d’avant-garde de l’époque, en promouvant des artistes locaux et internationaux. Peggy Guggenheim estime ne pas connaître grand-chose à l’art moderne et, guidée par son ami artiste Marcel Duchamp, qui l’a initiée à l’abstractionnisme et au surréalisme, elle consacre son exposition inaugurale à une monographie de l’écrivain, poète, scénariste et peintre Jean Cocteau. La galerie de Cork Street restera active pendant plusieurs mois, de janvier 1938 à juin 1939, accueillant plus de vingt expositions mémorables présentant certains des plus grands noms de l’art du XXe siècle. Elle inaugure la première exposition personnelle de Vasily Kandinsky à Londres, une exposition de sculptures avec Constantin Brâncuși et Alexander Calder, une exposition de collages et des expositions personnelles et collectives de nombreux autres artistes, dont Yves Tanguy, Piet Mondrian, Salvador Dalí et Henry Moore.
Le Guggenheim continue d’investir une part de plus en plus importante de ses actifs dans l’art. Afin de soutenir les artistes et de ne pas les laisser tomber, il achète une œuvre à la fin de chaque exposition au cas où aucune œuvre ne se vendrait, et sa devise devient bientôt “acheter un tableau par jour”. En suivant ce principe, il a commencé à constituer ce qui allait devenir l’une des plus importantes collections d’art au monde. Il achète des œuvres de jeunes artistes de son époque qui, grâce à son soutien également, deviendront au fil des ans des personnalités de renommée internationale et dont les œuvres trouvent aujourd’hui leur place dans les musées les plus prestigieux du monde.
Grâce à sa personnalité et à son charme, il a réussi à créer un lien fort avec de nombreux artistes avec lesquels il a collaboré, leur commandant à plusieurs reprises non seulement des œuvres d’art, mais aussi des objets de design et d’architecture. En 1939, l’artiste français Tanguy réalise pour elle deux boucles d’oreilles avec des perles et des coquillages peints à l’huile, avec des paysages surréalistes dans les tons roses. Enthousiasmée, elle les met immédiatement, mais l’une d’elles est abîmée par la peinture encore fraîche, ce qui oblige l’artiste à en faire une autre, mais en bleu, car elle veut en avoir deux différentes.
Pendant la guerre, elle retourne avec Max Ernst, son futur second mari, à New York où elle ouvre en 1942 la galerie d’art “Art of this Century”, conçue par Frederick Kiesler, un artiste aux multiples facettes, sculpteur, architecte et designer, surtout connu pour ses projets utopiques, qu’elle considère comme un génie méconnu. La seule condition pour lui est d’avoir des peintures sans cadre, et pour le reste, Kiesler a “carte blanche”, créant une galerie d’art non conventionnelle avec un agencement révolutionnaire. Une salle aux murs incurvés en bois de caoutchouc, où les tableaux sont en retrait des murs, soutenus un par un par des supports en bois qui peuvent donner des angles différents. Une autre salle dans laquelle les murs sont recouverts d’un rideau bleu marine et où les tableaux sont suspendus à des cordes tendues du plafond au sol.
La position des tableaux détachés des murs rapproche les peintures du spectateur en les faisant flotter dans l’air et devenir partie intégrante de l’architecture de la galerie. Les lumières des salles s’allument et s’éteignent, éclairant d’abord une partie de la galerie puis l’autre, suscitant l’étonnement des visiteurs. La disposition crée une unité entre l’art et l’architecture, entre l’art et le spectateur.
Kiesler conçoit également les sièges de la galerie, qui peuvent être utilisés à des fins très diverses : chaise à bascule, chevalet pour les peintures, base pour les sculptures ou encore banc ou table. L’architecte propose également une nouvelle méthode d’observation des œuvres d’art : la Vision Machine, une table tournante qui devait servir à la fois à conserver les peintures et à les exposer, expérimentée pour la première fois lors de l’exposition Marcel Duchamp. En regardant par une petite ouverture dans le mur, le spectateur faisait tourner une grande roue qui permettait de voir plusieurs tableaux à la suite.
La galerie explore de nouvelles possibilités de conception d’expositions et devient un chef-d’œuvre architectural et un point de repère pour l’art contemporain à New York, ainsi qu’une rampe de lancement pour les jeunes artistes, que Peggy Guggenheim continuera à promouvoir. Lors du premier vernissage, le 20 octobre 1942, Peggy Guggenheim porte une boucle d’oreille d’Yves Tanguy et une autre d’Alexander Calder, pour montrer son impartialité entre surréalistes et abstractionnistes.
À cette époque, elle demande à Calder de lui faire une tête de lit : elle veut quelque chose de différent de la lourde tête de lit en laiton qu’elle a héritée de sa grand-mère. L’artiste réalise alors une œuvre en argent, qui, bien que très coûteux, était le seul matériau disponible en raison de la guerre, fusionnant le monde de la mer avec celui du jardin, les poissons, les insectes et les plantes traduisant le mouvement incessant de la nature. Guggenheim aimait cette œuvre car, lorsqu’elle ouvrait la fenêtre de sa chambre, la tête de lit bougeait avec le vent, créant de merveilleux sons de contes de fées. Dans son autobiographie, elle écrit : "Non seulement je suis la seule femme au monde à dormir dans un lit de Calder, mais je suis aussi la seule femme à porter ses énormes boucles d’oreilles mobiles".
En 1948, la Biennale de Venise consacre un pavillon à la collection de Peggy Guggenheim. Amoureuse de cette ville depuis longtemps, elle achète ensuite le Palazzo Venier dei Leoni, un bâtiment du XVIIIe siècle donnant sur le Grand Canal, où elle s’installe et vit en permanence avec ses chiens et ses œuvres. C’est également dans cette ville qu’elle a collaboré avec différents artistes auxquels elle a commandé des objets réalisés spécialement pour elle. Dans les années 1950, l’artiste américain Edward Malcarth, dont les images romantiques sont influencées par les peintres de la Renaissance, conçoit pour elle les lunettes de soleil Butterfly, reproduites dans les années 1990 par la société Safilo. Au début des années 1960, l’artiste américaine Claire Falkenstein, qui a développé son expression artistique sur la base de la relation entre la matière et l’espace, a créé pour le Palazzo Vernier dei Leoni un portail avec une structure aérienne, un enchevêtrement de métal, contenant des pierres de verre colorées.
Peggy Guggenheim a su défier les conventions sociales en transformant sa vie en une mission culturelle et esthétique. Grâce à sa vision courageuse et anticonformiste, elle a donné la parole aux artistes, construisant non seulement une collection mais aussi une idée de la liberté, résultat d’une parfaite harmonie entre l’art et le design.
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