Kunst, Design und Architektur sind autonome Disziplinen, die sich oft gegenseitig beeinflussen und kontaminieren, wobei jede von ihnen ihre eigene Identität und ihren eigenen Zweck behält. Die Rollen des Künstlers, des Designers und des Architekten unterscheiden sich in ihrem Ansatz und ihren Zielen. Der Designer entwirft Objekte, die bestimmten Bedürfnissen gerecht werden müssen, Objekte, die benutzt werden können und oft in industrieller Massenproduktion hergestellt werden. Der Architekt entwirft Räume oder Gebäude, verändert Orte, um sie an die Bedürfnisse derer anzupassen, die sie nutzen sollen. Ein Künstler hat andere Bedürfnisse. Der Künstler schafft Kunstwerke, die einen ästhetischen, kulturellen und sozialen Wert haben können.
Was könnte sich aus einer Verbindung von Kunstdesign und Architektur ergeben? Was könnte ein Künstler, der frei von Schemata ist, schaffen, wenn er verpflichtet ist, Regeln der Funktionalität und Ergonomie, der Proportionen und Maße zu befolgen? Was könnte passieren, wenn Künstler Objekte schaffen, die nicht nur Kunstwerke sind, sondern Elemente des Hauses, die eine Funktion haben und täglich benutzt werden können? Dank der Intuition und der Tatkraft visionärer und außerordentlich weitsichtiger Frauen und Männer können wir einige Beispiele analysieren, in denen Kunst, Architektur und Design in perfekter Harmonie zusammenkommen. Man kann sie nicht einfach als Sammler bezeichnen, es sind Menschen, die ihr Leben der Kunst und den Künstlern gewidmet haben, mit denen sie Emotionen und Projekte geteilt und tiefe Freundschaften geschlossen haben, die ihre Werke genau kennen und authentische Bindungen schaffen. Die Einsicht dieser Personen hat die Künstler dazu gebracht, etwas Unwiederholbares zu schaffen. Es handelt sich weder um ein Kunstwerk noch um ein reines Design- oder Architekturobjekt. Es ist etwas, das Kunst, Design und Architektur umfasst. Wenn die Grenzen dünn sind, wird alles miteinander verwoben und es entstehen unerwartete Verbindungen, die zu einzigartigen Kreationen führen.
Marguerite, genannt Peggy, Guggenheim, stellt einen Brennpunkt in der Kunst des 20. Jahrhunderts zwischen den Vereinigten Staaten und Europa dar. Jahrhunderts zwischen den Vereinigten Staaten und Europa dar. 1898 in New York geboren, war sie die Erbin zweier bedeutender Familien der damaligen Zeit: mütterlicherseits der Seligmans, berühmter Bankiers, und väterlicherseits der Guggenheims, Besitzer zahlreicher Kupferminen. Sie ist die Tochter von Benjamin, der auf tragische Weise beim Untergang der Titanic ums Leben kam, und die Enkelin von Solomon, dem späteren Gründer des Guggenheim-Museums in New York. Im Alter von zwanzig Jahren erbte sie nicht nur eine große Geldsumme, sondern auch eine Leidenschaft für Kunst und Mäzenatentum, die ihr ihr Vater, ebenfalls ein Sammler, vermittelte.
Peggy Guggenheim war sehr neugierig und eine begeisterte Leserin. Wenn sie mit einem Thema nicht vertraut war, vertiefte sie sich in die Materie und las so viele Bücher wie möglich über das jeweilige Thema, den Autor oder den Künstler. Sie beschäftigte sich eingehend mit Kunstgeschichte und begann schon in jungen Jahren, ihre ersten Werke zu sammeln.
In den 1920er Jahren heiratete sie Laurence Vail, einen in Amerika geborenen französischen Maler, Bildhauer, Schriftsteller und Dichter, mit dem sie nach Paris zog, wo sie lange Zeit lebte. Mit Vail, der den Spitznamen “König der Bohemiens” trug, führte sie ein völlig anderes Leben als das ihrer amerikanischen Herkunftsfamilie: ein freies und unbeschwertes Leben mit Reisen, Cocktails, prächtigen Partys, edlen Weinen, Champagner und französischen Köchen. Ihr Mann führte sie in die Pariser Künstlerkreise ein, wo sie zahlreiche Intellektuelle und Künstler kennenlernte, mit denen sie zum Teil unzertrennliche Bande knüpfte. Sie lernte den amerikanischen Künstler Man Ray kennen, der zu dieser Zeit als Porträtist und Modefotograf bekannt wurde und mit einigen der größten Modeschöpfer des frühen 20. Jahrhunderts zusammenarbeitete sowie für einige wichtige Zeitschriften wie Vogue und Vanity Fair. Im Jahr 1924 porträtierte er Peggy Guggenheim, die auf einer Party in ihrem Haus am Boulevard Saint Germain ein goldenes Abendkleid trug, das der Stylist und Kostümbildner Paul Poiret speziell für sie angefertigt hatte, mit einer besonderen Frisur von Vera Strawinsky, einer amerikanischen Künstlerin und Tänzerin, besser bekannt als zweite Ehefrau des russischen Musikers Igor Strawinsky. Das Porträt ist emblematisch und repräsentativ: Das Guggenheim ist ganz und gar in die Kunst eingetaucht, umgeben von Künstlern, Stylisten, Musikern und Tänzern, einer pulsierenden Atmosphäre, in der Komplizenschaft spürbar ist.
Einige Jahre später, nach dem Ende ihrer Ehe, begann Peggy Guggenheim eine große Liebesaffäre mit dem englischen Literaturkritiker John Holms, mit dem sie bis zu seinem frühen Tod zusammenlebte. In dieser Zeit hatte sie Gelegenheit, viele literarische Persönlichkeiten der damaligen Zeit kennenzulernen, darunter James Joyces und Samuel Beckett.
Nach einer langen Zeit zwischen großen Lieben, überwältigenden Leidenschaften und flüchtigen Abenteuern war sie allein und beschloss, zunächst fast nur aus Spaß, eine Kunstgalerie in London zu eröffnen, die “Guggenheim Jeune”, die ein Leuchtturm für die Avantgarde-Bewegungen der damaligen Zeit sein und lokale und internationale Künstler fördern sollte. Peggy Guggenheim hatte das Gefühl, wenig über moderne Kunst zu wissen, und widmete ihre Eröffnungsausstellung einer Monografie des Schriftstellers, Dichters, Drehbuchautors und Malers Jean Cocteau, wobei sie sich von ihrem Künstlerfreund Marcel Duchamp leiten ließ, der sie in Abstraktion und Surrealismus unterrichtete. Die Galerie in der Cork Street sollte mehrere Monate lang, von Januar 1938 bis Juni 1939, aktiv bleiben und über zwanzig denkwürdige Ausstellungen mit einigen der größten Namen der Kunst des 20. Sie eröffnete die erste Einzelausstellung von Wassily Kandinsky in London, eine Skulpturenausstellung mit Constantin Brâncuși und Alexander Calder, eine Collage-Ausstellung sowie Einzel- und Gruppenausstellungen zahlreicher anderer Künstler wie Yves Tanguy, Piet Mondrian, Salvador Dalí und Henry Moore.
Das Guggenheim investiert immer mehr von seinem Vermögen in die Kunst. Um die Künstler zu unterstützen und sie nicht im Stich zu lassen, kaufte er am Ende jeder Ausstellung ein Werk, falls sich kein Werk verkaufte, und schon bald wurde sein Motto “buy a painting a day”. Nach diesem Prinzip begann er mit dem Aufbau einer der bedeutendsten Kunstsammlungen der Welt. Er kauft Werke von jungen Künstlern seiner Zeit, die auch dank seiner Unterstützung im Laufe der Jahre zu international bekannten Persönlichkeiten werden und deren Werke heute in den renommiertesten Museen der Welt zu finden sind.
Dank seiner Persönlichkeit und seines Charmes gelang es ihm, eine enge Bindung zu vielen der Künstler aufzubauen, mit denen er zusammenarbeitete, und er gab wiederholt nicht nur Kunstwerke, sondern auch Designobjekte und Architektur in Auftrag. 1939 fertigte der französische Künstler Tanguy für sie zwei Ohrringe mit in Öl gemalten Perlen und Muscheln an, die surreale Landschaften in Rosatönen zeigen. Sie war begeistert und zog sie sofort an, aber einer der Ohrringe wurde durch die noch frische Farbe ruiniert, so dass der Künstler gezwungen war, einen weiteren, aber in Blau, anzufertigen, da sie zwei verschiedene Ohrringe haben wollte.
Während des Krieges kehrte sie mit Max Ernst, ihrem späteren zweiten Ehemann, nach New York zurück, wo sie 1942 die Kunstgalerie “Art of this Century” eröffnete, die von Frederick Kiesler entworfen wurde, einem vielseitigen Künstler, Bildhauer, Architekten und Designer, der vor allem für seine utopischen Projekte bekannt war und den sie für ein unerkanntes Genie hielt. Die einzige Bedingung für ihn ist, dass die Gemälde ohne Rahmen ausgestellt werden, und für den Rest hat Kiesler “freie Hand”, indem er eine unkonventionelle Kunstgalerie mit einem revolutionären Layout schafft. Ein Raum mit geschwungenen Wänden aus Gummibaumholz, in dem die Gemälde von den Wänden zurückgesetzt sind und eines nach dem anderen von hölzernen Stützen getragen werden, die verschiedene Winkel ergeben können. Ein anderer Raum, in dem die Wände von einem marineblauen Vorhang bedeckt sind und die Gemälde an Seilen aufgehängt sind, die von der Decke bis zum Boden reichen.
Die von den Wänden losgelöste Position der Gemälde bringt die Bilder dem Betrachter näher, indem sie in der Luft schweben und zu einem integralen Bestandteil der Galeriearchitektur werden. Die Lichter in den Räumen schalten sich ein und aus und beleuchten erst den einen und dann den anderen Teil der Galerie, was die Besucher in Erstaunen versetzt. Die Anordnung schafft eine Einheit zwischen Kunst und Architektur, zwischen Kunst und Betrachter.
Kiesler entwirft auch die Sitze der Galerie, die für viele verschiedene Zwecke verwendet werden können: Schaukelstuhl, Staffelei für Gemälde, Sockel für Skulpturen oder auch Bank oder Tisch. Der Architekt schlägt auch eine neue Methode zur Betrachtung von Kunstwerken vor: die Vision Machine, ein Drehtisch, der sowohl zur Aufbewahrung als auch zur Ausstellung von Gemälden dienen sollte und erstmals in der Marcel-Duchamp-Ausstellung erprobt wurde. Der Betrachter blickt durch eine kleine Öffnung in der Wand und dreht ein großes Rad, mit dem zahlreiche Gemälde nacheinander betrachtet werden können.
Die Galerie erkundet neue Möglichkeiten der Ausstellungsgestaltung und wird zu einem architektonischen Meisterwerk und zu einem Wahrzeichen für die zeitgenössische Kunst in New York als Anlaufstelle für junge Künstler, die Peggy Guggenheim weiterhin fördern wird. Bei der ersten Eröffnung am 20. Oktober 1942 trug Peggy Guggenheim einen Ohrring von Yves Tanguy und einen anderen von Alexander Calder, um ihre Unparteilichkeit zwischen Surrealisten und Abstrakten zu demonstrieren.
In dieser Zeit bittet sie Calder, ein Kopfteil für ihr Bett anzufertigen: Sie möchte etwas anderes als das schwere Messingteil, das sie von ihrer Großmutter geerbt hat. So schuf der Künstler ein Werk aus Silber, das zwar sehr teuer, aber aufgrund des Krieges das einzig verfügbare Material war. Es verbindet die Welt des Meeres mit der Welt des Gartens, mit Fischen, Insekten und Pflanzen, die die unaufhörliche Bewegung der Natur vermitteln. Guggenheim liebte dieses Werk, denn wenn sie ihr Schlafzimmerfenster öffnete, bewegte sich das Kopfteil im Wind und erzeugte wunderbare märchenhafte Klänge. In ihrer Autobiografie schrieb sie: "Ich bin nicht nur die einzige Frau auf der Welt, die in einem Calder-Bett schläft, ich bin auch die einzige Frau, die seine riesigen Mobiles als Ohrringe trägt".
1948 widmete die Biennale von Venedig der Sammlung von Peggy Guggenheim einen Pavillon. Da sie schon lange in diese Stadt verliebt war, kaufte sie später den Palazzo Venier dei Leoni, ein Gebäude aus dem 18. Jahrhundert mit Blick auf den Canal Grande, wohin sie zog und dauerhaft mit ihren Hunden und ihren Werken lebte. Auch in dieser Stadt arbeitete sie mit verschiedenen Künstlern zusammen, bei denen sie speziell für sie angefertigte Objekte in Auftrag gab. In den 1950er Jahren entwarf der amerikanische Künstler Edward Malcarth, dessen romantische Bilder von den Malern der Renaissance beeinflusst sind, für sie die Butterfly-Sonnenbrille, die später in den 1990er Jahren von der Firma Safilo reproduziert wurde. In den frühen 1960er Jahren schuf die amerikanische Künstlerin Claire Falkenstein, die ihren künstlerischen Ausdruck auf der Grundlage der Beziehung zwischen Materie und Raum entwickelte, für den Palazzo Vernier dei Leoni ein Tor mit einer luftigen Struktur, einem Metallgewirr, das farbige Glassteine enthält.
Peggy Guggenheim war in der Lage, gesellschaftliche Konventionen herauszufordern, indem sie ihr Leben in eine kulturelle und ästhetische Mission verwandelte. Dank ihrer mutigen und unkonventionellen Vision gab sie den Künstlern eine Stimme und schuf nicht nur eine Sammlung, sondern eine Idee von Freiheit, die das Ergebnis einer perfekten Harmonie zwischen Kunst und Design ist.
Achtung: Die Übersetzung des italienischen Originalartikels ins Deutsche wurde mit Hilfe automatischer Tools erstellt. Wir verpflichten uns, alle Artikel zu überprüfen, aber wir garantieren nicht die völlige Abwesenheit von Ungenauigkeiten in der Übersetzung aufgrund des Programms. Sie können das Original finden, indem Sie auf die ITA-Schaltfläche klicken. Wenn Sie einen Fehler finden, kontaktieren Sie uns bitte.
