La Klesch Collection acquiert un chef-d'œuvre précoce de Sandro Botticelli

La Klesch Collection, une importante collection privée britannique, a annoncé l’acquisition de la Madone et l’Enfant trônant de Sandro Botticelli (Florence, 1445 - 1510), une œuvre importante datant d’entre 1465 et 1470. L’œuvre sera exposée au public pour la première fois après plus de quatre-vingts ans à l’Ashmolean Museum d’Oxford, consolidant ainsi la présence de l’artiste dans les collections britanniques. L’annonce, faite le 29 avril 2026 à Londres, fait suite à l’interdiction d’exportation imposée par le gouvernement britannique en 2025 sur le tableau, considéré comme présentant un intérêt culturel national important. L’œuvre avait été vendue l’année précédente chez Sotheby’s à Londres pour 9,96 millions de livres sterling par la collection Loyd, et les institutions britanniques avaient jusqu’au 8 août 2025 pour réunir la somme nécessaire au maintien de l’œuvre dans le pays. L’intervention de la collection Klesch a permis de conserver le tableau au Royaume-Uni tout en assurant sa jouissance par le public.

A. Gary et Anita Klesch, propriétaires de la collection, ont exprimé leur satisfaction à l’égard de cette acquisition : “Nous sommes ravis de partager notre tableau avec un public plus large : c’est l’une des très rares œuvres du Botticelli primitif dans ce pays. Nous pensons que l’Ashmolean Museum est le lieu le plus approprié pour l’exposer et nous le remercions d’accueillir une œuvre aussi importante”. Le directeur du musée, Xa Sturgis, a souligné l’importance de l’arrivée de l’œuvre : “L’Ashmolean accueille chaleureusement l’acquisition d’une peinture de l’un des artistes les plus importants de la tradition occidentale et nous sommes ravis qu’elle reste au Royaume-Uni. Nous reconnaissons la valeur de l’engagement de la Klesch Collection à prêter des œuvres à des institutions publiques et l’Ashmolean est honoré d’avoir été choisi comme premier lieu d’exposition du tableau, où il pourra être admiré et étudié par un large public”.

L’œuvre, également connue sous le nom de Wantage Madonna en raison de son ancien emplacement dans la Wantage Collection, a longtemps été peu étudiée et connue principalement par des photographies en noir et blanc. Pendant des années, son emplacement a été mal indiqué et la peinture a souvent été négligée dans la littérature critique, parfois attribuée à l’atelier de l’artiste plutôt qu’à Botticelli lui-même. Ce n’est que récemment, grâce à de nouvelles analyses techniques et à une réinterprétation critique, que l’hypothèse d’une attribution directe au maître a été consolidée.

Le tableau représente la Vierge assise sur un trône avec l’Enfant sur les genoux, dans une structure architecturale caractérisée par un dais arqué en marbre polychrome, soutenu par quatre colonnes dorées ressemblant à des candélabres. À l’arrière-plan se trouve un ciel bleu parsemé de légers nuages, tandis que le sol en marbre suit une perspective centrée sur la poitrine de la Vierge. L’Enfant lève la main droite en signe de bénédiction et saisit de la gauche le petit doigt de sa mère, qui le tient des deux mains en l’enveloppant d’un linge blanc.

L’exécution raffinée se manifeste dans le rendu des visages et le modelage des figures, éléments qui ont contribué à la réévaluation de l’œuvre en tant qu’autographe. La Vierge porte un manteau bleu bordé d’or et une robe rouge, tandis que sa tête est recouverte d’un voile transparent qui laisse entrevoir ses cheveux ondulés. Les détails dorés, réalisés selon les techniques de la dorure à la mission et de la décoration au poinçon, rappellent l’environnement artistique d’Andrea del Verrocchio, auprès duquel Botticelli s’est formé.

D’un point de vue stylistique, le tableau présente de fortes similitudes avec des œuvres contemporaines de l’artiste, en particulier avec le retable de Saint-Ambroise des galeries des Offices. Tout en rappelant sa composition générale, la Wantage Madonna introduit des variations significatives dans la posture et l’expression des personnages, suggérant une réinterprétation autonome du modèle. La Vierge, par exemple, regarde vers le haut plutôt que vers le bas, tandis que l’Enfant a des proportions plus compactes par rapport à la version du retable.

Les investigations techniques, y compris la réflectographie infrarouge et la radiographie, ont révélé une phase préparatoire complexe, avec des dessins sous-jacents, des gravures et des lignes de perspective qui témoignent d’un processus créatif complexe. De nombreuses modifications apportées au cours de l’exécution sont également apparues, confirmant une pratique typique de Botticelli caractérisée par des ajustements continus du dessin.

La qualité de l’œuvre et ses caractéristiques techniques ont conduit plusieurs chercheurs à reconsidérer son attribution. Dès le début du XXe siècle, l’historien de l’art Wilhelm von Bode a reconnu la main du maître, alors que par la suite la peinture a souvent été reléguée à une production d’atelier. Des études plus récentes, dont celles de Nicoletta Pons et de Christopher Daly, ont plutôt renforcé l’hypothèse de la paternité directe, situant l’œuvre vers 1470, à une époque où Botticelli travaillait encore sans une grande équipe d’assistants.

Les analyses comparatives avec d’autres œuvres de jeunesse, comme la Forteresse des Offices et plusieurs madones conservées dans des musées internationaux, révèlent des éléments communs dans la construction des figures et l’utilisation de l’espace, ainsi qu’une certaine expérimentation dans le rendu architectural. Certaines imperfections, en particulier dans les parties secondaires, sont interprétées comme indiquant un stade précoce de la carrière de l’artiste ou une possible intervention marginale de collaborateurs.

La provenance du tableau contribue également à en préciser l’histoire. Au milieu du XIXe siècle, si ce n’est plus tôt, le tableau se trouvait dans l’oratoire de San Giuliano, dans le couvent de San Giuliano, Via Faenza, à Florence. Le bâtiment a ensuite été acheté et reconstruit par l’ordre des Calasanz, fondé par saint Joseph Calasanz, prêtre catholique espagnol et promoteur de l’éducation gratuite pour les pauvres à la fin du XVIe et au début du XVIIe siècle. Federico Fantozzi, dans son guide de Florence et de ses environs, publié en 1842, décrit dans la Via Faenza la maison de la famille Colzi, qui, avec l’oratoire adjacent, constituait le couvent de San Giuliano, dont la fondation remonte au milieu du XIVe siècle. Après sa suppression en 1808, il a été réduit à son état actuel. Dans l’Oratoire, Fantozzi mentionne une Crucifixion d’Andrea del Castagno et deux œuvres anonymes, dont l’une est identifiée par Lightbown comme étant le présent tableau, placé sur l’autel droit à la place d’un retable de Mariotto Albertinelli. On ne sait pas à quelle date le tableau a été déplacé hors de Florence par l’ordre des Calasanz vers leur maison de convalescence pour frères malades, à une trentaine de kilomètres au sud-est de la ville, mais nous apprenons de son ancien propriétaire Giovanni Magherini Graziani qu’il y était autrefois vénéré.

Une lettre de Magherini Graziani à Lady Wantage, qui avait acheté le tableau l’année précédente, en possession de la famille Loyd, datée du 5 février 1905, nous éclaire sur sa provenance : Magherini Graziani rapporte qu’autrefois le panneau était vénéré dans la petite chapelle attachée à un groupe de fermes appelé Comezzano, près du village de Vaggio, à environ 4 km de Figline Valdarno, son lieu de naissance dans la province de Florence. Il explique ensuite qu’à Comezzano, dans les temps anciens, il y avait une maison de convalescence pour les frères malades de l’ordre de Calasanz et des Scuole Pie de Florence. La propriété, y compris la chapelle et le tableau, est ensuite passée à la famille Magherini Graziani. Le tableau a été retiré de l’autel et remplacé par un autre lors de la restauration de la chapelle. D’après sa description, cela s’est passé récemment, probablement pas avant 1903, lorsqu’il a vendu la Vierge à l’enfant trônant au marchand d’art Elia Volpi à Florence.

Homme de grande culture, Magherini Graziani s’intéressait vivement à l’histoire de l’art et à la recherche historique locale. Dans sa lettre à Lady Wantage, Magherini Graziani ajoute que le tableau était tenu en grande vénération car les deux couronnes métalliques qui l’ornaient étaient encore conservées dans la maison familiale. Cela explique la présence, sur une ancienne photographie noir et blanc non datée du tableau conservée à la Deutsche Digitale Bibliothek, de trous de fixation visibles autour des têtes de la Vierge et de l’Enfant. La photographie, qui date probablement d’environ 1900, montre également que le tableau se trouvait autrefois dans un cadre rectangulaire, dont les côtés verticaux avaient la forme de pilastres classiques avec des chapiteaux feuillus et un putto ailé dans chacun des écoinçons. Il est probable que l’œuvre ait été réencadrée et qu’elle ait fait l’objet d’une habile restauration avant d’être vendue à Lady Wantage en 1904. Plus récemment, à la suite d’un examen technique approfondi de la peinture, les salissures superficielles ont été éliminées de la peinture vernie et de la dorure, ce qui a grandement amélioré la lisibilité générale de l’œuvre.

La récupération de l’œuvre et sa future exposition publique marquent donc une étape importante non seulement pour la collection Klesch, mais aussi pour la scène muséale britannique. La possibilité d’observer directement la peinture permettra de poursuivre les recherches et de clarifier définitivement les questions attributives et chronologiques encore en suspens.

La Klesch Collection acquiert un chef-d'œuvre précoce de Sandro Botticelli

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