Du 16 avril au 6 septembre 2026, le Musée Rietberg de Zurich présente Almost a Paradise. Photographie de l’ère coloniale dans l’art contemporain, une exposition collective qui réunit vingt artistes internationaux confrontés à l’héritage visuel produit pendant la période coloniale. L’exposition propose une enquête sur la manière dont les images photographiques continuent d’influencer la construction de l’identité, de la mémoire et de l’histoire. À travers des photographies, des textiles, des films et des sculptures, les artistes invités réinterprètent des matériaux historiques et interrogent les récits qui en découlent. Le projet se concentre sur un phénomène de plus en plus présent dans l’art contemporain mondial : l’utilisation et la réinterprétation de photographies de l’époque coloniale par des artistes issus ou appartenant à des diasporas d’Afrique, des Amériques, d’Asie, d’Australie et d’Océanie. L’exposition aborde des questions liées à la capacité des images à construire des visions du monde et à la possibilité de raconter des histoires plurielles à travers des pratiques artistiques qui interviennent sur des archives historiques. Les œuvres présentées tentent de reformuler la relation entre le passé et le présent, en soulignant comment les images peuvent être relues et transformées.
L’exposition est divisée en quatre sections thématiques qui reflètent différentes manières de se confronter à l’héritage photographique colonial. Les artistes agissent tantôt comme des archivistes, tantôt comme des interprètes critiques d’un regard colonial sédimenté dans la culture visuelle. Dans d’autres cas, ils prennent le rôle de narrateurs ou de personnages qui tentent de protéger et de restaurer la dignité des personnes représentées dans les images historiques. L’ensemble des œuvres met en évidence le caractère instable de la mémoire et suggère comment les photographies peuvent générer de nouvelles interprétations au fil du temps.
La première section, intitulée Mutations, part d’un constat : depuis l’invention de la photographie, des millions d’images ont été prises, mais la répartition de ce patrimoine reste inégale. Dans de nombreux contextes hors d’Europe, les photographies documentant l’histoire des communautés locales manquent, laissant des zones d’ombre dans la reconstruction des origines et des mémoires collectives. Les artistes de cette section réagissent à cette absence en construisant de nouvelles archives visuelles ou en retravaillant des photographies retrouvées. Parmi les auteurs présentés figure l’artiste vietnamien Dinh Q. Lê (1968-2024), qui a retrouvé sur les marchés de Ho Chi Minh Ville de nombreuses photographies appartenant à des familles contraintes de fuir le Sud-Vietnam avant la guerre. Dans son œuvre Crossing the Farther Shore, ces images sont tissées dans de grandes structures cubiques qui donnent une dimension visuelle à des histoires de la vie quotidienne qui sont souvent exclues du récit officiel.
En revanche, l’artiste brésilienne Rosana Paulino, née en 1967, s’attaque à l’absence de documentation visuelle sur les Noirs dans la mémoire culturelle du Brésil. Dans son œuvre monumentale Parede daMemória (Mur de la mémoire) , onze portraits sont répétés sept cent cinquante fois, produisant une surface visuelle qui met en évidence le fossé historique dans la représentation des communautés afro-descendantes. L’artiste ivoirien Cédric Kouamé, né en 1992, se concentre sur la matérialité des photographies. Dans son projet The Gifted Mold Archive, il observe comment l’absence de conditions de stockage adéquates en Côte d’Ivoire a entraîné la détérioration de nombreuses images. Cependant, les processus de décomposition font partie intégrante de l’œuvre, générant des compositions inattendues et de nouvelles possibilités d’interprétation.
La deuxième section de l’exposition, Confrontation, examine la relation entre la photographie et la colonisation. La diffusion de l’appareil photo dans le monde a coïncidé avec l’expansion des systèmes coloniaux, et de nombreuses images ont contribué à la représentation des peuples colonisés comme “autres”, alimentant des stéréotypes destinés à se répandre dans les magazines et les cartes postales. Les œuvres rassemblées dans cette section analysent ces représentations et remettent en question leur autorité visuelle. L’artiste américaine Wendy Red Star, née en 1981 et appartenant à la nation Apsáalooke (États-Unis), crée dans sa série Four Seasons une série d’autoportraits mis en scène qui se moquent des photographies historiques des Amérindiens d’Amérique du Nord. Des décors artificiels avec des fleurs en plastique, de l’herbe synthétique et des animaux gonflables remplacent les paysages naturels typiques des représentations romantiques des indigènes, soulignant le caractère construit de ces images.
Le Sénégalais Omar Victor Diop, né en 1980, participe au projet Being There, réalisé en collaboration avec Lee Shulman. L’artiste s’insère numériquement dans des photographies représentant des scènes de la vie quotidienne de la population blanche aux États-Unis dans les années 1950 et 1960. La présence de Diop dans des contextes sociaux dont un homme noir aurait été exclu en raison de la ségrégation raciale met en lumière la dynamique d’exclusion présente dans l’histoire visuelle américaine. Le Samoan Yuki Kihara, né en 1975, aborde quant à lui le thème des stéréotypes coloniaux dans la vidéo First Impressions : Paul Gauguin. L’œuvre prend la forme d’un talk-show satirique dans lequel divers participants discutent des représentations tahitiennes faites par Paul Gauguin, en abordant les implications de genre et en proposant des lectures queer de l’iconographie du peintre.
La troisième section, Care, examine comment les photographies historiques ont documenté des situations d’exploitation des corps et des ressources naturelles. Les artistes invités interviennent sur ces images avec des gestes qui visent à protéger ou à restaurer la dignité des sujets représentés. Sasha Huber, née en 1975 en Suisse, travaille dans la série Tailoring Freedom sur des photographies prises en 1850 par le naturaliste suisse-américain Louis Agassiz. Les images montrent des personnes asservies photographiées nues dans le but d’étayer la théorie de la “hiérarchie des races”. Huber est intervenu sur les photographies avec une agrafeuse, perforant la surface de l’image et créant une sorte d’armure symbolique qui soustrait les sujets au regard colonialiste.
Un autre cas concerne les photographies prises en 1882 par le peintre et photographe américain Thomas Eakins, qui a représenté une petite fille noire nue. L’artiste américaine Mary Enoch Elizabeth Baxter, née en 1981, intervient sur ces images en utilisant son propre corps comme élément protecteur, créant une barrière symbolique entre le spectateur et la figure de la petite fille. La Sud-Africaine Zenaéca Singh, née en 2000, travaille quant à elle avec des matériaux liés à l’histoire familiale. Ses ancêtres ont été amenés de l’Inde à la colonie du Natal, dans l’actuelle Afrique du Sud, en tant que travailleurs sous contrat dans les plantations de sucre. Dans ses œuvres, l’artiste incorpore des photographies de famille dans du verre à sucre, produisant des images lumineuses et fragiles qui relient la mémoire privée à l’histoire du travail colonial.
La dernière section de l’exposition, intitulée In the Photo Fantastic, prend comme point de départ les lacunes de la documentation historique. Les artistes adoptent une méthode proche de la fabulation critique, un concept développé par l’universitaire Saidiya Hartman, selon lequel les zones d’ombre de l’histoire peuvent être explorées par des pratiques imaginatives. À partir de fragments visuels et documentaires, les artistes construisent des récits spéculatifs qui entremêlent mémoire et invention. L’artiste français Raphaël Barontini, né en 1984, présente une œuvre dédiée à Nobosudru, une femme originaire de l’actuelle République démocratique du Congo. Son portrait, réalisé lors d’un voyage organisé par Citroën en Afrique entre 1924 et 1925, est devenu le symbole de la figure de la “femme africaine” en Europe. Barontini retravaille cette image en imaginant l’épisode du point de vue de la femme portraiturée, la transformant d’objet de représentation en sujet narratif.
L’artiste américaine Andrea Chung, née en 1978, s’intéresse au mythe afrofuturiste de Drexciya, selon lequel des femmes africaines enceintes jetées à la mer lors de la traite des esclaves auraient donné naissance à des enfants capables de vivre sous l’eau. Dans ses œuvres, l’artiste imagine un musée dédié aux habitants de Drexciya, peuplé de figures féminines tirées de photographies historiques de la collection du musée Rietberg, auxquelles elle donne une nouvelle visibilité.
Les photographies historiques de la collection du musée constituent en effet un élément central de l’exposition. Le musée Rietberg possède une vaste collection d’images prises en Afrique et en Asie à la fin du 19e et au début du 20e siècle. La collection comprend de la documentation ethnographique, des photographies prises dans des contextes coloniaux et des portraits de studio réalisés par des photographes africains et asiatiques. De nombreuses œuvres exposées s’inspirent de ces matériaux, utilisés comme point de départ pour révéler des significations cachées et remettre en question la manière dont les images ont contribué à la construction de la mémoire visuelle.
Un film réalisé spécialement pour l’exposition présente certaines des questions et des perspectives qui ont émergé au cours des recherches menées par le commissaire. La vidéo documente les moments d’un atelier qui s’est tenu au Musée Rietberg en mars 2025, au cours duquel des artistes, des chercheurs et des conservateurs ont travaillé ensemble sur la collection photographique du musée. L’exposition implique également le public dans une réflexion sur la relation entre la photographie et la mémoire personnelle. Les visiteurs sont invités à s’interroger sur le rôle des images dans la construction des souvenirs et de l’histoire individuelle. Un certain nombre de citoyens zurichois ont contribué au projet en partageant leurs albums de photos de famille, qui sont présentés comme faisant partie d’une archive visuelle qui ne cesse de s’enrichir pendant la durée de l’exposition. Almost a Paradise s’accompagne d’un catalogue publié en allemand et en anglais par Spector Books, disponible à la librairie du musée. Cette publication rassemble des contributions et des documents de référence en rapport avec les thèmes abordés par l’exposition.
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| Photographie coloniale et art contemporain : une exposition sur les images du pouvoir à Zurich |
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