Koloniale Fotografie und zeitgenössische Kunst: eine Ausstellung über Bilder der Macht in Zürich

Vom 16. April bis 6. September 2026 präsentiert das Museum Rietberg Zürich Almost a Paradise. Fotografie der Kolonialzeit in der zeitgenössischen Kunst, eine Gruppenausstellung, die zwanzig internationale Künstlerinnen und Künstler zusammenbringt, die sich mit dem visuellen Erbe der Kolonialzeit auseinandersetzen. Die Ausstellung untersucht, wie fotografische Bilder weiterhin die Konstruktion von Identität, Erinnerung und Geschichte beeinflussen. Anhand von Fotografien, Textilien, Filmen und Skulpturen interpretieren die eingeladenen Künstler historisches Material neu und hinterfragen die daraus abgeleiteten Erzählungen. Das Projekt konzentriert sich auf ein Phänomen, das in der globalen zeitgenössischen Kunst zunehmend präsent ist: die Verwendung und Neuinterpretation von Fotografien aus der Kolonialzeit durch Künstler, die aus der afrikanischen, amerikanischen, asiatischen, australischen oder ozeanischen Diaspora stammen oder ihr angehören. Die Ausstellung befasst sich mit der Frage, inwieweit Bilder in der Lage sind, Weltanschauungen zu konstruieren, und mit der Möglichkeit, durch künstlerische Praktiken, die in historische Archive eingreifen, plurale Geschichten zu erzählen. Die präsentierten Werke versuchen, die Beziehung zwischen Vergangenheit und Gegenwart neu zu formulieren und zeigen, wie Bilder neu gelesen und transformiert werden können.

Die Ausstellung ist in vier thematische Abschnitte unterteilt, die verschiedene Arten der Auseinandersetzung mit dem kolonialen fotografischen Erbe widerspiegeln. Mal agieren die Künstler als Archivare, mal als kritische Interpreten eines in der visuellen Kultur sedimentierten kolonialen Blicks. In anderen Fällen übernehmen sie die Rolle von Erzählern oder Figuren, die versuchen, die auf den historischen Bildern abgebildeten Menschen zu schützen und ihnen ihre Würde zurückzugeben. Die Arbeiten verdeutlichen den instabilen Charakter der Erinnerung und zeigen, wie Fotografien im Laufe der Zeit neue Interpretationen hervorbringen können.

Der erste Abschnitt mit dem Titel Mutationen beginnt mit einer Feststellung: Seit der Erfindung der Fotografie wurden Millionen von Bildern aufgenommen, doch die Verteilung dieses Erbes bleibt ungleichmäßig. In vielen außereuropäischen Kontexten fehlt es an Fotografien, die die Geschichte lokaler Gemeinschaften dokumentieren, so dass es bei der Rekonstruktion von Ursprüngen und kollektiven Erinnerungen Grauzonen gibt. Die Künstler in dieser Sektion reagieren auf dieses Fehlen, indem sie neue visuelle Archive aufbauen oder wiedergefundene Fotografien überarbeiten. Zu den vorgestellten Autoren gehört der vietnamesische Künstler Dinh Q. Lê (1968-2024), der auf den Märkten von Ho-Chi-Minh-Stadt zahlreiche Fotografien von Familien aufgespürt hat, die vor dem Krieg aus Südvietnam fliehen mussten. In seinem Werk Crossing the Farther Shore sind diese Bilder zu großen kubischen Strukturen verwoben, die den Geschichten des Alltagslebens, die in der offiziellen Darstellung oft ausgeklammert werden, eine visuelle Dimension verleihen.

Im Gegensatz dazu thematisiert die 1967 geborene brasilianische Künstlerin Rosana Paulino das Fehlen einer visuellen Dokumentation der Schwarzen im kulturellen Gedächtnis Brasiliens. In ihrem monumentalen Werk Parede daMemória (Wand der Erinnerung) werden elf Porträts siebenhundertfünfzig Mal wiederholt, wodurch eine visuelle Oberfläche entsteht, die die historische Lücke in der Repräsentation afro-kultureller Gemeinschaften deutlich macht. Der 1992 geborene ivorische Künstler Cédric Kouamé konzentriert sich auf die Materialität von Fotografien. In seinem Projekt The Gifted Mold Archive beobachtet er, wie das Fehlen geeigneter Lagerungsbedingungen in Côte d’Ivoire zum Verfall zahlreicher Bilder geführt hat. Die Zersetzungsprozesse werden jedoch zu einem integralen Bestandteil des Werks und führen zu unerwarteten Kompositionen und neuen Interpretationsmöglichkeiten.

Der zweite Teil der Ausstellung, Konfrontation, untersucht die Beziehung zwischen Fotografie und Kolonialisierung. Die Verbreitung der Kamera in der ganzen Welt fiel mit der Ausbreitung der Kolonialsysteme zusammen, und viele Bilder trugen dazu bei, die kolonisierten Völker als “anders” darzustellen, und schürten Stereotypen, die sich über Zeitschriften und Postkarten verbreiteten. Die in diesem Abschnitt versammelten Werke analysieren diese Darstellungen und stellen ihre visuelle Autorität in Frage. Die 1981 geborene amerikanische Künstlerin Wendy Red Star, die dem Volk der Apsáalooke (USA) angehört, schafft in ihrer Serie Four Seasons eine Reihe von inszenierten Selbstporträts, die sich über historische Fotografien der nordamerikanischen Ureinwohner lustig machen. Künstliche Kulissen mit Plastikblumen, synthetischem Gras und aufblasbaren Tieren ersetzen die natürlichen Landschaften, die für romantische Darstellungen der Ureinwohner typisch sind, und unterstreichen den konstruierten Charakter solcher Bilder.

Der 1980 geborene Senegalese Omar Victor Diop beteiligt sich mit dem Projekt Being There, das in Zusammenarbeit mit Lee Shulman realisiert wurde. Der Künstler fügt sich digital in Fotografien ein, die Szenen aus dem Alltagsleben der weißen Bevölkerung in den Vereinigten Staaten in den 1950er und 1960er Jahren zeigen. Diops Präsenz in sozialen Kontexten, von denen ein Schwarzer aufgrund der Rassentrennung ausgeschlossen gewesen wäre, verdeutlicht die Dynamik der Ausgrenzung in der amerikanischen Bildgeschichte. Die 1975 geborene Samoanerin Yuki Kihara hingegen thematisiert mit dem Video First Impressions: Paul Gauguin koloniale Stereotypen. Das Werk hat die Form einer satirischen Talkshow, in der verschiedene Teilnehmer über tahitianische Darstellungen von Paul Gauguin diskutieren, wobei sie geschlechtsspezifische Implikationen ansprechen und queere Lesarten der Ikonografie des Malers vorschlagen.

In der dritten Sektion, Care, wird untersucht, wie historische Fotografien Situationen der Ausbeutung von Körpern und natürlichen Ressourcen dokumentiert haben. Die eingeladenen Künstler intervenieren in diese Bilder mit Gesten, die darauf abzielen, die Würde der dargestellten Personen zu schützen oder wiederherzustellen. Sasha Huber aus der Schweiz, geboren 1975, arbeitet in der Serie Tailoring Freedom mit Fotografien des schweizerisch-amerikanischen Naturforschers Louis Agassiz aus dem Jahr 1850. Die Bilder zeigten versklavte Menschen, die nackt fotografiert wurden, um die Theorie der “Hierarchie der Ethnien” zu stützen. Huber griff mit einem Hefter in die Fotografien ein, durchlöcherte die Oberfläche des Bildes und schuf eine Art symbolischen Panzer, der die Personen dem kolonialistischen Blick entzog.

Ein anderer Fall betrifft Fotografien des amerikanischen Malers und Fotografen Thomas Eakins aus dem Jahr 1882, auf denen ein kleines schwarzes Mädchen nackt abgebildet ist. Die 1981 geborene amerikanische Künstlerin Mary Enoch Elizabeth Baxter interveniert auf diesen Bildern, indem sie ihren eigenen Körper als schützendes Element einsetzt und so eine symbolische Barriere zwischen dem Betrachter und der Figur des kleinen Mädchens schafft. Die im Jahr 2000 geborene Südafrikanerin Zenaéca Singh hingegen arbeitet mit Materialien, die mit der Familiengeschichte verbunden sind. Ihre Vorfahren wurden aus Indien in die Kolonie Natal im heutigen Südafrika gebracht, wo sie als Vertragsarbeiter auf Zuckerplantagen arbeiteten. In ihren Werken arbeitet die Künstlerin Familienfotos in Zuckerglas ein, wodurch leuchtende und zerbrechliche Bilder entstehen, die private Erinnerungen mit der Geschichte der kolonialen Arbeit verbinden.

Die letzte Sektion der Ausstellung mit dem Titel In the Photo Fantastic nimmt die Lücken in der historischen Dokumentation zum Ausgangspunkt. Die Künstler wenden eine Methode an, die der kritischen Fabulation nahe kommt, einem von der Wissenschaftlerin Saidiya Hartman entwickelten Konzept, demzufolge die Grauzonen der Geschichte durch fantasievolle Praktiken erforscht werden können. Ausgehend von visuellen und dokumentarischen Fragmenten konstruieren die Künstler spekulative Erzählungen, die Erinnerung und Erfindung miteinander verweben. Der 1984 geborene französische Künstler Raphaël Barontini präsentiert ein Werk, das Nobosudru gewidmet ist, einer Frau aus der heutigen Demokratischen Republik Kongo. Ihr Porträt wurde während einer von Citroën organisierten Afrikareise zwischen 1924 und 1925 aufgenommen und wurde zum Symbol für die Figur der “afrikanischen Frau” in Europa. Barontini überarbeitete dieses Bild, indem er sich die Episode aus der Sicht der porträtierten Frau vorstellte und sie von einem Objekt der Darstellung in ein erzählendes Subjekt verwandelte.

Die amerikanische Künstlerin Andrea Chung, geboren 1978, beschäftigt sich mit dem afrofuturistischen Mythos von Drexciya, demzufolge schwangere afrikanische Frauen, die während des Sklavenhandels ins Meer geworfen wurden, Kinder zur Welt brachten, die unter Wasser leben konnten. In ihren Arbeiten stellt sich die Künstlerin ein Museum vor, das den Bewohnern von Drexciya gewidmet ist und von weiblichen Figuren bevölkert wird, die historischen Fotografien aus der Sammlung des Museums Rietberg entnommen sind und eine neue Sichtbarkeit erhalten.

Die historischen Fotografien aus der Sammlung des Museums sind in der Tat ein zentrales Element der Ausstellung. Das Museum Rietberg verfügt über ein umfangreiches Archiv von Bildern, die Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts in Afrika und Asien aufgenommen wurden. Die Sammlung umfasst ethnografische Dokumentationen, Fotografien aus dem kolonialen Kontext und Studioporträts, die von afrikanischen und asiatischen Fotografen angefertigt wurden. Viele der ausgestellten Werke basieren auf diesen Materialien, die als Ausgangspunkt dienen, um verborgene Bedeutungen zu enthüllen und die Art und Weise zu hinterfragen, wie Bilder zur Konstruktion des visuellen Gedächtnisses beigetragen haben.

Ein eigens für die Ausstellung gedrehter Film stellt einige der Fragen und Perspektiven vor, die sich während der kuratorischen Recherche ergeben haben. Das Video dokumentiert Momente aus einem Workshop, der im März 2025 im Museum Rietberg stattfand und bei dem Künstler, Forscher und Kuratoren gemeinsam an der fotografischen Sammlung des Museums arbeiteten. Die Ausstellung bezieht auch das Publikum in eine Reflexion über die Beziehung zwischen Fotografie und persönlicher Erinnerung ein. Die Besucher sind eingeladen, die Rolle der Bilder bei der Konstruktion von Erinnerungen und der individuellen Geschichte zu hinterfragen. Eine Reihe von Zürcherinnen und Zürchern haben sich an dem Projekt beteiligt, indem sie ihre Familienfotoalben zur Verfügung gestellt haben, die während der Ausstellungsdauer als Teil eines stetig wachsenden visuellen Archivs präsentiert werden. Fast ein Paradies wird von einem Katalog begleitet, der in deutscher und englischer Sprache von Spector Books herausgegeben wurde und in der Buchhandlung des Museums erhältlich ist. In der Publikation sind Beiträge und Hintergrundmaterial zu den Themen der Ausstellung zusammengestellt.

Koloniale Fotografie und zeitgenössische Kunst: eine Ausstellung über Bilder der Macht in Zürich

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